tag:blogger.com,1999:blog-75583171138827207042024-02-06T21:48:25.596-08:00El Biblogtecario del Rodrigo CaroEl blog de la Biblioteca
del IES Rodrigo Caro de Coria del RíoBitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.comBlogger98125tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-407169017595550912022-10-13T07:39:00.005-07:002022-10-13T07:39:45.522-07:00Cineclub del Rodrigo Caro: Volver de Pedro Almodovar (2006)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWNuSQx7aIlBpl2vUrmt_7HTc5S_mr-gnkh0vf_56gZ9SmEDMFLI3OjymhoT8_sWTql32QySkml3N5kN8tPW5-qY5iiV5CMOyUBL6fEh84vZI-sdc-pn3tVqztby0iXPiZ5ptfRZvRuSVOd05ussO4QrN2r8krfHEOztoXhowe_fXNRDcdEvroWPQLpw/s742/volver%201.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="417" data-original-width="742" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWNuSQx7aIlBpl2vUrmt_7HTc5S_mr-gnkh0vf_56gZ9SmEDMFLI3OjymhoT8_sWTql32QySkml3N5kN8tPW5-qY5iiV5CMOyUBL6fEh84vZI-sdc-pn3tVqztby0iXPiZ5ptfRZvRuSVOd05ussO4QrN2r8krfHEOztoXhowe_fXNRDcdEvroWPQLpw/s320/volver%201.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: right;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p><i><br /> por María Jesús Morón</i></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Nadie podrá negar que Almodóvar tenga una estética
propia, un sello único que hace reconocible para todo aficionado al séptimo
arte su cine. Universal, nos guste o no.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Con Pedro Almodóvar te puede pasar o bien que ames
sus películas o que no sepas por dónde cogerlas. O bien te puede ocurrir como a
mí, que amo algunas de sus películas y hay otras que formarían parte de mi
infierno particular si el infierno existiese y fuera una sala de cine en la que
te proyectaran películas malas por toda la eternidad.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><i><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Volver</span></i><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;"> es una de las que amo.
Amo la estética, la presencia de las actrices, cómo están dirigidas, los
diálogos y la elección de la música y su banda sonora original.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Desde la belleza del estampado de la falda de
Penélope Cruz, las manos recogidas en el regazo de la gran Blanca Portillo,
hasta las flatulencias de la madre, la señora Carmen Maura, recuperada por
Almodóvar con esta película para su universo, me parecen perfectas y que no
sobra nada.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><i><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Volver</span></i><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;"> es una película de
mujeres, y no solo para mujeres, que retrata historias de mujeres normales
dentro del contexto social y económico que la película refleja.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Por supuesto, a casi nadie le ocurre (a la vez) lo
que a estas mujeres en la historia, pero se distingue de otros entornos en los
que Almodóvar ha situado a sus personajes femeninos en otras ocasiones, dentro
del mundo del espectáculo y con mayor poder adquisitivo, como en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La flor de mi secreto</i> o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Todo sobre mi madre</i>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">La historia gira en torno a Raimunda, personaje
magistralmente interpretado por Penélope Cruz. La película retrata las
diferentes vicisitudes acontecidas a su hija, su hermana, su madre, los vecinos
del pueblo y el bar que regenta un amigo y del que ella se apropia a raíz de un
acontecimiento imprevisto.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Esta mujer es el eje sobre el que giran varias
tramas en la película, que podemos resumir en tres: la parte más personal, en
la que tenemos la relación con su marido e hija; la familiar, en la relación
que mantiene con su hermana y con los vecinos del pueblo </span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">(que en un pueblo son como familia) y la parte
laboral, en la que vemos a una mujer que se pasa el día trabajando fuera y
dentro de casa y que además, le quedan fuerzas para llevar un bar para delante.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOIRHzaliPTPLYKB6WVXUbrmY0qvtleRSjHX9boQYQRxw9NmwyuWo5vt3_9LZuZDU40hmtNCFEVluR7fRmi9C9BC5D_sbmIK-zhqLBzDJ_-bzx3iC-Flc-pBhP-H46RoeWdsHoigT9g8YrREDr4fj-LivyzoinB3lczdUpvR-VGGHCPIuagLc0LcbUwg/s851/volver%202.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="553" data-original-width="851" height="208" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOIRHzaliPTPLYKB6WVXUbrmY0qvtleRSjHX9boQYQRxw9NmwyuWo5vt3_9LZuZDU40hmtNCFEVluR7fRmi9C9BC5D_sbmIK-zhqLBzDJ_-bzx3iC-Flc-pBhP-H46RoeWdsHoigT9g8YrREDr4fj-LivyzoinB3lczdUpvR-VGGHCPIuagLc0LcbUwg/s320/volver%202.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Quizás no sea necesario, ya que tras las películas
de Almodóvar hay grandes campañas de promoción, pero vamos a dar algunos datos
sobre la misma.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Película de 2006, escrita y dirigida por Pedro
Almodóvar y también producida por su productora El Deseo. Rodada en las
comunidades de Castilla- La Mancha (de donde es oriundo Almodóvar, como todo el
mundo sabe) y Madrid. El estreno mundial de la película tuvo lugar en Puerto
Llano (Ciudad Real).</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">El reparto es mayoritariamente femenino,
encabezado por Penélope Cruz, acompañada por Lola Dueñas, Blanca Portillo,
Yohana Cobos, Chus Lampreave y Carmen Maura.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Como casi siempre, las interpretaciones de “sus”
actrices han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente y la
película obtuvo numerosos premios y nominaciones.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Un inciso antes de enumerar esos premios. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Digo “sus” actrices porque realmente es así.
Incluso en la película más mala de Almodóvar (a la última de ellas me remito, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Madres paralelas</i>, que no recomiendo a
nadie) las actrices están excelentemente dirigidas y hacen un trabajo extraordinario.
Otra cosa es que la trama de la película no se sostenga.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Como decía, gran cantidad de premios han
reconocido a esta película y al trabajo de las actrices. </span><i style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Volver </i><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">ha sido galardonada como mejor película en los premios del
Círculo de Escritores Cinematográficos, en los Premios Cóndor de Plata y en los
Premios Goya. En los Premios del Cine Europeo y en el Festival de Valdivia
obtuvo el Premio del Público a la mejor película.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">En cuanto a las actrices, Penélope Cruz ha
conseguido el premio a la mejor actriz en los Premios del Cine Europeo, en los
premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, en los Premios Goya y en el
Hollywood Film Festival.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">También Alberto Iglesias (compositor de la banda
sonora original), José Luis Alcaine (director de fotografía), Carmen Maura y
Pedro Almodóvar <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>han sido galardonados a
título individual.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Pero lo más destacable sea quizás el premio
logrado de forma colectiva para las seis actrices de la película en la
categoría de Mejor Interpretación Femenina otorgado en el Festival de Cannes,
lo cual nos indica lo complicado que resulta decidir cuál de las actrices
realiza una mejor interpretación en </span><i style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Volver</i><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;"> </span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMCQ13E-Qu8En7x9K-8ezwH30_kn1QDFoQKUjqnudqpPHAszzR1LtumvADmaKpoJ75qP7KMd-btn9UBnf0z1G9m51yiZ5Q81ycFSwiEcxYGi9tVYtE0P9n3HYTfZwXjdB57aDcFgtMSNayrXuUk3JLxkcngKkXiSifezdMSRI5shNACsaHFYEw0Nwzvw/s300/volver%203.jpg" imageanchor="1" style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="198" data-original-width="300" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMCQ13E-Qu8En7x9K-8ezwH30_kn1QDFoQKUjqnudqpPHAszzR1LtumvADmaKpoJ75qP7KMd-btn9UBnf0z1G9m51yiZ5Q81ycFSwiEcxYGi9tVYtE0P9n3HYTfZwXjdB57aDcFgtMSNayrXuUk3JLxkcngKkXiSifezdMSRI5shNACsaHFYEw0Nwzvw/s1600/volver%203.jpg" width="300" /></a></p><p class="MsoNormal" style="text-align: left;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; text-align: justify;">Como anécdota ocurrida en este Festival de Cannes
comentaba Blanca Portillo en una entrevista que, en la cena de la noche
anterior a la entrega de premios, una persona de la organización del festival
no le dejaba sentarse a la mesa con sus compañeras nominadas porque al tener
pelo no la reconoció como el personaje de Agustina que interpreta en la
película. Todo se resolvió gracias a la mujer de Samuel L. Jackson que la
reconoció y le dijo a la organización: She is Agustina!!</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: left;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; text-align: justify;">Reflexionando tras el visionado de la película te
das cuenta de que el cine de Almodóvar, al menos en </span><i style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; text-align: justify;">Volver</i><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; text-align: justify;">, es atemporal. No hay indicios que nos indiquen en qué época
política o social se está desarrollando la historia. Creo que se debe a que los
personajes son de pueblo, parte de sus vidas transcurre en ellos y en los
pueblos el tiempo no pasa. Las historias son eternas, nunca acaban, pasan de
padres a hijos, mejor dicho en este caso, de madres a hijas.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Quizás la única concesión a la sociedad actual se
observa cuando Agustina (Blanca Portillo) acude a un programa de televisión a
contar su historia, a vender su intimidad, su alma. Imposible no sentir lástima
por Agustina, tan buena persona, tan vulnerable, sentada en la silla del plató
siendo carne para un público ávido de carnaza. Pedro Almodóvar ha dicho en
repetidas ocasiones </span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">que él no ve
televisión y esta me parece una buena forma de ser crítico con lo que puede
llegar a vender la televisión.</span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOBoexIwzrmazXojCtKUBcdlcsHTVsjjb6pqIc3-XUnufpwr0xMK-3Sa8ob3X469E-IapF3ltQZzOxYp0Uv3NMxVttiyQ-kCe0-PbhYHw0540UmHQdnr1yOsp2jKLqDrh5WQSPvuHRWkOYKT9kYI5onJ_glDXYZ4ZdDwniVfs9-lxIr0FblPqKuQU3Xg/s813/volver%204.jpg" imageanchor="1" style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="543" data-original-width="813" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOBoexIwzrmazXojCtKUBcdlcsHTVsjjb6pqIc3-XUnufpwr0xMK-3Sa8ob3X469E-IapF3ltQZzOxYp0Uv3NMxVttiyQ-kCe0-PbhYHw0540UmHQdnr1yOsp2jKLqDrh5WQSPvuHRWkOYKT9kYI5onJ_glDXYZ4ZdDwniVfs9-lxIr0FblPqKuQU3Xg/s320/volver%204.jpg" width="320" /></a></p><p class="MsoNormal" style="text-align: left;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt; text-align: justify;">Almodóvar crea tres escenarios distintos en la
película bien diferenciados. Por un lado está la casa de Raimunda (Penélope
Cruz), donde se plantean los problemas del día a día: las relaciones personales
entre los tres miembros de la familia (madre, padre e hija), los problemas
laborales (el marido se queda en paro), llegar a fin de mes, tener más de un
trabajo, etc.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Luego está la casa de Sole (Lola Dueñas), la
hermana de Raimunda que vive y parece estar sola (no sé si por eso Almodóvar la
llamó Soledad, habría que preguntarle) y en la que tiene una peluquería. En
este escenario se desarrollan las partes cómicas de la película, sobre todo a
raíz de la aparición del “fantasma” de la madre que hay que ocultar a los
demás.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;">Por último está el pueblo, donde el tiempo no cura
las heridas porque, como he comentado antes, el tiempo no transcurre en los
pueblos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">En cuanto a los personajes, Almodóvar cuenta que
las mujeres de la película cometen actos moralmente deleznables pero que como
escritor las redime porque quiere creer en la justicia humana y salvarlas así
de otros tipos de juicios menos humanos.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 12pt;">Por último destacar de esta película al escritor
de la misma, Pedro Almodóvar. Escribir una historia en la que hay incestos,
violaciones, asesinatos, talk shows, cadáveres en arcones, apariciones de
fantasmas, el play back de un tango y que nos la tomemos en serio, tiene todos
mis respetos.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-51548509195845754992022-09-13T08:03:00.003-07:002022-09-13T08:03:52.900-07:00Cineclub del Rodrigo Caro: ¿Qué fue de Baby Jane? de Robert Aldrich (1962)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYdsF1kzZd7U0l3uGViUgz_esR1N5ussF-RAFspko8F6dQEaO8QEpKODQGoe4fKF9Wyb1pSl_DaiM1Ix_9jgZ--77W6adoi8mjXaqUKUSyVeIjytFCL3PxCBYI0-8_LVL4KT4V4Vbfc4mOzT0OFGJ0qYWK5kZf5lixCwMdA1c7JWzoTpmzWiGVcs_huQ/s1200/A_Qu_fue_de_Baby_Jane-634406870-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="896" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYdsF1kzZd7U0l3uGViUgz_esR1N5ussF-RAFspko8F6dQEaO8QEpKODQGoe4fKF9Wyb1pSl_DaiM1Ix_9jgZ--77W6adoi8mjXaqUKUSyVeIjytFCL3PxCBYI0-8_LVL4KT4V4Vbfc4mOzT0OFGJ0qYWK5kZf5lixCwMdA1c7JWzoTpmzWiGVcs_huQ/s320/A_Qu_fue_de_Baby_Jane-634406870-large.jpg" width="239" /></a></div><div style="text-align: right;">por Juan Gabriel Martínez</div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">En mayo de este año tuvimos la
última sesión de este curso de nuestro cine-club, un nuevo título mítico del
cine americano, de un director del que aún no habíamos incluido ninguna de sus
películas en nuestra programación, Robert Aldrich, un director difícil para el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">establishment</i> de Hollywood por su
particular tratamiento de la violencia y por el desgarro de algunas de sus
películas, entre las que ésta de la que nos ocupamos hoy ocupa un lugar
destacado. Y con ella culminamos la serie de títulos elegida para este curso.
En todos ellos las mujeres han tenido un papel determinante, desde las
diferentes ópticas con las que han sido tratadas en cada una de las películas.
En este caso, se trata, además de un tremendo y magistral duelo interpretativo
entre dos grandes actrices, un enfrentamiento que iba más allá de la pantalla,
y que las protagonistas confirmaron posteriormente. Bette Davis y Joan Crawford
nos muestran una enfermiza relación entre dos hermanas condenadas a convivir
para purgar sus culpas y nos sumergen en un universo opresivo en el que no
entenderemos plenamente qué ocurre y por qué ocurre hasta el final, en un
magistral giro de guion.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">En una época
como la actual, en que tanto en series como en películas (y hasta en la
literatura contemporánea se aprecia esta técnica) abundan las historias
desestructuradas, la multiplicidad de tiempos y perspectivas, en una narración
alambicada que por momentos llega a hacerse incomprensible para el espectador
(quien abandona a veces su trabajo de “reconstructor” y se abandona a la
ulterior explicación del guionista y del director, sea ésta la que fuera y
dándola por válida), ver esta película de otros tiempos (¡y los años 60 son ya
tiempos rompedores en muchos aspectos!) te hace disfrutar de una narración
lineal y heterodiegética, en la que el relato está contado de forma verosímil
desde un punto de vista externo a los personajes (el del director), sin
intervenir en la presentación de los hechos. Y esa linealidad no resta un ápice
a la tensión dramática de la historia, sin desvelarnos ninguna clave que nos
permita arrojar una luz sobre el por qué de la situación anómala que viven esas
dos hermanas. El misterio que rodea sus vidas permanece en esa oscuridad –por
otro lado dominante a lo largo de casi todo el filme en los escenarios del
interior de la casa en la que viven, moviéndonos en todo momento en la duda de
si estamos ante una drama psicológico o una película de terror (o tal vez ambas
cosas no estén tan alejadas de la realidad)- de un pasado en el que está su
justificación. Sin ese misterio, la película no dejaría de ser una más de las
que nos cuentan dramas familiares y crisis personales de viejas glorias de
cualquier disciplina, y no voy a negar méritos a algunos de esos títulos, como,
sin ir más lejos, la espléndida “El crepúsculo de los dioses” (1952) de Billy
Wilder. Ese misterio es el que caracteriza a las historias de policías, de
seria negra, y hasta a las de aventuras. Pero como decía al principio, la fragmentación
de las secuencias y puntos de vista homodiegéticos se han hecho demasiado
recurrentes, siendo un recurso del que se abusa y que a menudo recubre con
complejidades formales lo que a la historia le falta de sustancia.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">En la película
que nos ocupa, Robert Aldrich y Lukas Heller, su guionista (otro judío de
origen alemán más que tuvo que abandonar la Alemania del Tercer Reich, de la
que huyó su familia, y que acabó aportando su talento al cine americano), con
el que también colaboró en “Doce del Patíbulo” (1967) y “Comando en el mar de
China” (1970), nos cuentan, a partir de la novela del mismo título de Henry
Farrell, la historia de una venganza, pero ¿de quién contra quién? Ahí está el
misterio al que el título en forma de interrogación no hace sino aportar más
oscuridad.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Partiendo de
los años en que las dos eran unas niñas, vemos a Jane triunfar en los
escenarios de todo el país y vendiendo muñecas que son una réplica de la joven
estrella, mimada por el padre y aclamada por el público. Entre tanto, Blanche
recibe palabras de consuelo de su madre, al tiempo que la aconseja que cuide a
su hermana si la situación se invierte en el futuro. Los años pasan rápidamente
para presentarnos a las dos hermanas ya adultas; pero, cosas de la vida, Blanche
ha alcanzado la fama en el cine, en tanto que su hermana Jane ha perdido el cariño
del público (¡lástima esos niños artistas prodigio, víctimas de la sociedad y
de sus familias) y el interés de los productores. Siguiendo los consejos que le
dio su madre, Blanche establece en sus contratos una claúsula por la que su
hermana debe rodar una película por cada una que ella haga, para desesperación
de guionistas y directores y pese a sus reticencias, ya que no encuentran
ninguna calidad en esta antigua niña prodigio. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Pese a esa
magnanimidad, los celos que siente Jane hacia su hermana triunfadora se siguen
interponiendo entre ellas. Es en esa época cuando, en una noche a la vuelta de
una fiesta, se produce un sospechoso accidente de tráfico con el nuevo coche de
Blanche, en el que ésta resultó gravemente herida y que la dejó paralítica. Del
accidente se hizo responsable a Jane, ya en un lamentable estado por culpa de
su afición desmedida al alcohol, quien abandonó a su hermana en la entrada de
su casa y, en plena borrachera, se fue a un hotel, donde fue encontrada al día
siguiente.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4_KgpYrYBeP5ltFtSEwLUUFUYlbeFplc0iBDKww5EAh9P9agPyKiwFWWGPhOVkgmDAbap1ghn3R-1xTrKLUmniH0kr9p6ZMNvAJdTFJvFU_Fy3DL7m7GGIrUOwPoxzlFi3pwJBGKlCCv6VaXbURTxmrfFWmFR-EMxDW2n7lhgEU-Sd0kqwSCXajKKsw/s872/Bette_Davis_and_Joan_Crawford_in_Whatever_Happened_to_Baby_Jane_trailer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="872" height="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4_KgpYrYBeP5ltFtSEwLUUFUYlbeFplc0iBDKww5EAh9P9agPyKiwFWWGPhOVkgmDAbap1ghn3R-1xTrKLUmniH0kr9p6ZMNvAJdTFJvFU_Fy3DL7m7GGIrUOwPoxzlFi3pwJBGKlCCv6VaXbURTxmrfFWmFR-EMxDW2n7lhgEU-Sd0kqwSCXajKKsw/s320/Bette_Davis_and_Joan_Crawford_in_Whatever_Happened_to_Baby_Jane_trailer.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Han bastado unos
minutos de las más de dos horas del metraje para que director y guionista nos
sitúen en la vejez de ambas. Siguen viviendo juntas desde aquella noche, tras
la que Jane asumió la responsabilidad de cuidar a su hermana, sintiéndose en
deuda con ella y responsable de su situación actual. Pero a cambio, la somete a
humillaciones constantes y le impide llevar una vida social normal, inmersa en
el ambiente lóbrego, claustrofóbico de la mansión donde viven las dos, y a la
que sólo viene algunos días una asistenta que se ocupa de la casa y de cuidar a
Blanche, postrada en una silla de ruedas, recluida en el piso superior de la
mansión. Su situación económica es preocupante, y se limitan a vivir del
patrimonio acumulado en los años de estrellato de Blanche antes de su
accidente. Las necesidades apremian y el estado mental de Jane es cada vez más
preocupante, por lo que Elvira, la asistenta, recomienda a Blanche que ponga en
venta la mansión e ingrese a su hermana en un sanatorio. Blanche no se atreve a
tratar el tema con su hermana, y tardaremos poco en ver que no le faltan
razones.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Por su parte,
Jane, refugiada en el alcohol y asumiendo un destino que la ha mantenido al
lado de su hermana (¿por falta de recursos propios, por una carrera artística
acabada demasiado pronto, por compasión por su hermana impedida, por amor-odio,
por celos, por sentimiento de culpa? ¿O por todo ello?), aún rememora su niñez
triunfante en los escenarios de todo el país y abriga la esperanza de recuperar
esa gloria. En uno de los momentos más terribles de la película, veremos a Jane
(Bette Davis) maquillándose ante el espejo como Baby Jane, con los mismos
tirabuzones rubios, luciendo el mismo modelo de vestido con el que triunfó,
intentando recuperar aquella imagen que para ella está asociada a la felicidad,
la de la muñeca que aún ocupa un lugar en su habitación. Un placer infantil que
la vida le arrebató, incluso en el terreno sentimental, ya que tampoco los hombres
le correspondieron. Pero ella cree que aún puede llegarle una nueva oportunidad
y para ello contacta con un músico con el que pretende iniciar una nueva gira, un
tipo sin escrúpulos convertido en un estafador, interpretado por Víctor Buono,
uno de esos secundarios imprescindibles y que obtuvo una nominación al mejor
actor de reparto en los premios Óscar de ese año por su interpretación en esta
película. Si hubiera que ilustrar con una imagen el esperpento de nuestro gran
Valle-Inclán, no me cabe la menor duda que las secuencias de Bette Davis ante
el espejo que le devuelve la imagen de lo que es más una máscara que un rostro,
intentando recuperar su infancia, y posteriormente cantando “Le escribí una
carta a papá” (la repulsiva y almibarada canción con la que triunfaba en los
escenarios), serían un exponente antológico, aunque también nos acerque al
terror que nos inspiran las viejas muñecas de porcelana.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">A lo largo del
filme vamos viendo cómo se va deteriorando la salud mental de Jane, cada vez
más celosa de su hermana, alcoholizada hasta el extremo de ir perdiendo el
control de sí misma, lo que lleva a Blanche a pedir a los repartidores que no
le lleven más botellas de alcohol a la casa. Esta locura la lleva a torturar a
su hermana, sirviéndole en el plato a la hora de la cena el cadáver de su
pájaro, o una rata muerta, haciéndole pasar hambre por no darle ningún otro
alimento; o golpeándola cuando Blanche intenta telefonear a un doctor para que
venga a ver a Jane. E incluso llegará a matar a Elvira cuando, tras comunicarle
que está despedida, ésta quiere despedirse de su hermana y la encuentra atada
en la cama de su cuarto. La situación se va haciendo cada vez más insostenible,
hasta el extremo de que Blanche intentará desesperadamente huir. Finalmente,
consigue llamar la atención de Edwin, el músico contratado por su hermana, que
ha venido a cobrar su cheque por el acuerdo al que ha llegado con Jane, y
también la ve atada, pero a él no lo matará Jane. Esto le permite salir e ir a
avisar a la policía. Entonces Jane decide dejar la casa y se lleva a su hermana
a la playa, donde hubiera querido vivir con Blanche, a quien arrastrará hasta
la orilla, donde esperan la llegada del nuevo día, mientras Blanche agoniza.
Allí transcurrirá la impresionante escena final, solas las dos hermanas,
manteniendo una conversación que arrojará finalmente la luz que nos hará
conocer lo que realmente ocurrió en aquella noche de hace 27 años. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">La policía,
avisada, encuentra a Jane en la playa y la sigue, mientras la gente se va
concentrando a su alrededor atraídos por tan sorprendente escena. La cámara se
elevará, y veremos cómo la policía deja a Jane rodeada de “su público” para
ocuparse de Blanche, tendida en la arena.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Como decía al
principio, esta película ocupa un lugar particular en la filmografía de Robert
Aldrich. Discípulo de Joseph Losey, Aldrich imprimió a su cine un toque
personal, que se caracteriza por el tratamiento de la violencia y las imágenes
de gran crudeza visual, incluyendo el erotismo -como en “Sodoma y Gomorra” (1962)-,
lo que le valió algún despido. Sin duda, “¿Qué fue de Baby Jane?” es la
película con la que Aldrich tuvo mayor reconocimiento, tanto de crítica como de
público, pero no la única que un buen amante del cine debe ver; también son
imprescindibles el western “Vera Cruz” (1954) o el thriller “El beso mortal”
(1955). Aunque de las cinco nominaciones que tuvo a los premios Óscar por “¿Qué
fue de Baby Jane?”, ninguna fue al de mejor director. De ellas, sólo el
vestuario alcanzó la estatuilla. Y sin embargo, esta película merece un lugar
destacado entre los clásicos del cine, como demuestra que haya sido considerada
“cultural, histórica y estéticamente significativa” por la Biblioteca del
Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National
Film Registry; y especialmente por las dos actrices principales (aunque sólo
Bette Davis fue nominada al Óscar a la mejor actriz). La malas lenguas de
Hollywood, y especialmente la prensa, se hicieron eco de la difícil relación
entre ambas –y la exageraron con fines publicitarios- , glorias del cine de los
años 30, 40 y 50, y que en 1962 no vivían sus mejores tiempos, porque ya se
sabe que “Hollywood no es país para viejas” (aunque eso no sólo pasa allí, como
bien pueden confirmar numerosas actrices de todo el mundo). De esa
circunstancia ha surgido la primera temporada de la serie <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Feud</i>, titulada <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bette and Joan</i>
(2017), en la que dos actrices de la talla de Susan Sarandon y Jessica Lange
encarnan a Davis y Crawford respectivamente, en situaciones vitales y
profesionales similares a las que aquellas vivieron.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFVBHywQzz-UMrZQbNAsNjw-h6CJ3ZB1tBmdw_lKll0JF9Nzz33FA0n-X2Kcqt3ArrHDJ1bW1ZI06Ds62APsIcdcA7btX0gWNd1dSrsYYgh6SnK0VFs8irRfzLxC_DwMEVYmimIZnUc8yR1_Fn4rWOM1Xn2pntfM5PYmodmFaB-7eFQi56el6eEqrwTQ/s850/foto-paso-baby-jane.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="850" height="151" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFVBHywQzz-UMrZQbNAsNjw-h6CJ3ZB1tBmdw_lKll0JF9Nzz33FA0n-X2Kcqt3ArrHDJ1bW1ZI06Ds62APsIcdcA7btX0gWNd1dSrsYYgh6SnK0VFs8irRfzLxC_DwMEVYmimIZnUc8yR1_Fn4rWOM1Xn2pntfM5PYmodmFaB-7eFQi56el6eEqrwTQ/s320/foto-paso-baby-jane.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Sin duda, una
película que no puede dejar indiferente a nadie, a veces por la incomodidad que
nos produce, rayana en la repulsión (y en eso Bette Davis era una artista); a
veces por el morboso deleite que nos depara ver el talento de aquellas dos
grandes actrices, porque sabemos que estaban luchando por demostrar que el cine
no se podía olvidar de ellas; porque aquello era algo más que una película. Era
una balsa en la que debían colaborar para salvarse del naufragio, del olvido. Y
Robert Aldrich supo estar allí para, capitaneando este proyecto casi imposible,
ayudarlas a llegar a buen puerto: hasta el lugar que ocupan hoy en nuestro
corazón y un nuestra memoria de amantes del cine. Una obra llena de pasión y de
humanidad en ese lugar, la Meca del Cine, donde no parecía que hubiera sitio para
los sentimientos.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p></p>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-9838388185795443152022-08-21T12:11:00.000-07:002022-08-21T12:11:09.147-07:00Cineclub del Rodrigo Caro: Thelma & Louise (1991) de Ridley Scott<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCNN1WaVjScnXWtXEyAgESJi8e_oF39I-E347iZM7ANyBzvYdTY1CT0ehNeAxXTsUeYKo2OVlOZuzbdeVjpJw9VQaxL5ReoeqIHF4LmwTojBelLbQ-j1ovAqfxy_P_x0shdgLkgb5_gUCUaZ31RPn24vHWpkI25T_eu6JvSAISh2cKkW35WD520I1wOA/s1080/5492139.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="810" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCNN1WaVjScnXWtXEyAgESJi8e_oF39I-E347iZM7ANyBzvYdTY1CT0ehNeAxXTsUeYKo2OVlOZuzbdeVjpJw9VQaxL5ReoeqIHF4LmwTojBelLbQ-j1ovAqfxy_P_x0shdgLkgb5_gUCUaZ31RPn24vHWpkI25T_eu6JvSAISh2cKkW35WD520I1wOA/s320/5492139.jpg-r_1920_1080-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg" width="240" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;">por Juan Gabriel Martínez</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Los
incondicionales de nuestro cineclub volvimos a citarnos en abril para ver una
de esas películas que no dejan indiferente a nadie. De hecho, las sensaciones e
impresiones que nos dejó al terminar dejaron bien a las claras la muy diferente
recepción que este largometraje de Ridley Scott tuvo entre nosotros. Algo de
eso mismo viví en el año de su estreno cuando, hablando con mis amigos, grandes
admiradores de la obra del cineasta británico -especialmente de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los duelistas</i> (1977) o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blade Runner</i> (1982)- , llegaron a
afirmar, totalmente convencidos, que se trataba de su peor película.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Yo confieso
que me gustó entonces y me sigue gustando ahora, más de treinta años después.
Tal vez no sea la película que me deja atrapado, que me seduce en cada una de
sus secuencias y que vería una y otra vez en la versión “original”, la
“ampliada”, la “del director” y cuantos montajes posteriores sean capaces de
hacer las productoras, pero reconozco que me conmueve y disfruto a partes iguales
con el tema que nos plantea y su tratamiento en forma de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">road movie</i>, con lo que eso supone de aventura.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>No
pretendo encontrar una justificación para rebatir el rechazo que esta película
produce, entre otras cosas porque las causas del mismo pueden ser tantas como
críticas negativas tiene. Por el contrario, creo que es un ejemplo más de la
amplia y heterogénea filmografía del director. A lo largo de sus más de
cincuenta años de carrera, Ridley Scott nos ha ofrecido 27 películas como
director, además de cortometrajes, documentales, anuncios y series de
televisión, alternando o simultaneando su labor como director con la de
productor, de forma que la enumeración de toda su producción excede del formato
de esta reseña. En esa carrera ha abordado todos los géneros, pero en los que
más ha destacado es en el histórico -además de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los duelistas</i>, su primer largometraje, al que ya he hecho
referencia, no podemos olvidar su oscarizada <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gladiator</i> (2000)- y la ciencia ficción -con títulos como la
mencionada <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blade Runner</i> o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Martian</i> (2015)-. Y por supuesto, en
esa larga lista de películas las hay que han recibido malas críticas por parte
de los expertos, del público o de ambos. Pero lo que no falta en sus proyectos,
lo que podría definirse como su sello personal, es la cuidada realización y su
pretensión constante de envolver al espectador en una película en la que la
ambientación, la música, el montaje, la fotografía, cobran una relevancia
excepcional, de modo que todos los espectadores, hayamos salido del cine con una
impresión más o menos favorable, seremos capaces de recordar secuencias que
permanecerán para siempre grabadas en nuestras retinas y en nuestra memoria
cinematográfica, y no sólo estoy hablando de la icónica imagen del final de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blade Runner</i> (casi podemos citar de
memoria el monólogo de despedida del replicante Roy Batty: “yo he visto cosas
que vosotros no creeríais…”), película que ya tuvimos el placer de ver hace
unos años en nuestro cine-club; también suena en nuestra mente la banda sonora
de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gladiator</i>, compuesta por Hans
Zimmer y Lisa Guerrard, mientras vemos cómo Maximo pasa la mano sobre las
espigas de trigo de su hacienda; y de igual manera recordamos con horror la
última escena de John Hurt en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alien</i>
(1979), considerada por numerosas publicaciones como una de las más memorables
de la historia cinematográfica. Y ya que estamos con <i>Thelma & Louise</i>, todos
recordamos un final que, guste o no, también forma parte de la iconografía
fílmica (y semántica, hasta el punto de llegar a existir en el lenguaje popular
de una cierta generación, la expresión “hacerse un Thelma y Louise”. Hasta
Joaquín Sabina nos hace un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">spoiler</i> en
su canción <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Titamisú de limón</i> cuando
nos dice: “Al borde del precipicio / jugábamos a Thelma y Louise…”). Respecto a
este “sello” característico de nuestro director, quiero hacer mención de un
título que tal vez no sea muy relevante, pero que en el momento de su estreno
constituyó un ejemplo perfecto de esa estética casi de vídeo-clip: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La sombra del testigo</i> (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Someone to Whatch Over me</i>, 1987), un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">thriller</i> romántico con poco éxito de
taquilla, como también fue el caso de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Black
Rain</i> (1989), un drama policial, su primera colaboración de las seis que
tuvo con el compositor Hans Zimmer.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Pero volviendo
a la película que nos ocupa, <i>Thelma &</i> <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Louise</i> le supuso un nuevo éxito de taquilla, además de ser recibida
con buenas críticas, valiéndole además las nominaciones de las dos
protagonistas, Susan Sarandon y Geena Davis, a los premios Óscar de ese año,
aunque no los lograron al cruzarse en su camino Jodie Foster con su magnífica
actuación en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El silencio de los corderos.</i><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Partiendo de
una historia muy simple, pero no por ello intrascendente, Ridley Scott nos hace
recorrer los Estados Unidos durante la persecución de estas dos mujeres,
buscadas por la policía federal por el asesinato de un hombre. Puede parecernos
que los motivos de estas dos mujeres para emprender esta “aventura” (un
tranquilo fin de semana de liberación de sus rutinas habituales con sus
parejas) no son suficientes para construir una historia, y que los derroteros
que toma esta aventura son exagerados. Pero la vida es así, imprevisible,
inabarcable, variable. Precisamente, lo importante de esta historia, a mi
juicio, es que las respuestas del ser humano ante las circunstancias que se le
presentan, no están sujetas a lógica alguna. Y lo que parece intrascendente
puede convertirse en una pesadilla de la que es imposible salir porque la
vuelta atrás ya es imposible. Las figuras insignificantes de dos mujeres
corrientes adquieren un carácter de epopeya y se convierten en arquetipos de lo
que nos gustaría ser capaces de hacer, pero la mayoría de nosotros no hacemos
por falta de valor o por acomodamiento al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">status
quo</i>. No quiero que se me malinterprete y se entienda que comparto los actos
en exceso violentos protagonizados por las dos mujeres, una más racional, la
otra más pasional, como forma de superar algunas de las situaciones que viven,
pero me voy a permitir la licencia de recordar a Odiseo en su empeño por
regresar a Ítaca: deberá dejar ciego a Polifemo, lo que le granjeará la
enemistad profunda y permanente de Poseidón, padre del cíclope; será infiel a
su amada Penélope con Circe y con a Calipso, quienes se empeñan en retenerlo
enamoradas de él, engañará a quienes sea necesario para conseguir sus fines y
finalizará su aventura en medio de un baño de sangre en su casa. No podemos
decir que el “astuto Odiseo” sea un dechado de virtudes, pero todo se supedita
a un fin último. En el caso de nuestras dos heroínas, la vuelta al hogar se
presenta como imposible, lo que ya nos queda claro en la conversación que el
personaje de Susan Sarandon (Louise Shawer) mantiene con su pareja cuando
Louise le pide dinero a Jimmy para continuar su huida hacia adelante.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsNuPtfZ-tIlwdmMac__IYUXqO57PmCxUifbxgG64bNJ_x4GfX34i0jjb_zq3VF04XT8KlG6clmZ8RQQbTgPqQvTiXWCbXgyYstOhLQUUTtYqk7EuW1VDHEttyyrl0GTH0jZ5WJ8NKnvBPX4drAOzoL8ctCz0jwtDoh1sndW6z2Bi2QpFkKYxEikooGA/s1256/30-aniversario-de-la-pelicula___43deZaSmx_1256x620__1.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="620" data-original-width="1256" height="158" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsNuPtfZ-tIlwdmMac__IYUXqO57PmCxUifbxgG64bNJ_x4GfX34i0jjb_zq3VF04XT8KlG6clmZ8RQQbTgPqQvTiXWCbXgyYstOhLQUUTtYqk7EuW1VDHEttyyrl0GTH0jZ5WJ8NKnvBPX4drAOzoL8ctCz0jwtDoh1sndW6z2Bi2QpFkKYxEikooGA/s320/30-aniversario-de-la-pelicula___43deZaSmx_1256x620__1.webp" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="text-indent: 35.4pt;">También es
cierto que los personajes masculinos son presentados en general como
insignificantes e irrisorios, excepto un improbable jefe de policía
interpretado por Harvey Keitel, que empatiza con las dos fugitivas. Sólo él
será capaz de ponerse en la piel de una mujer que ha dejado salir a la fiera
que todos podemos llevar en nuestro interior, ese yo profundo que las
convenciones de la vida social hacen que permanezca callado hasta que un día
sale al exterior y ya nada puede retenerlo, un genio de la lámpara que ya no
quiere volver a encerrarse. Frente a este “policía bueno” (una figura habitual
en el cine y la literatura), otros personajes más despreciables aparecen a lo
largo del filme, empezando por un jovencísimo y atractivo Brad Pitt, en el
papel de un buscavidas que no es consciente del mal que puede llegar a causar
con su forma de vida, o los tres símbolos del machismo más repulsivo que se
cruzan en el camino de las dos mujeres: el macho del bar que pretende violar a
una Thelma borracha, el policía que las hace parar y abusa de su autoridad con
ellas o el camionero vulgar que las agrede con palabras soeces y gestos
procaces. Tal vez la presentación de estos “tipos” sea simplista, pero nadie
puede negar que son representantes de un sector de la población masculina. Y
estas dos precursoras del #Metoo nos hacen asistir a un tipo de reacción que,
si bien no es la común y la correcta, sí late en el fondo de nuestra
conciencia. Por otro lado, será la mujer más fría, la de mayor edad, la que
encuentre en esta ocasión la forma de ajustar las cuentas con su pasado, que ha
intentado mantener escondido, callado, y que, a través de ciertos indicios irá
descubriéndose poco a poco: su reacción ante el intento de violación que sufre
su joven amiga o su rechazo a seguir la ruta más corta para llegar a México
(saliendo del estado de Arkansas y sin pasar por Texas). Su mente calculadora
se rendirá cuando Thelma, en una prueba definitiva de inconsciencia, las deje
sin más recursos con los que proseguir su huída. El momento en que Thelma toma
la iniciativa (y el volante del coche), adentrándose en un terreno desconocido
y temerario, coincide con el de mayor abatimiento de Louise, cuando se da por
vencida. Y es justo en ese momento cuando la complicidad entre ellas se
fortalece y nosotros sabemos que su destino, el que deba ser, va a ser
compartido. De poco han de servir las buenas intenciones que manifiesta el jefe
de la investigación en el cumplimiento de su deber, consciente de que ambas son
a la vez culpables de una serie de actos (asesinatos, robos, atentados contra
la autoridad, voladura de un camión cisterna de material inflamable) y víctimas
de las circunstancias y de una sociedad machista que no les ha dado la
oportunidad de realizarse como mujeres. Esta es su última oportunidad y la van
a llevar hasta el final.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">La realización
del film está llena de esos momentos e imágenes que caracterizan el cine de
Ridley Scott y de los que hablaba al principio. La música de Hans Zimmer (una
vez más) hará de contrapunto sonoro a los paisajes del desierto por donde
viajan las dos amigas, que según el guion es el de Arizona. En realidad, Ridley
Scott eligió para filmar esas imágenes el estado de Utah, y debemos reconocer
que la iluminación de las imágenes nocturnas resulta un tanto falsa, pero la
belleza de las composiciones no va a dejarse vencer por la oscuridad de la
noche del desierto -¿quién habla de realismo?- privando a los espectadores de
estos vídeo-clips musicales marca de la casa). Debemos reconocer la calidad de
la fotografía por la que Adrian Biddle también estuvo nominado a los premios
Óscar.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">El guion de
Callie Khouri, por el que recibió el Óscar al mejor guion original, pretendía
poner dos protagonistas femeninas en un género absolutamente masculino, como
ella misma dijo: “En tanto que cinéfila, he sido alimentada por el papel pasivo
de las mujeres. No conducían nunca la historia porque no conducían nunca el
coche”. En él, los espacios abiertos del Oeste americano se convierten en un
personaje más, en un guiño a los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">westerns
</i>de los años 50, un género que también está presente en los planos de los
personajes solitarios en medio de esas inmensidades, en los vehículos que
sustituyen a los caballos y las diligencias, y en las polvaredas que tanto unos
como otros producían en las escenas de movimiento. O como ese remedo del típico
duelo de revólver que se produce entre las dos protagonistas y el camionero
antes de que le hagan explotar el camión.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_em8hA_rJdueMk6smCy_fcXhlXlSEoy5YhNgwilPq9ZTQrAlieAkS25GgtHHvZoO_suxZf_SkZOhblj0x5SuhazqZQKnbrgHXTd5JDA_vITR7Vtrkh4Xp85ecJouy1zsgsDEs-WfvxAaLgEoDNjoGK8_9r8fKeVxuxECfCNsR9NVKOgVDEt6Nm1nRmg/s510/Screen-shot-2013-03-20-at-8.09.55-AM.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="322" data-original-width="510" height="126" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_em8hA_rJdueMk6smCy_fcXhlXlSEoy5YhNgwilPq9ZTQrAlieAkS25GgtHHvZoO_suxZf_SkZOhblj0x5SuhazqZQKnbrgHXTd5JDA_vITR7Vtrkh4Xp85ecJouy1zsgsDEs-WfvxAaLgEoDNjoGK8_9r8fKeVxuxECfCNsR9NVKOgVDEt6Nm1nRmg/w200-h126/Screen-shot-2013-03-20-at-8.09.55-AM.png" width="200" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="text-indent: 35.4pt;">El tono de
humor de algunas escenas, que se puede malinterpretar por esperpéntico (tal vez
el ejemplo más significativo sea la escena del ciclista </span><i style="mso-bidi-font-style: normal; text-indent: 35.4pt;">rastafari </i><span style="text-indent: 35.4pt;">que echa el humo del porro que se está fumando en el
maletero del coche de policía, donde está maniatado el agente, a través del
orificio que las protagonistas hicieron con un disparo para que éste pudiera
respirar) fue expresamente buscado por Scott, ya que pretendía hacer agradable
para el público una historia indudablemente dramática. De hecho, las
alternancias de estos episodios humorísticos, contribuyen a dar un tono
optimista a la aventura que emprenden estas dos amigas en busca de una libertad
a la que de un modo u otro ya no renunciarán.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Hablaba al
principio de la diferente acogida y variadas reacciones de los espectadores a
la película, Desde su estreno, la polémica la ha acompañado, recibiendo
críticas de fascista (por la forma violenta de resolver los conflictos) o
misándrica (por ser anti-hombres). Pero de igual modo recibió el apoyo de
movimientos homosexuales que hacían una lectura lésbica de la relación entre
las dos amigas. Y lo que no podemos negar es la influencia posterior y aún
presente en el cine y en la televisión, así como las referencias que de ella
hay en obras literarias (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Muselière</i>,
de Laurence Villani en Francia) y en la música actual (en Francia también, la
cantante Tori Amos escribió, tras ver la película, una canción titulada <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Me and a Gun</i> en la que relataba el
intento de violación que había sufrido siete años antes y del que nunca había
hablado; y también Lady Gaga y Beyoncé hacen alusión a ella en el fragmento
final del vídeo de la canción <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Telephone</i>,
entre otras muchas canciones de cantantes ingleses y españoles, como la
anteriormente citada de Joaquín Sabina, o la de Fito Paez, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dos días en la vida</i>); y hasta en los vídeo-juegos <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Legend of Zelda: The Twilight Princess</i>
y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Grand Theft Auto V</i>).<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Tras todo lo
dicho, no me cabe ninguna duda de que, cuando una película da tanto que hablar
y está tan presente en temas de actualidad, no puede ser ignorada y merece un
lugar entre los clásicos modernos, como demuestra el hecho de que figure en la
colección del British Film Institute desde el año 2000. Y el debate sigue
abierto.<o:p></o:p></p>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-31040773191639171322022-01-18T12:50:00.003-08:002022-01-18T12:50:25.249-08:00Cineclub del Rodrigo Caro: Desayuno con diamantes (1961) de Blake Edwards<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjznEMHf3EBwbBLvW3W303wM7DP0kKTTH5J_IJ45pmuMqNlnRiSUF5fZDPGGNFc4Z5q7VR3f8Td4rsW_LBmjYNqj_xXhMf7LOKhBHSNTqviL0MGg3HLGftPuJEJPfWOcvdgu5E7o5PCBOh7E-kfwLcDPkmOzjT7UgpEgrDeslawMCEgt_m2-gAGvoe5Iw=s2938" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2938" data-original-width="1904" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjznEMHf3EBwbBLvW3W303wM7DP0kKTTH5J_IJ45pmuMqNlnRiSUF5fZDPGGNFc4Z5q7VR3f8Td4rsW_LBmjYNqj_xXhMf7LOKhBHSNTqviL0MGg3HLGftPuJEJPfWOcvdgu5E7o5PCBOh7E-kfwLcDPkmOzjT7UgpEgrDeslawMCEgt_m2-gAGvoe5Iw=s320" width="207" /></a></div><div style="text-align: right;">por Juan Gabriel Martínez</div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">No sé cómo
reaccionarán otras personas en situaciones como la que voy a describir a
continuación a propósito de esta comedia romántica, pero hay títulos que
disparan automáticamente un reproductor musical en mi mente, como si alguien
seleccionara en una <i style="mso-bidi-font-style: normal;">jukebox</i> (si digo
su nombre en español es posible que nadie sepa de qué estoy hablando: una
sinfonola) una melodía de esas llamadas imperecederas:<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Moon river, wider than a mile,</i></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="text-indent: 35.4pt;"><span lang="EN-GB">I’m crossing you in style some day.</span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;">Oh, dream maker, you heart breaker,<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;">Wherever you’re goin’, I’m goin’ your way.”<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;"><o:p> </o:p></span></i><span style="text-indent: 35.4pt;">Y a partir de ahí, la historia de la película transcurre ante mis ojos
con una mezcla de ternura, tristeza, nostalgia… y un poquito de edulcorante,
para qué negarlo. Por ello, no voy a llevar la contraria a quienes no la tienen
en gran estima. Pero también creo que es justo que reconozcan que la presencia
de una delicadísima Audrey Hepburn no hace sino realzar los valores
cinematográficos –que sin duda tiene- de este clásico de los años sesenta, en
la que fue la interpretación que la consagró como la reina del </span><i style="text-indent: 35.4pt;">glamour.</i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="text-indent: 35.4pt;">Dentro de este </span><i style="text-indent: 35.4pt;">glamour </i><span style="text-indent: 35.4pt;">que
caracteriza a todo el film, no podemos dejar de mencionar el vestuario, que le
debemos a Hubert de Givenchy, el célebre modisto francés que vistió a famosas
mujeres y grandes estrellas del cine, entre ellas a Audrey Hepburn en esta
película, así como en </span><i style="text-indent: 35.4pt;">Una cara con ángel </i><span style="text-indent: 35.4pt;">(1958),
por la que obtuvo una nominación a los Óscar. Los trajes que diseñó para la
actriz (y amiga suya) tuvieron y tienen aún gran influencia en un gran número
de diseñadores.</span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><o:p> </o:p> Sin duda, la banda sonora de <i>Desayuno con diamantes</i>, y en particular
la interpretación que del tema principal hace Audrey Hepburn tocando la
guitarra sentada en la escalera de incendios una bonita mañana del otoño
neoyorquino, son dos momentos estelares de la historia del cine. En el curso
pasado cerramos el ciclo de películas con otra banda sonora inolvidable
compuesta por el maestro Ennio Morricone para <i>Cinéma Paradiso</i>; como si un hilo invisible las uniera, iniciamos el
de este año con otra película cuya banda sonora es absolutamente imprescindible
y reconocible por todo el mundo. No en vano, <i>Moon River</i> (cuya letra debemos a Johnny Mercer) fue seleccionada
por el <i>American Film Institute</i> en
2004 como la cuarta canción más memorable de la historia del cine. Por ella, y
por la banda sonora de todo el film, Henry Mancini ganó dos premios Óscar en
1961, además de dos premios Grammy en 1962.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiIGj_3GyC2kvubIF1am9PlvrjzlxLJII1GvtcydYYc9mKRQUMSI2kPNL2UzcLJVZsttas8731lNyMZm43Kdf_XL377Rrt7EzejK9nCrRhr79slezQEUJR6hfNKLIVXeyjbcdbiNAEv1pCipCt06_KJV4xLtyD_7ALBQtn76356PfOl99CFM3sS-ZDApA=s782" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="782" data-original-width="770" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiIGj_3GyC2kvubIF1am9PlvrjzlxLJII1GvtcydYYc9mKRQUMSI2kPNL2UzcLJVZsttas8731lNyMZm43Kdf_XL377Rrt7EzejK9nCrRhr79slezQEUJR6hfNKLIVXeyjbcdbiNAEv1pCipCt06_KJV4xLtyD_7ALBQtn76356PfOl99CFM3sS-ZDApA=s320" width="315" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><o:p> </o:p> Éste
fue el título elegido para iniciar una nueva temporada del cine-club del IES
Rodrigo Caro, en respuesta a la demanda de alguna alumna a finales del ciclo
anterior. Y con él nos acercamos al universo femenino, tan presente en la inspiración
de tantos grandes títulos en la historia del cine como poco reconocible en
muchos de ellos.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Decíamos
al principio que se trata de una comedia romántica, pero tampoco estaría mal
considerarla una comedia dramática, si nos atenemos a la historia que subyace
bajo esa apariencia de frivolidad y enamoramiento dificultoso lleno de tramas
destinadas a concluir en el típico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">happy
end.</i> Sin duda, la novela de Truman Capote en la que se inspira (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Breakfast at Tiffany’s</i>) explicita mucho
más las circunstancia que envuelven al misterioso personaje de Holly Goligthly,
pero la censura americana y, sobre todo, el sentido comercial que Edwards da a
sus películas, siempre más cercanas a la comedia que al drama, hicieron que los
detalles escabrosos del original se obviaran. Así, Holly se gana la vida
ejerciendo el oficio de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">escort</i> (¡y ya
van tres anglicismos en esta reseña!), o lo que es lo mismo, aunque suene más
prosaico en español, de prostituta. Tras una difícil infancia y un matrimonio
por pura supervivencia, exento de amor, Holly recala en Nueva York, donde lleva
una vida mundana, extravagante y desordenada, buscando una oportunidad para ser
artista o a la espera de encontrar la felicidad con un marido rico que la haga
olvidar un pasado que pese a todo la persigue. Pero, además, el personaje
original es abiertamente bisexual, lo que la haría un personaje muy interesante
en el panorama cultural actual, pero que iba mal con la imagen angelical de
Audrey Hepburn a principios de la década de los sesenta. Y por supuesto, se
evita cualquier alusión a un aborto anterior y a su afición a fumar marihuana
(aunque casi al final de la historia, en el momento de su detención por la
policía, se hace una alusión de pasada a la posibilidad de que hubiera droga en
su apartamento), limitándose a teñir al personaje de un cierto tono gris por su
afición al alcohol. Está claro que nuestro admirado Truman Capote tenía un
espíritu torturado del que dotaba a sus personajes (los reales de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">A sangre fría</i> y los ficticios, como los
de la novela que nos ocupa).<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> Holly
encuentra a un joven y atractivo escritor de poco éxito que se instala en su
mismo edificio, y a partir de ahí entablan una relación ambigua, entre la
amistad (porque hay muy poco en común entre ellos, al margen del evidente
atractivo físico) y el enamoramiento en el que se mezclan atracción y ganas de
ayudarse. Para evidenciar ese afecto amistoso que siente por él, Holly, en uno
de sus habituales gestos extravagantes, decide llamarlo como a su hermano:
Fred, aunque el chico se llama Paul. Como en toda comedia romántica, nada hace
pensar que esa relación pueda llegar a algo más profundo, pero ya sabemos cómo
es el cine: de crisis en crisis, de dificultad en dificultad, de vivencia en
vivencia, los personajes de Holly y Paul Varjak (un guapísimo George Peppard de
32 años, uno más que Hepburn) van acercándose más allá de la compañía y la
ayuda mutua que se dan. La belleza de ambos se complementa con la nobleza de
sus caracteres, la inocencia que los hace intocables ante las vilezas del mundo
en el que viven y del que, por otro lado, no quieren salir. De hecho, la
despreocupada Holly se presta a un curioso servicio de transmisora de
información codificada entre un conocido mafioso encarcelado en Sing Sing y sus
secuaces en el exterior, servicio por el que recibe una remuneración que a ella
le parece desinteresada porque no sabe cuál es su función en esa red delictiva
y que la llevará ante la justicia en la última parte de la película.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">La vida en
Nueva York es difícil, pero merece la pena (y las penas son muchas) afrontarla,
aunque para ello Holly deba ofrecerse a “caballeros” de alto nivel social, a la
caza de un hombre rico que quiera casarse con ella, lo cual cree conseguir por
fin con el político José da Silva Pereira (personaje encarnado por el
aristócrata español y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">playboy</i>
internacional José Luis de Vilallonga): éste la desposará y la llevará a Brasil
para empezar una nueva vida feliz. O que Paul Varjak acepte vivir como un
mantenido por una rica amante, casada, que le pone en contacto con el mundo de
las editoriales, donde espera publicar y continuar su incipiente carrera
literaria en la que sólo hay un libro editado hasta ese momento. Esas son las
dificultades de sus vidas, que ellos mismos reconocen como una farsa: una
realidad grosera y hostil en la que los bellos momentos de calma y dicha son
escasos, y Tiffany’s es uno de esos raros lugares donde se pueden encontrar.
Por eso Holly suele acabar su jornada “laboral” a las seis de la mañana, en una
ciudad aún vacía antes de que sus calles se animen con el ir y venir de miles
de personas, cada una con sus preocupaciones, delante de los escaparates de la
joyería, deleitándose en la contemplación de unos diamantes que para ella
representan el mundo feliz donde querría vivir, con un desayuno en la mano,
adquirido en algún lugar abierto. Los diamantes, símbolo de la belleza, la
serenidad y la seguridad ante el tiempo que no se detiene, de los anhelos de
una joven que ha tenido una infancia difícil.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
desordenada vida de la mundana Holly, en la que Paul intenta poner un relativo
orden, nos lleva a conocer la historia real del personaje, esa que quiere
olvidar a base de ignorarla, pero que la obstinada realidad acaba poniéndole
delante de sus narices, y con ello la deja al descubierto ante su entorno. Su
verdadero nombre es Lula Mae Barnes, originaria de Texas. Allí se casó siendo
una adolescente (¡14 años!) con Doc Goligthly, quien aún se cree su marido pese
a que lo abandonó un día para huir de esa vida y perseguir un sueño. El buen
hombre había comprendido que aquella niña no estaba enamorada de él, por lo que
la dejó marchar y no le guardó ningún rencor. Y con ese buen ánimo se planta en
Nueva York a buscarla para que regrese y se encargue de su hermano Fred (que va
a terminar su servicio militar), de sus cuatro hijos (de un matrimonio anterior
y para los que buscaba una madre cuando se casó con ella) y de él mismo. Para
Holly, la opción de regresar a Texas es impensable, pero sabe que su hermano
(que padece una discapacidad intelectual) necesita su ayuda y asume esa
responsabilidad. Desde ese momento la necesidad de casarse con un hombre rico
se hace perentoria.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Cuando todo
parece ir bien con José da Silva Pereira llega la triste noticia del
fallecimiento de su hermano durante unos ejercicios militares (¡la vida,
siempre la puñetera vida!), el único ser al que Holly se siente unida. Con
ello, la vida de Holly da un brusco cambio y la obliga a enfrentarse a la nueva
realidad de una existencia que ya todos conocen. Las dificultades se acumulan,
pero como en toda buena comedia romántica, esas mismas dificultades hacen que
los personajes se conozcan mejor y sean capaces de superarlas, justo en el
momento en el que parecía que todo se iba al garete. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Entretanto,
Paul, que se ha visto rechazado por Holly tras confesarle su amor, ha iniciado
una vida independiente tras su ruptura con su amante rica: ha cambiado de
domicilio y vive de sus publicaciones (incluso ha publicado y le han pagado un
breve relato en un periódico). Durante ese tiempo Holly se prepara para su
cambio de vida en Brasil, porque parece que la boda con el político portugués
es cosa hecha. Y cuando Paul va a despedirse de ella llega el nuevo revés: la
redada de la policía. Y como consecuencia de ello (o tal vez todo había sido
una farsa más) José da Silva da por roto su compromiso. Holly persiste en su
idea de abandonar Nueva York e iniciar una nueva vida en Brasil, pero eso ya no
será posible. ¿Quién está con ella en esos momentos? De nuevo Paul Varjak,
buscando la fianza para sacarla de la cárcel y yendo a buscarla, llevándole su
gato que aún no tiene nombre (porque nadie pertenece a nadie y nadie tiene
derechos sobre los demás, incluyendo el de dar un nombre, una relación
inestable como todo lo que en la vida de Holly aún no es definitivo),
llevándole su ropa...<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">La tormenta
precede a la calma, y las lágrimas del hundimiento personal anteceden al
encuentro realmente amoroso con el ser que es capaz de estar donde debe en el
peor momento, el único que la ha tratado con respeto, viendo en ella lo que
nadie quería ver; el único que es capaz de decirle las cosas que ella no quiere
oír; el único que la hace enfrentarse a la realidad sin fingimientos y con
valentía. Ya sin artificios, sin <i style="mso-bidi-font-style: normal;">atrezzo</i>,
sin imposturas, cuando sólo el amor puede rescatarlos del abismo, en ese
momento es cuando podemos tener en nuestras manos el mundo entero concentrado
en un callejón destartalado de Nueva York, con la lluvia mezclándose con las
lágrimas y corriendo torrencial por las mejillas (¿estoy escribiendo de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Desayuno con diamantes </i>o de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blade Runner</i>?). Ella, Paul… y Gato.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiAqg2bUUqmX0n8EI7VZ-GWMuC3lj8P3YiBEFD197uesj1UKRZ9_kLIwG3KV_VrfJxrBsVqg3p9sQpoBdcJRq5dZlD-lJZYojvOhnxFtgURo7dFHsD7BDW1gMAf1XmbieGCz25ll0UtL0fENUixySgOoDzu7JOetfJ6Ghag3EndHmiLIXnqTlFBUIQUDw=s1000" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="555" data-original-width="1000" height="178" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiAqg2bUUqmX0n8EI7VZ-GWMuC3lj8P3YiBEFD197uesj1UKRZ9_kLIwG3KV_VrfJxrBsVqg3p9sQpoBdcJRq5dZlD-lJZYojvOhnxFtgURo7dFHsD7BDW1gMAf1XmbieGCz25ll0UtL0fENUixySgOoDzu7JOetfJ6Ghag3EndHmiLIXnqTlFBUIQUDw=s320" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="text-indent: 35.4pt;">Con esta
película Blake Edwards obtendría el primero de sus éxitos de crítica y público.
Tras ella, desarrolló una irregular y prolífica carrera tanto en cine como en
televisión, donde abundan las comedias (entre ellas la larga saga de la Pantera
Rosa), algunas de ellas sobresalientes, como </span><i style="text-indent: 35.4pt;">El guateque </i><span style="text-indent: 35.4pt;">(1968), pero muchas de ellas intrascendentes. En esa
línea de películas cómicas se combinan además los musicales como </span><i style="text-indent: 35.4pt;">Victor Victoria</i><span style="text-indent: 35.4pt;"> (1982) y otras con
tintes eróticos, como </span><i style="text-indent: 35.4pt;">10, la mujer
perfecta </i><span style="text-indent: 35.4pt;">(1979). Pero también le debemos dramas intensos y demoledores,
como la, a mi juicio excelente, </span><i style="text-indent: 35.4pt;">Días de
vino y rosas</i><span style="text-indent: 35.4pt;"> (1962). Y en muchas de ellas contaría con la colaboración de
Henry Mancini, siempre con extraordinarios resultados.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Como
ya he dicho otras veces, una de las grandes riquezas del cine es su capacidad
de hacernos soñar, aunque eso nos aleje a veces de la realidad; pero la vida (y
el cine, ¿cómo no?) también es ilusión. Una ilusión por vivir vidas ajenas, por
conocer lugares lejanos y desconocidos, por tener experiencias que nos hagan
más felices y un poco mejores. Y al final de todo, cada uno de nosotros navega
por un río de amplias resonancias filosóficas y literarias. También
cinematográficas. Cada uno de nosotros seguimos nuestro propio y particular <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Moon River</i>.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></i><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;">“We’re after the same rainbow’s end<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Waitin’ round the
bend<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>My huckleberry
friend<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Moon river and me”<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-GB;"><o:p> </o:p></span></p>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-46686829942550874942021-09-20T09:54:00.007-07:002021-10-04T19:59:21.636-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Cinema Paradiso (1988), de Giuseppe Tornatore<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj5cB_jlvPIEz267k3P-qfOaZCiMIPeIttb3rbg7ENFcKa5MRx0t4rpmkWJN6M5tnLIrsnuB2L2u8nYKImeCES0MhZfr2GZ3wc0WMW3D_WW79buViajehv5kf1yZhpLRdlMyIawRtMMTeU/s755/Cinema_paradiso2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="755" data-original-width="496" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj5cB_jlvPIEz267k3P-qfOaZCiMIPeIttb3rbg7ENFcKa5MRx0t4rpmkWJN6M5tnLIrsnuB2L2u8nYKImeCES0MhZfr2GZ3wc0WMW3D_WW79buViajehv5kf1yZhpLRdlMyIawRtMMTeU/s320/Cinema_paradiso2.jpg" width="210" /></a></div><br /><p></p><div style="text-align: right;">por Juan Gabriel Martínez</div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
final de curso ya estaba cerca cuando tuvimos la última sesión de nuestro
Cine-club, y para ello elegimos una película deliciosa, todo un homenaje al
cine con la que queríamos dejar un buen sabor de boca para cerrar la
programación de un período complicado, pero del que humildemente creo que
podemos sentirnos orgullosos por cómo lo hemos superado: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cinema Paradiso</i>. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Para los que
amamos el cine, es un regalo este film, todo un ejercicio de nostalgia de una
época (esa nostalgia que Alfredo aconseja a Totó dejar atrás para seguir su
camino en la vida), de una manera de ver cine, de unos espacios mágicos, de una
técnica, que ya no volverán. Tan sólo la “arqueología” podrá salvar el recuerdo
de esos cines hoy abandonados -si no demolidos-, de esas máquinas de proyección
convertidas en piezas de museo, o esas cintas de celuloide que en muchos casos
se perdieron devoradas por las llamas. Un tiempo épico para un arte lírico. Con
esta película, Tornatore, al mismo tiempo que rinde un homenaje al cine y sus
gentes, nos sumerge en un discurso metafílmico de sensibilidad melodramática.
Alguien podrá considerar excesivamente sentimental el tono, especialmente el
final, pero ¡qué bien sienta, al menos al que esto escribe, dejarse invadir por
las emociones de vez en cuando sin poner barreras al corazón! (Es justo la
frase sensiblera adecuada para ponerse al nivel del film).<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Pero
vayamos ya a la película propiamente dicha. Su director, Giuseppe Tornatore,
venía del cine documental, y había rodado su primer largometraje (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">El profesor</i>) el año anterior. Fue con
este segundo largometraje (rodado entre 1987 y 1988) con el que logró el
reconocimiento internacional y numerosos premios. Ninguno de sus títulos
posteriores ha obtenido la gran acogida que tuvo<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> Cinema Paradiso</i> tanto entre el público como entre la crítica
especializada.<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Decíamos
más arriba que se trata de un ejercicio de nostalgia, pero también constituye
materia para la memoria. Memoria de la posguerra en una Italia destrozada tras
la Segunda Guerra Mundial, como podemos ver en algunas secuencias (como cuando
Totó y la madre van a cobrar la pensión tras confirmarse la muerte de su marido
en el frente de Rusia); memoria de la sociedad deprimida de aquellos años,
donde la opulencia de las formas de vida de algunos privilegiados (los que se
sientan en el anfiteatro, en el nivel superior, por contraste con los que
ocupan el patio de las sillas que los mismos vecinos deben acarrear a cada
sesión) constituye el contrapunto de las penalidades de la mayor parte de los
habitantes del pueblo; memoria de unos seres característicos que deambulan por
sus plazas sin nada especial que hacer, arquetipos que se encuentran en los
pueblos de todos los países: el cacique mafioso, el cura, el loco/tonto…</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Partiendo del
momento en que la madre de Totó/Salvatore lo llama por teléfono para
comunicarle la muerte de Alfredo, el proyeccionista del cine con el que el niño
creció a falta de la figura de su padre, la película nos cuenta la vida de Totó,
que con los años se ha convertido en un director de cine famoso. Todo el largo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">flashback </i>que ocupa la mayor parte del
metraje nos conducirá al presente, justo al momento en que Salvatore Di Vita
(nombre real de Totó) regresa al pueblo para asistir al entierro del amigo de su
infancia tras 30 años de ausencia. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKj6mrvksFY29i3RNrsRbpwwMmu9KepMbcpUCbBh5Z1OSd7uPqzI6ENCFx6-CT3qrZ0pUo_-8h-zt7NAta2AJ1RG0h0kMkmh0hQeT7Q6U9QGTrYlcuBI5jWqzxyIp3Txt-nmBvjrUaxY9m/s496/81855520160916053936.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="254" data-original-width="496" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKj6mrvksFY29i3RNrsRbpwwMmu9KepMbcpUCbBh5Z1OSd7uPqzI6ENCFx6-CT3qrZ0pUo_-8h-zt7NAta2AJ1RG0h0kMkmh0hQeT7Q6U9QGTrYlcuBI5jWqzxyIp3Txt-nmBvjrUaxY9m/s320/81855520160916053936.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>Entre el niño
de seis años, huérfano de padre, y el proyeccionista del cine del pueblo se
había establecido una relación entrañable a partir de unos comienzos difíciles.
Ni la madre, viuda de la Segunda Guerra Mundial, ni el proyeccionista quieren
que Totó, un pequeño inquieto y espabilado, pase tantas horas en la cabina de
proyección del cine, en medio de máquinas y materiales que pueden ser
peligrosos. Pero el niño busca incesantemente la compañía de Alfredo, un poco
por huir del ambiente triste de la casa familiar y de su madre, un poco
buscando en Alfredo una figura que supla la ausencia del padre. Totó lo
aprenderá todo en el cine, a través de películas que después se han convertido
en clásicos: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los bajos fondos</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Charlot, Árbritro</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Diligencia</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La tierra
tiembla, El extraño caso del doctor Jekyll…</i>. Ilustrativa la escena en que
Totó reconstruye diálogos de películas a partir de los fotogramas cortados por
Alfredo y que el niño se lleva a su casa. También con los reportajes de moda y los
noticiarios, donde tendrá la confirmación de la muerte de su padre en Rusia
(hasta ese momento se le consideraba desaparecido). Y hasta el amor, del que
los besos apasionados que el cura obliga a Alfredo a cortar, y que constituirán
un material impagable para Totó, son la materialización visible hurtada a unos
anhelantes espectadores.<o:p></o:p><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD1UJYJJ_lQm6qjCze79dQ7SOTtc5ekS4_s2DU1cLxC1ClVBk9cc6xu4-rmGlf_CpT1x7vor_9QNiR2OdP00w1-LAyZtu0TGPL1c0U3PKA1fbuzwTrAe1H8fIpvzPRp2w_903MmirFrrD5/s1731/cinema-paradiso-30-aniversario-5-1535361495.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1731" height="222" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiD1UJYJJ_lQm6qjCze79dQ7SOTtc5ekS4_s2DU1cLxC1ClVBk9cc6xu4-rmGlf_CpT1x7vor_9QNiR2OdP00w1-LAyZtu0TGPL1c0U3PKA1fbuzwTrAe1H8fIpvzPRp2w_903MmirFrrD5/s320/cinema-paradiso-30-aniversario-5-1535361495.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>Lo que empieza
siendo un pasatiempo acabará siendo una pasión. Al principio, Alfredo considera
a Totó un estorbo e intenta echarlo de la cabina siguiendo las indicaciones de
la madre, pero la permanente presencia del niño hará que lo acabe aceptando y
se quede a ver las películas con él. Además, poco a poco irá enseñándole la
técnica para operar el proyector, haciéndole consciente de la necesidad de
extremar el cuidado en medio de todo ese material inflamable. Desde ese
momento, Alfredo ya nos hace una exposición de los primeros tiempos del cine,
de cómo se operaba en la cabina con las películas; un tiempo con respecto al
cual las máquinas del momento son un enorme avance, que aún mejorará con las
películas no inflamables. Y sobre todo (importante para comprender un final entrañable
que no desvelaremos aquí para no hacer ningún <i style="mso-bidi-font-style: normal;">spoiler</i>), le explicará que las películas deben pasar la censura del
cura del pueblo, quien decidirá qué escenas deben ser cortadas del celuloide
por “atentar contra la moral” de una sociedad bajo la escrupulosa mirada de la
iglesia, omnipresente en ese tiempo; todas bajo un único principio: no mostrar
besos en la boca. Como dice el padre Adelfio más adelante: “yo no vengo a ver
pornografía”. Después, cuando el Cinema Paradiso se llene de público en cada
proyección, todo un muestrario de los habitantes arquetípicos del pueblo, éste
abucheará -magnífico tribunal popular- el trabajo de la tijera, que los priva
de las escenas más esperadas y tórridas, una práctica habitual en la Italia de
los años 50, como también lo fue en España hasta los años 70.<o:p></o:p><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">La sala del
cine es el escenario donde se desarrolla la vida real. En ella evolucionan los
personajes más característicos del pueblo, y se producen situaciones y
reacciones que muestran cómo era la Italia de la posguerra: el amor y el sexo
(los enamoramientos y los alivios de los jóvenes, o el ejercicio de la
prostitución), la lucha de clases (el burgués que escupe con desprecio a los
“de abajo” y la reacción posterior de estos), la política (con alusiones
expresas al Partido Comunista Italiano), la mafia (en Sicilia no puede faltar
un mafioso -y sus secuaces-, asesinado mientras se proyecta un tiroteo en una
escena de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">En Nombre de la Ley</i>), la
religión… y los ”efectos” que produjo la dialéctica entre ambas; la cultura, la
situación económica (y su consecuencia, la emigración)… Vida y cine comparten
un tiempo y un espacio, y para que esa experiencia llegue a un mayor número de
vecinos, Alfredo sugerirá a Totó proyectar el gran éxito del momento al que no
todos los habitantes han podido entrar (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">I
pompieri di Viggiú</i>) en una gran pared de la plaza, lo que será causa de la
desgracia de Alfredo.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">La sala de
cine también verá pasar el tiempo, y sufrirá accidentes. Ello será motivo para
que Totó se convierta definitivamente en parte de la vida de Alfredo. Tras
salvarlo del incendio que prácticamente destroza el Cinema Paradiso y en el que
Alfredo pierde la vista, Totó será el único capacitado para encargarse de las
proyecciones que recomenzarán gracias a la iniciativa de uno de los vecinos
(Spaccafico), que invertirá parte de las ganancias obtenidas con la quiniela en
su reconstrucción y se convertirá en el propietario del Nuovo Cinema Paradiso
(título original del film): hay cosas que cambian, pero la esencia del cine
permanece. Entre los cambios más significativos está que Totó ya no cortará las
escenas de besos o incluso más atrevidas: Brigitte Bardot podrá ser vista en
todo su esplendor en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Y Dios creó a la
mujer</i>; y<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i>Raf Vallone<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i>podrá descubrir lascivamente la espalda
de Silvana Mangano y recorrerla con un largo y apasionado beso en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Anna</i> tras la sensual interpretación que
ésta última hace de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Bayón</i>.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>En esos años, la función social del cine
sigue siendo la misma, y el espacio sigue siendo un lugar de encuentro, de
convivencia. La capacidad limitada para satisfacer la demanda del público
llevará a Spaccafico, ahora empresario, a buscar una solución para poder
proyectar el gran melodrama del momento, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cadenas
invisibles</i>, de la que algún espectador, entre lágrimas –como todos- es
capaz de repetir los diálogos de memoria; y con la llegada del verano, el
traslado del cine al lado del puerto para ver <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ulises,</i> tal vez premonitorio del porvenir de Totó. Como decíamos al
principio, todo un curso de cine. Los multicines de nuestros días no llenan ni
de lejos el vacío que han dejado aquellos templos de la imagen, con sus
correspondientes divinidades. Y los espectadores de hoy carecen del sentido de
rito y celebración que tenían aquellos adeptos, inocentes participantes en un
acto mágico y por ello sagrado.</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Esta película
tuvo una primera acogida tibia entre el público, lo que fue motivo para que el
metraje original de 155 minutos se redujera a 123 ante su lanzamiento mundial,
que es la versión que nosotros hemos “proyectado”. (“Proyectar” es lo que
hacían Alfredo y Totó en la cabina del cine, con una salida del haz de luz a
través de la boca de una exótica y decadente cabeza de león; la tecnología nos
permite hoy, si los ordenadores y cañones de proyección no “se oponen”,
transportar un pequeño disco de plástico que contiene unas imágenes
digitalizadas e insertarlo en un lector de esos discos. Pese a ello, nuestra
memoria inconsciente nos lleva a utilizar ese verbo). Posteriormente, Tornatore
hizo un nuevo montaje que se fue hasta los 173 minutos. Debido a ese
acortamiento, es fácilmente detectable la descompensación entre la primera
parte de la película y la segunda. Pasada la infancia de Totó, donde ocurren la
mayor parte de los acontecimientos trascendentales para el devenir de los
personajes, la juventud y su entrada en la madurez son abordadas con prisa, con
unas pinceladas que nos llevan rápidamente a la vida adulta de Salvatore. Su
primer amor de juventud, Elena (la hija de un banquero), en su época de
estudiante, con la que hace sus primeros intentos tras la cámara (además de un
acercamiento al cine documental con escenas de la vida cotidiana), no tendrá
continuidad al incorporarse al servicio militar. En esos momentos, Alfredo ejercerá
de consejero, compendio de frases de películas como manual de vida.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTanNp-YCTl7WkkwOkRAzjQz1pKzUnBVu5MR5CZjED6Cp9eHAl-8hjIG959vE4bsKkFlmgSAhB4Ks88grT-9cIk6BT5jSEueSVgCnDeIPYUCDkmVOH9u5ao-_5QGfRp4zkEczocMW-h2RZ/s700/cinema-paradiso-5-elpalomitron.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="475" data-original-width="700" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTanNp-YCTl7WkkwOkRAzjQz1pKzUnBVu5MR5CZjED6Cp9eHAl-8hjIG959vE4bsKkFlmgSAhB4Ks88grT-9cIk6BT5jSEueSVgCnDeIPYUCDkmVOH9u5ao-_5QGfRp4zkEczocMW-h2RZ/s320/cinema-paradiso-5-elpalomitron.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="text-indent: 35.4pt;">Como si
asistiéramos al regreso a Ítaca de Ulises, un paralelismo que subraya la escena
del perro en la plaza desierta (su Argos particular), único ser vivo que acude
a recibir a Totó al terminar el servicio militar (historias de otro tiempo para
los </span><i style="text-indent: 35.4pt;">millennials</i><span style="text-indent: 35.4pt;">), en el tiempo
transcurrido todo ha cambiado, según le dice un Alfredo desilusionado y
abatido. Su estancia en Giancaldo será breve, siguiendo el consejo de Alfredo,
que lo anima a dejar atrás todo ese mundo y no mirar atrás si quiere sentirse
libre de límites y ataduras para seguir un destino que lo conducirá al triunfo
que se merece. Totó le hará caso y se irá, dejando atrás a su familia y a su
amigo, con la intención de no volver nunca. Hasta que recibe la llamada de su
madre, y siente la necesidad de volver tras 30 años de ausencia, ahora
convertido en un director de cine de prestigio, una figura ilustre para sus
vecinos, los mismos que lo vieron de niño y lo ven ahora convertido en una
celebridad a la que miran con respeto, mientras él los va reconociendo. El
mismo día del entierro de Alfredo, juntos, asistirán compungidos a la voladura
(no podía ser más violenta la demolición) del cine para ser convertido en un
aparcamiento, triste final semejante al que han sufrido miles de salas en todo
el mundo, como podemos apreciar en la magnífica investigación fotográfica sobre
salas de cine realizada por Simon Edelstein, </span><i style="text-indent: 35.4pt;">“Cines abandonados en el mundo” </i><span style="text-indent: 35.4pt;">(Editorial Jonglez, 2020). Éste es
el principio del final: una despedida del amigo que ya no está, una sucesión de
encuentros (entre ellos con la viuda de Alfredo, que le entregará como regalo
póstumo un montaje elaborado por su marido con los cortes de las películas
censuradas) y descubrimientos, que acabarán en uno de los finales más
inolvidables y emocionantes de la historia del cine, síntesis de un arte en el
que todo se puede imaginar, pero en el que nada puede sustituir a lo que debe
ser visto porque su creador así lo decidió.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh97AddSkFs2n-GMgLi-MOlldESUWtkBaFBzjCWfhZa-TITnlbnfjxPz1CMNPm9b1aoYkS5LGy0k8l9gnW9uiK5RZ6IhGRGCOsUUrSyISCzCUGnqnXUQO0uwFVMkJEZMyX0U7cO1qWRL8x/s1838/f90ebd62f14da61fbdb5f707f3fe4b5c20c83ca9.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1103" data-original-width="1838" height="192" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh97AddSkFs2n-GMgLi-MOlldESUWtkBaFBzjCWfhZa-TITnlbnfjxPz1CMNPm9b1aoYkS5LGy0k8l9gnW9uiK5RZ6IhGRGCOsUUrSyISCzCUGnqnXUQO0uwFVMkJEZMyX0U7cO1qWRL8x/s320/f90ebd62f14da61fbdb5f707f3fe4b5c20c83ca9.png" width="320" /></a></div><br /><span style="text-indent: 35.4pt;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Imposible
cerrar esta reseña sin hacer una alusión al tema musical que resuena en mi
cabeza durante el tiempo que dedico a escribir estas líneas, como seguro estoy de
que lo hace en las cabezas de los que las leen tras haber visto la película. Si
bien la música de la película fue compuesta por Ennio Morricone, el tema musical
al que me refiero (“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">tema d’amore</i>”)
fue compuesto por su hija Andrea mientras aún estudiaba en el conservatorio.
Ambos se hicieron con un BAFTA y un David de Donatello a la mejor banda sonora
musical, y es una de las más reconocidas y aclamadas mundialmente. Además de
por la banda sonora musical, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cinema
Paradiso</i> también recibió numerosos premios internacionales por el guion y
la dirección, el montaje, el maquillaje, el vestuario, la fotografía y la
espléndida interpretación de Philippe Noiret como Alfredo, que es capaz de
crear una complicidad con Salvatore Cascio (el Totó niño) llena de matices y
ternura, como por ejemplo en el examen que ambos deben superar en el colegio.
Recibió el Gran Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y del
Festival de Cine Europeo, además del Globo de Oro a la mejor película
extranjera y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1989. Toda una
cosecha para una película que el paso del tiempo no ha hecho más que mejorar, siendo
reconocido como uno de los grandes títulos del cine moderno, un clásico que no
nos puede dejar indiferentes. Un ejemplo de que el buen cine no tiene por qué
estar alejado del público, y que las grandes historias nos siguen emocionando
porque todos nos dejamos seducir ante las profundas emociones del alma. Y eso,
ni más ni menos, es el cine.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Un
curso acababa, pero, como dice la canción de Luis Eduardo Aute: “Más cine, por
favor/ que toda la vida es cine / que toda la vida es cine / y los sueños, cine
son”: Por eso, el nuevo curso nos traerá más cine para seguir soñando.<o:p></o:p></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p><br /><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Kji1ABhVm6Y" width="320" youtube-src-id="Kji1ABhVm6Y"></iframe></div><br />Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-17080405758588639462021-08-19T04:15:00.001-07:002021-08-19T04:15:08.065-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Barrio (1998), de Fernando León de Aranoa<p><br /></p><p><span> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1RcvlYrshtLw2vCxRw8j-6BaSAyJADJ-59Zb5Ximq43PVcde7xidFvpM9logUi9wlGM6YRk2y_izNSyAV_MtZnoU0ICvY3qmnrVH7XD7V7J0T1XVTEqIA4rhfeF_uIlFoRhWWUWaWhCmw/s224/d4c1cbff-a92d-47e7-99cf-74b86589a6a9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="224" data-original-width="152" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1RcvlYrshtLw2vCxRw8j-6BaSAyJADJ-59Zb5Ximq43PVcde7xidFvpM9logUi9wlGM6YRk2y_izNSyAV_MtZnoU0ICvY3qmnrVH7XD7V7J0T1XVTEqIA4rhfeF_uIlFoRhWWUWaWhCmw/s0/d4c1cbff-a92d-47e7-99cf-74b86589a6a9.jpg" width="152" /></a></div><br /><div style="text-align: right;">por Juan Gabriel Martínez</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><p></p><p>¿Qué pueden hacer unos jóvenes de familia humilde, esa añorada y honrada clase media baja que cada vez es más baja y menos media, en una barriada popular de una gran ciudad durante un interminable verano?</p><p><br /></p><p><span> </span>Ese es el punto de partida de la película que proyectamos en nuestro cine-club en el mes de abril. Pese a las limitaciones que el respeto de las medidas de seguridad a causa del COVID nos han impuesto durante todo el curso, tanto los organizadores como un grupo de habituales asistentes del alumnado hemos acudido puntualmente a nuestra cita con el cine con una relativa frecuencia de cada dos meses. La Semana Santa había quedado atrás y un verano incierto se vislumbraba en el horizonte, allá donde acaban las clases (apenas dos meses más tarde) y donde se abre un período de descanso y ocio. Ese período en el que transcurren los días de Raimundo, Javier y Manuel.</p><p><br /></p><p><span> </span>Corren los últimos años de la década de los 90, y en la España del turismo de masas y de la burbuja del ladrillo aún soplan los vientos de un progreso y un bienestar que no han llegado a todos los rincones del país por igual. Eso sí, la época del desarrollismo, iniciada en los años 60, ha dejado ciudades dormitorio de inmensos bloques donde viven centenares de familias que han huido de pueblos buscando en la gran ciudad las posibilidades de mejora que aquellos dejaron de ofrecer. Es el caso del barrio (“pongamos que hablo de Madrid”) donde viven los tres protagonistas de esta tragicomedia, con un presente anodino lleno de sueños sobre un futuro más bien incierto. Los días se suceden entre conversaciones y más conversaciones (¿qué otra cosa pueden hacer?), al fin y al cabo hablar y especular no cuesta dinero. En el salón de los pisos, la televisión es un interlocutor más, llenando silencios y acompañando las vidas de los inquilinos con informaciones sobre un mundo que llega a resultar ajeno y anuncios que presentan como accesible lo que no lo es. La vida es eso que ellos viven cada día, en la calle, durante horas y horas de no poder hacer más que charlar sobre todo aunque no se sepa de nada, por más énfasis que se ponga en las a veces disparatadas afirmaciones. Si en nuestros días todos hemos “sufrido” los efectos del confinamiento por una pandemia mundial, estos tres jóvenes viven otro tipo de confinamiento en sus pequeños pisos y en el entorno del barrio del que tampoco pueden salir, en un momento en el que millones de personas escapan del calor de las ciudades camino de las costas, donde disfrutar de las vacaciones. Pero eso no está al alcance de todos. La tele lo dice, los anuncios de las agencias de viajes lo ofrecen… Y mientras tanto, soñar es gratis.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Como dijo nuestro amigo Marcos, invitado y asistente habitual a nuestro cine-club, que se encargó de hacer la presentación de la película, buen conocedor de estas barriadas, en ella hay muchas cosas; casi podríamos decir que está todo: la amistad, el sexo, la familia; la lucha, el fracaso; el trabajo, la inmigración, el paro; la juventud, la vejez; el dinero, la droga, la delincuencia; la esperanza, la desilusión; el humor, la tragedia. Decíamos más arriba que se trata de una tragicomedia, y convendría explicar un poco esta atrevida afirmación.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>A lo largo de sus 94 minutos, como espectadores, asistimos a unos diálogos que, de tan absurdos, nos hacen esbozar una sonrisa, y a veces hasta una carcajada; baste recordar el momento en el que Rai da, con total seguridad, la explicación anatómica del movimiento de caderas tan sensual de las negras al bailar, lo que también las hace especialmente interesantes para mantener sexo con ellas. Son diálogos que no llevan a ningún sitio, en los que cada uno de los amigos sostiene unas opiniones sin argumentos sólidos pero que mantiene firmes sobre cualquier otra. O hacen elecciones sobre conceptos sin soporte real, que pueden llevar a disputas por una “posesión” de algo que no existe. Es divertida la elección de un color de los coches que pasan por la autopista para asignárselos como propios, como si pudieran ser los dueños de esos símbolos de la prosperidad; esa atribución de coches al azar “otorgará” un BMW a Manu, mientras que Rai se sentirá ultrajado porque deciden irse, cansados de esperar, antes de recibir “el suyo”; la cámara sí permanece unos segundos más hasta que aparece el que debía ser el de Rai, pero se trata de una ambulancia, todo un mal augurio, que afortunadamente él no ve. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQQD8TTdR6m3LOH0O3hS_HRaC-l9PcVRBqnadAfYTsQgijGX1ZtQiT9CB5qr9Nj-qbKI2Eu0KOHiX0dIBPnFKtjwwQfcIELW4hn4hyGLCumlUQskH6YBMyhsoyRJF0iwUlg92cO1_JtJ8P/s980/barrio-aranoa-protagonistas-1532512052.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="492" data-original-width="980" height="161" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQQD8TTdR6m3LOH0O3hS_HRaC-l9PcVRBqnadAfYTsQgijGX1ZtQiT9CB5qr9Nj-qbKI2Eu0KOHiX0dIBPnFKtjwwQfcIELW4hn4hyGLCumlUQskH6YBMyhsoyRJF0iwUlg92cO1_JtJ8P/s320/barrio-aranoa-protagonistas-1532512052.jpg" width="320" /></a></div><p></p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>En esos intercambios “dialécticos” vamos descubriendo la realidad que hay detrás de cada uno de los personajes, sus preocupaciones y sus proyectos. El instituto queda atrás (los estudios son el camino que los padres ven para que sus hijos prosperen) y los días se hacen interminables sin nada que hacer, como no sea salir de sus casas e intentar pasar el tiempo lo mejor que se pueda, en medio de un agosto ardiente y sin comodidades que lo hagan más llevadero. Los viajes que se publicitan son inalcanzables para unas economías que sobrellevan como pueden el día a día; y las chicas, el deseo acuciante por acercarse a ellas y para el que no tienen estrategias útiles, son un tema más de conversación, si exceptuamos a la hermana de Javi, observada y deseada por sus amigos como un ser sexual, especialmente Rai, algo que a Javi le había pasado inadvertido por tratarse precisamente de su hermana.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>En este contexto acaece un hecho aún más absurdo e irrisorio. Como hacer un viaje de ensueño al Caribe, con sus mulatas y todo lo asociado al placer, es irrealizable, uno de los múltiples sorteos ante notario con que se promocionan las marcas, esos que nunca tocan (“¿los notarios existen?”, se llega a preguntar Javi, desconfiado), acaba dando una sorpresa inesperada. Y esa es la causa de que a partir de entonces, en la casa de Rai, haya un nuevo “estorbo” que complete el mobiliario: una moto de agua, el segundo premio del sorteo al que había enviado las tapas de los yogures. La imagen de una moto de agua en una calle de un barrio humilde, observada con curiosidad por el vecindario, nos recuerda eso que en las ciencias paranormales se conoce como un oopart, es decir un objeto desubicado de su tiempo y de su lugar común. Un objeto de lujo que se convierte en un inconveniente por no saber qué hacer con él. ¡Qué extraños designios tiene la suerte! Finalmente, la moto de agua permanecerá en la plaza esperando que alguien la compre (¡y acabará siendo robada!), una imagen inseparable e inolvidable de la película, como apreciamos en el cartel de la misma.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Las noches tampoco ofrecen grandes expectativas. Ante la falta de planes de fiesta y sexo, los tres amigos rebuscan entre la basura todo tipo de objetos, y se conformarán con crear un rincón con objetos desechados. Allí organizarán una fiesta de cumpleaños a Manu, donde faltan, una vez más, las chicas: la cajera del supermercado, que gusta a Javi; la mulata que vigila a niños pequeños en el parque, que gusta a Manu, o la hermana de Javi, que gusta a Rai, además de sus amigas. La silueta en cartón de una mulata en bikini de tamaño real, robada de una agencia de viajes junto con las palmeras, será lo más parecido a una chica en esa fiesta, y por bailar con ella se enfrentarán Manu y Rai, con lamentable final para la silueta.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Los tres amigos pertenecen a familias a las que la vida ha golpeado con desgracias diferentes. Así, Manu vive solo con su padre (que ha perdido el trabajo y se ha encerrado en casa para ocultar su vergüenza), ya que su madre falleció, y el hermano ausente nunca viene porque “sus obligaciones se lo impiden”. En el piso de Javi conviven más personas: el abuelo, con quien comparte el dormitorio, aislado en su mundo, donde sólo parece tener interés por el vecino del piso cuyo baño se ve al otro lado del estrecho patio de luz, y que resulta ser un policía desconfiado; el abuelo ni habla ni oye, por lo que parece que no le afecten las continuas peleas entre su hija y su yerno, autónomo que no tiene faena durante el verano, lo que supone una falta de ingresos preocupante, hundido en un mal humor permanente que descarga sobre su suegro, un motivo más de discordia entre él y su mujer a la hora de la comida. Reproches habituales como el pan que nunca ha de faltar a la mesa; completa la familia la hermana, joven y atractiva, que vive una vida de la que apenas se sabe nada, especialmente los padres. De la familia de Rai poco sabemos, a excepción de su hermano, el único que tiene una ocupación remunerada, como guardia de seguridad nocturno. Resulta para los tres jóvenes un modelo envidiable: trabajo bien pagado que le permite ir de vacaciones, con una novia que está buena y con la que mantiene relaciones sexuales, un arma reglamentaria… Para Rai es un motivo de orgullo y presume de eso ante sus amigos.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Como vemos, las actitudes ante la vida de cada uno de ellos, sus caracteres, son marcadamente distintos. En términos actuales podríamos decir que Manu mantiene una actitud más realista y proactiva que sus amigos. Su intento por obtener dinero de una forma legal lo llevará a aceptar un trabajo que no está en condiciones de realizar: repartir pizzas sin tener una moto, para lo cual tendrá que mentir al responsable de la pizzería. Si bien los primeros repartos se saldan con el descontento de los clientes (las pizzas llegan frías debido al tiempo empleado en llevarlas… en transporte público), acabará siendo despedido, aunque antes de eso, estos desplazamientos le permitirán conocer algo que le oculta su padre: la realidad del hermano ausente, en un descenso a un infierno de seres marginales olvidados de la sociedad en un paso por debajo de las vías del tren, una escena que nos recuerda a Ben-Hur descubriendo a su madre y su hermana en una leprosería. Allí encontrará a su hermano, rodeado de drogadictos, reducidos a despojos. Esta secuencia, junto con la de la estación “fantasma” del metro (una estación abandonada de una línea por la que ya no transita ningún tren, de la que Manu había oído hablar a su padre, conductor antes de perder el trabajo), poblada de gente que malvive sin hogar, nos muestra el submundo de los perdedores que la sociedad prefiere invisibilizar. El golpe de realidad que este encuentro supone para Manu lo acercará a su padre: al hacerle saber que ha descubierto la verdad sobre su hermano, establece con él una complicidad expresada en un intercambio de alusiones compartidas y gestos recíprocos, como el de ofrecerle el primer y último sueldo que ha recibido de la pizzería, adonde ya no volverá.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Por su parte, Javi se ha amoldado a la incomodidad de su día a día. Se trata del más conformista, que acepta las condiciones en las que vive y no se desazona por un presente que parece llevadero, susceptible de prolongarse en un futuro similar. En las querellas que se plantean entre los amigos, mantendrá una actitud contemporizadora, más preocupado de sí mismo que de los pleitos y discusiones de Manu y Rai; pero también da muestras de una mayor sensibilidad ante los problemas de estos. Esa misma actitud de observador distante e inalterable es la que mantiene con respecto a su familia, pero no es consciente de la magnitud de los problemas y de lo que realmente hay detrás de cada uno de ellos: la vida secreta de su hermana, la condición real de su abuelo, que tal vez no sea lo que parece, o la crisis galopante en la relación entre sus padres, que desembocará en la salida del padre del hogar conyugal tras ser denunciado por la madre por maltrato. Tras ser detenido por la policía, el padre deberá instalarse en la furgoneta aparcada en la plaza, inutilizada hasta entonces. Este hecho conllevará un cambio en las relaciones entre los miembros de la familia, introduciendo una humanidad hasta entonces inexistente, lo que implica que Javi y Susi, la hermana, no se vean obligados a hacer una elección entre padre y madre.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Tampoco sabrá ver, como nadie a su alrededor, lo que late y lo que se cuece en la cabeza incansable de Rai, su tendencia al peligro, su intento desesperado por salir de ese mundo. Éste es el más inquieto, el inconformista, el que desea una posición de poder y lujo, y para ello no duda en asumir riesgos. No obstante, el carácter inquieto de Rai, su insatisfacción permanente, lo llevan a acometer acciones poco morales o directamente ilegales. La película nos lo muestra en algunas escenas como un funambulista sobre un fino cable estirado en el suelo, fingiendo que realiza unos equilibrios mortales por los que siente admiración. Lástima que esa imagen lo sea también de su vida. A partir de la segunda mitad del film, Rai irá cobrando protagonismo. De él parten iniciativas para conseguir dinero (ya sabíamos que se quedó con el que su padre tenía en el pantalón), como plantear a sus colegas llevarse las flores de las tumbas del cementerio para venderlas en los bares; o los robos que perpetran en la agencia de viajes para hacerse con la decoración caribeña, y en la tienda de trofeos, por el simple hecho de tenerlos; además, mantiene contactos con un individuo mayor desconocido, que se acerca por el barrio buscándolo en repetidas ocasiones. Éste será la causa de que la policía lo detenga por posesión de drogas, motivo por el que se había puesto en contacto con el menor: a cambio de 30.000 pesetas, al ser menor de edad su condena será corta, y él lo acepta. Pese a ello, su nobleza queda patente en cómo evita a su familia el disgusto de saber que va a pasar 24 horas en comisaría. De la misma manera que, al salir, celebrará el reencuentro con sus colegas compartiendo con ellos sus beneficios en una noche de fiesta. Con todo, la vista del amigo cacheado y detenido por la policía, es algo difícil de asimilar, e introduce ya en Javi y Manu, la sospecha sobre las turbias relaciones de Rai.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Detrás de esa sucesión de variopintos diálogos entre los tres amigos, hay un silencio trágico, una colección de personajes secundarios que apenas hablan, porque el peso de la película recae obsesivamente en las idas y venidas por una gran ciudad de estos tres aventureros sin aventura, héroes sin epopeya, jóvenes sin futuro. No podemos dejar de quererlos y compadecernos de ellos.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmltDch1GXC0JxHFJOLIPMSk4sqV9eZLIPMlA3iJeMaPTL08etO9oBVLYfsTV3dj6FOPDpa5rxKbaitA6KBc2dVaCJI9yD9qbD7gGo2zLLGnjIySF2F10TEndQxs5y3jmnhFGTrjurdp7j/s828/CQLIHQK7534JU5SZHRXQN37UXA.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="458" data-original-width="828" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmltDch1GXC0JxHFJOLIPMSk4sqV9eZLIPMlA3iJeMaPTL08etO9oBVLYfsTV3dj6FOPDpa5rxKbaitA6KBc2dVaCJI9yD9qbD7gGo2zLLGnjIySF2F10TEndQxs5y3jmnhFGTrjurdp7j/w320-h177/CQLIHQK7534JU5SZHRXQN37UXA.webp" width="320" /></a></div><p></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Los tres protagonistas fueron escogidos en un amplio casting en el que participaron jóvenes con experiencia artística y otros que no la tenían. Tras el éxito de la película, dos de ellos, Críspulo Cabezas (Rai) y Eloi Yebra (Manu) han tenido una carrera cinematográfica; no así Timy Benito (Javi), que prefirió seguir otro camino. Ninguno de ellos era consciente en aquel momento de lo que acababan de hacer; de hecho, años más tarde reconocerían que no estaban seguros de su trabajo, entre otras cosas por las riñas que les echó en alguna ocasión Fernando León de Aranoa. Se lo pasaron bien y disfrutaron del momento, especialmente en el Festival de San Sebastián, Pero se quedaron sorprendidos de la gran acogida del público al terminar el pase de la película, del que se esperaban algunas risas y carcajadas, y poco más. Sólo después se dieron cuenta de la película que habían hecho, lo que llevó a Críspulo Cabezas a decirse: “¡Dios, qué peliculón es Barrio!”, según contaba en Fotogramas 20 años más tarde. Marieta Orozco, que interpreta a Susi, se hizo con el Goya a la mejor actriz revelación, lo que le permitió seguir una carrera artística con papeles importantes, como el de Inés Alcántara en la popular serie de RTVE “Cuéntame”, serie en la que también participaron algunos otros actores del film, como el mismo Críspulo Cabezas o Lluvia Rojo. Fernando León de Aranoa se rodeó de un amplio elenco de actores veteranos con prestigio, grandes secundarios que dieron la réplica a los jóvenes protagonistas para conseguir un film casi perfecto, un docudrama en palabras de Carlos Boyero. Por ello conviene destacar los papeles mínimos pero elogiables de Francisco Algora, Alicia Sánchez (ambos candidatos al Goya a mejor interpretación de reparto en categoría masculina y femenina), Ricardo Villén, Pepo Oliva o Chete Lera. No obstante, el gran mérito de la película recae en Fernando León de Aranoa, quien con este su segundo largometraje acaparó los Goyas de ese año a mejor dirección, mejor guion adaptado y mejor película. A este palmarés hay que añadir la Concha de Plata del Festival de San Sebastián al mejor director, y la Mención Especial del Jurado en ese mismo festival. También obtuvo la medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor director, además del premio Alma Rosa como mejor película, entre otras distinciones. Fue sin duda el principio de una exitosa carrera que lo ha llevado a realizar siete películas más, todas ellas ampliamente reconocidas y valoradas, como Los lunes al sol, Princesas, o Un día perfecto, además de tres documentales.</p><p><br /></p><p><span style="white-space: pre;"> </span>Para terminar, me gustaría citar la letra de uno de los temas musicales de la película. ¿Qué mejor grupo que Extremoduro para ilustrar con sus letras la vida, el ambiente y las esperanzas de estos seres desahuciados? De hecho, es el tema con el que se cierra la película tras un trágico desenlace que se intuía que podía llegar y que es el triste destino de muchos jóvenes, como consecuencia accidental e inesperada de un cúmulo de circunstancias. Ante la pregunta “¿cuánto más necesito para ser Dios?” que nos lanza Extremoduro, se nos queda un nudo en la garganta, un nudo que acompaña ese momento de recogimiento personal que dejamos pasar al final de cada una de las películas que proyectamos. Los jóvenes que hemos visto evolucionar, dentro de sus vidas ordinarias y tristes, se conforman con muy poco, si lo contemplamos fríamente: dinero, chicas, éxito. Y en su ingenuidad (porque nadie puede dudar de la ingenuidad que late en estos personajes tiernos y sensibles) creen que es sólo un poco de suerte lo que necesitan. No saben que para ser dios hace falta mucho más de lo que los seres humanos podemos conseguir. Ese dios materialista forma parte de una esfera que no les pertenece y a la que sólo se accede por vías poco recomendables. Los simples mortales sólo aspiramos a ser felices dentro de nuestra cotidianidad.</p><p><br /></p>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-2980184955733003732021-04-04T09:54:00.003-07:002021-04-04T10:03:55.693-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Adiós, muchachos (1987) de Louis Malle<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfCyhzBqwnm6OP3rduj5v8L7Swarrgyt9FIjmR3u5pBHbzGOvFuGQVo3-kPPx7OMm5fLDNeSPOUvSFHCtL7iWJijm99dLK_vc3FBNEToV5_a30qymPBJTGG3immNtP3yXP8XW-Aun9X8E4/s440/Au_revoir_les_enfants.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="440" data-original-width="325" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfCyhzBqwnm6OP3rduj5v8L7Swarrgyt9FIjmR3u5pBHbzGOvFuGQVo3-kPPx7OMm5fLDNeSPOUvSFHCtL7iWJijm99dLK_vc3FBNEToV5_a30qymPBJTGG3immNtP3yXP8XW-Aun9X8E4/w237-h320/Au_revoir_les_enfants.jpg" title="Fuente: (usada con fines educativos) https://pt.wikipedia.org/wiki/Ficheiro:Au_revoir_les_enfants.jpg" width="237" /></a></div><div style="text-align: right;">por Juan Gabriel Martínez</div><div><br /></div><span> </span>De nuevo se abrieron las puertas de nuestro cine-club el 27 de enero en este curso tan difícil debido a la pandemia. Y la ocasión bien lo merecía, pues se trataba de un joven clásico de uno de los grandes directores franceses del siglo XX. <div><br /></div><div><span> </span>A partir de sus recuerdos de infancia y de unos pocos elementos, Louis Malle nos presenta unos hechos que, no por sabidos dejan de conmovernos: unos jóvenes, un internado y como telón de fondo, la persecución que sufrieron judíos y otros colectivos por parte del régimen nazi y sus colaboradores en Europa desde mediados de los años 30 del siglo pasado hasta la derrota de Alemania y sus adláteres europeos el 8 de mayo de 1945. Lamentablemente, esa victoria de los aliados, como todo el mundo sabe, llegó tarde para los aproximadamente seis millones de judíos y de otros grupos étnicos que perdieron la vida en los campos de exterminio que los criminales nazis crearon en Europa central y del este durante esos aciagos años. </div><div><br /></div><div><span> </span>Alguien podrá pensar que ya se ha escrito y filmado mucho sobre el Holocausto (la Shoah en hebreo), pero la magnitud de aquella vergüenza para la humanidad nunca dejará de ser suficientemente recordada, no sea que algunos la olviden. O lo que es peor, que la frivolicen, y que la relectura que ciertos “historiadores” hacen de aquellos acontecimientos acabe anestesiando la capacidad de horror de los seres humanos civilizados, entre los que quien escribe, y sin duda quienes lo leen, cree encontrarse. Por ello es necesaria esta película, como otras grandes obras que abordan el mismo tema desde otros ángulos y estilos diferentes, desde el casi documental de <i>Vencedores o vencidos</i>, de Stanley Kramer (<i>Judgement at Nuremberg,</i> 1961) hasta <i>La lista de Schindler</i>, de Steven Spielberg (<i>Schindler’s List</i>, 1993), pasando por <i>El diario de Ana Frank</i>, de George Stevens (<i>The Diary of Anne Frank</i>, 1959), por citar sólo películas basadas en vidas reales (no quiero decir “hechos reales”, ya que cualquier ficción que narre esa época está basada en hechos terrible y lamentablemente reales).</div><div><br /></div><div><span> </span>Volviendo al film que nos ocupa, nos sorprende el tono sobrio, seco, casi frío, con que Malle nos cuenta el transcurso de esas semanas en un internado carmelita en la Francia ocupada y colaboracionista de 1944. Al volver al internado, tras las vacaciones de Navidad, Julien Quentin y sus compañeros se van a encontrar con la incorporación de tres chicos nuevos sobre los que apenas reciben información. En principio, la relación con los tres nuevos no es muy diferente de lo que ocurre tradicionalmente en colegios e institutos: novatadas, bromas; y sobre todo curiosidad. Estos, por su parte, mantienen un cierto distanciamiento con los chicos del internado, mezcla de desconfianza y recelo. Los veteranos estudian a los nuevos, sopesando quién puede ser incorporado al grupo. </div><div><br /></div><div><br /></div><div><span> </span>Entre clases y juegos se desarrolla una vida casi normal, aunque a veces alterada por la presencia de soldados nazis, milicias colaboradoras y por bombardeos que obligan a buscar refugio en el refugio subterráneo. Julien va viendo crecer su curiosidad por Jean Bonnet, uno de los recién llegados, ante el recelo de éste, que intenta mantener la distancia que preserve su secreto. Y de esa manera, una noche Julien descubrirá que Bonnet realiza un extraño ritual: tocado con una kipá, reza en otra lengua. En sus pesquisas, Julien descubrirá que el verdadero apellido de Jean es Kippelstein. Y de esa manera, su inicial desconfianza respecto el recién llegado se irá transformando en amistad. Julien es un niño de 13 años que aún conoce poco el mundo de los mayores, y ha vivido ajeno al problema de los judíos hasta ese momento, pero el encuentro con su nuevo amigo le hará interesarse por él y por su pueblo, enfrentándose por primera vez a una situación a la que muchos adultos parecen ser ajenos. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQpvUXhOniy2NfbsSZmZWXEl0aqPOHg9Mse9m7hxKwTm86BOdI4vGxRoTkFws3RWQTeHIabasK0krlv94o6ETwb7VLCuyRND3F_daCXUn63nZYsbJINNTtNw48N4eVyCbRifDj1L9v_veF/s850/au-revoir-les-enfants+2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="537" data-original-width="850" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQpvUXhOniy2NfbsSZmZWXEl0aqPOHg9Mse9m7hxKwTm86BOdI4vGxRoTkFws3RWQTeHIabasK0krlv94o6ETwb7VLCuyRND3F_daCXUn63nZYsbJINNTtNw48N4eVyCbRifDj1L9v_veF/w320-h202/au-revoir-les-enfants+2.jpg" title="Fuente: Blog Esculpiendo en el tiempo 2.0" width="320" /></a></div><br /><br /><div><br /></div><div><span> </span>Por su parte, los sacerdotes del internado, en especial el director, el padre Jean, adoptan un papel protector con los tres jóvenes. Desde el principio, vemos el interés que ponen en la integración de Jean Bonnet, Negus y Dupré, y queda patente para los espectadores que los sacerdotes no tienen la actitud obediente y sumisa de la mayoría de la sociedad francesa. Una sociedad que confiaba en el complaciente régimen de Vichy, a cuya cabeza estaba el antiguo héroe de la Primera Guerra Mundial, el mariscal Pétain, y que congregaba tras su figura a muchos franceses que tenían depositadas en él todas sus esperanzas: si el héroe había adoptado esa actitud, debía ser bueno para Francia. Pero el carácter falso de esa “independencia” quedó de manifiesto cuando el régimen de Vichy cae y los nazis se hacen con las riendas del poder en todo el territorio. Ese es el destino que esperaba a la Francia colaboradora, temerosa de peores consecuencias si se enfrentaba a un poder político y militar superior al suyo. Sólo el general De Gaulle, desde Gran Bretaña, fue capaz de despertar a la nación, o tal vez sólo a una parte, para que sus compatriotas recuperaran la dignidad y se rebelaran contra los ocupantes. A partir de ahí, una Resistencia clandestina se organiza, con intelectuales comunistas a la cabeza (Sartre, Camus) en el interior, y con la integración de soldados franceses de diferentes orígenes (incluidos los españoles integrados en la División Leclerc) en los ejércitos aliados en el exterior. </div><div><br /></div><div><span> </span>En esa Resistencia del interior es en la que milita el padre Jean, que asume como una responsabilidad la militancia y la protección de los tres adolescentes judíos. Se trata de un hombre severo, adusto, justo, bondadoso. Su vida está dedicada a la educación de los jóvenes, una actividad que debe ser integral y en la que la ética, al margen de su religión, debe tener un papel preponderante. ¡Cómo se nos olvida a menudo, a alumnos y docentes, ese componente ético! Lamentablemente, hay aún muchas personas que ven la enseñanza como un mero acto de adquisición de conocimientos, sin comprender que la acumulación de estos, sin un soporte moral, humano, ético, es tan sólo un castillo de naipes que se desmoronará al menor envite. Los sacerdotes del internado carmelita (¡qué afortunada casualidad que sea la orden fundada por Teresa de Ávila y Juan de la Cruz la titular de ese internado, que lleva el nombre de éste último!) han asumido su papel y han tomado partido, pues no hacer nada los volvería cómplices de un crimen universal, como fue el caso de muchos que en esa primera mitad del siglo XX prefirieron mirar hacia otro lado y no saber nada, actitud que sigue presente en muchos conflictos de hoy en día. Con sus luces y sus sombras, el catolicismo muestra aquí su rostro más benefactor y humanista, tras la escolástica de Santo Tomás de Aquino, presente en algún diálogo filosófico de los mayores en el recreo. </div><div><br /></div><div><span> </span>He ahí una de las grandes enseñanzas de este film imprescindible: el dolor, el sufrimiento, la persecución de los justos no pueden sernos ajenos, vengan de donde vengan y afecten a quienes afecten. Julien lo comprende rápido, al igual que su hermano mayor, y en un momento crucial de la película darán muestras de valor e iniciativa al enfrentarse a las milicias colaboracionistas que mantienen el orden y buscan a judíos para detenerlos y deportarlos a los campos de concentración. Su gesto de dignidad defendiendo a un señor mayor judío en un restaurante se ve secundado por el resto de clientes del restaurante. Un momento que hace pensar en el duelo musical que tiene lugar en el <i>Rick’s Café</i> de <i>Casablanca</i>, cuando los franceses y demás refugiados que se congregan en ese café de la ciudad marroquí responden con una inflamada interpretación de La Marsellesa al canto de los oficiales nazis. </div><div><br /></div><div><span> </span>Pero como ya nos advirtió Hannah Arendt, el mal es banal y anida en los corazones de pobre gente mediocre. La miseria económica, la humillación cotidiana, la codicia, la envidia, son el caldo de cultivo perfecto para que el más insignificante de los seres caiga en la miseria moral y sea capaz de los crímenes más abyectos. Ejemplos así ya hemos tenido la desgracia de ver en innumerables conflictos, y en esta película es Joseph, el asistente de cocina expulsado tras ser pillado en su mercado negro con los internos, el que, en venganza, va a desencadenar la tragedia. También él ha sido injustamente tratado, pero, ¿acaso la discriminación de que es víctima justifica la vileza de su acción? Para él sí, porque “hay una guerra, chico”. </div><p style="text-align: left;"><br /></p><div><span> </span>Como ya hemos dicho al principio, Louis Malle se basó en sus experiencias de infancia, y la película constituye un homenaje a las víctimas de un episodio similar vivido por el propio director. De ello deja constancia la voz en off con la que se cierra la película a modo de epílogo. Para no hacer un spoiler, sólo citaré las últimas palabras: </div><div><br /></div><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><div style="text-align: left;">“Han pasado más de 40 años, pero recordaré cada segundo de esa mañana de enero hasta el día de mi muerte”. </div></blockquote></blockquote><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEOnKdxm1QhEUykIbb8WCAWfS2BokZLaOTCNCWREHteVhb3URXtQJkUNLf9FPIlu0cVlOHHbaiMsm8eddgvSgO7tQ3UuFTXqTgevLOV2Hx7eUF_iNzOs2FOGmWaaFVV9aq4IT3KOqwMasa/s850/au-revoir-les-enfants+3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="570" data-original-width="850" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEOnKdxm1QhEUykIbb8WCAWfS2BokZLaOTCNCWREHteVhb3URXtQJkUNLf9FPIlu0cVlOHHbaiMsm8eddgvSgO7tQ3UuFTXqTgevLOV2Hx7eUF_iNzOs2FOGmWaaFVV9aq4IT3KOqwMasa/w320-h215/au-revoir-les-enfants+3.jpg" title="Fuente: Blog Esculpiendo en el tiempo 2.0" width="320" /></a></div><span> </span></div><div><span> </span> <i>Adiós, muchachos</i> acaparó un buen número de premios César, el mayor premio de la cinematografía francesa, equivalente a los Goya del cine español, o los BAFTA del cine británico. De hecho, fue nominada en algunas de las categorías de estos últimos (mejor película, mejor película extranjera, mejor director y mejor guion original), así como a los Globos de Oro (mejor película en lengua no inglesa) y a los Óscar (en esa misma categoría, y en la de mejor guion original para la pantalla). Pero fue en los César franceses donde barrió: de las 9 categorías en las que estaba nominada, consiguió 7, incluidos el de mejor película, mejor guion y mejor director. Sólo uno de sus jóvenes protagonistas estuvo nominado como actor revelación: François Négret, el asistente de cocina delator. A ellos hay que sumar el León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia o el David de Donatello (el equivalente italiano a los César) como mejor película extranjera. Finalmente, como una muestra más de los muchos valores que esta película encarna, mencionaremos el hecho de que el British Film Institute la incluyó en 2005 en la lista de las 50 películas que un joven debería ver a los 14 años. He ahí un motivo más para haberla escogido para nuestro cine-club. </div><div><br /></div><div><span> </span>En el momento de su estreno fue uno de esos raros casos de éxito de público (incluso con una altísima recaudación en América del Norte) y de crítica, que la aclamó desde el principio. Pero es sin duda en la consistencia y sensibilidad de la historia, así como en sus virtudes técnicas, donde la película se mostró más sólida, como demuestra que el guion del propio Louis Malle estuviese nominado en tantos premios internacionales. Tal fue el éxito del mismo que fue publicado de forma independiente ese mismo año por <i>Éditions Gallimard</i>. </div><div><br /></div><div><span> </span>Louis Malle, que fue uno de los miembros más insignes de la <i>nouvelle vague</i> (el movimiento cinematográfico que tal vez haya resultado más influyente en el cine mundial en la segunda mitad del siglo XX, y en el que se encontraron Claude Chabrol, François Truffaut, Jean-Luc Godard, Éric Rhomer o Agnès Varda, entre otros), ya había iniciado una breve etapa en Estados Unidos, donde dirigió 5 películas (tal vez la más conocida sea <i>Atlantic City</i>, 1980) y 2 documentales, y con esta película regresó a Francia, donde aún dirigió 3 películas más antes de su fallecimiento en 1995 a los 63 años de edad. Aunque su estilo evolucionó desde los primeros postulados de la <i>nouvelle vague</i>, en lo esencial se mantuvo fiel a su concepción del cine: el poder de la “mirada” a través de la cámara, la ausencia de música de fondo en las escenas, las referencias culturales y cinematográficas explícitas (encantadora la sesión de cine en el internado, con la proyección de <i>The Immmigrant</i>, cortometraje de Charles Chaplin de 1917), el tono narrativo objetivo al presentar los hechos, la consideración de la soledad humana en la sociedad burguesa del siglo XX, las resonancias de las experiencias personales en las historias, el distanciamiento respecto a los sentimientos expuestos y la importancia dada al montaje para narrar los hechos de forma lineal. </div><div><br /></div><div><span> </span>Y para nosotros también fue un pequeño éxito contar con la presencia de algunos estudiantes, con los que, al finalizar la proyección, pudimos mantener un breve coloquio. El toque de queda estaba al acecho y sin duda hubiéramos podido hablar mucho más tiempo sobre muchos aspectos y temas de la película: historia, filosofía, moral, humanidades… Y sobre nosotros, jóvenes actuales y jóvenes pasados, que descubrimos la amistad al mismo tiempo que nos asomamos por primera vez a la vida en la adolescencia. Y también descubrimos el dolor y la tragedia, reflejada en el silencio que envuelve las miradas de Julien y Bonnet. Un final potente que huye de melodramas, pero que nos deja la imagen de una lágrima a punto de brotar de los ojos de Julien.</div>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-56934880193421998702021-01-10T12:02:00.004-08:002021-01-17T10:34:20.292-08:00Cine-club del Rodrigo Caro: El Sur (1983) de Víctor Erice<p><span style="text-align: justify;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMZ8qqXRtnhuewAmY8R3jfj7kTYu6VRuYDGCUSzituTjpiOCIXVUuAGEAOcgfMMJP6kl_jwlPjyR7G81cfMBwh06gAjPTvbj-qWlALXIXD2safBu2RLvV6noOqpG8w0LIXv1ce89juDQHX/s992/MV5BMjE3Y2JlM2UtNTM1Ny00OTFjLTk2OGYtNTI1MDQyNTkxNmJlXkEyXkFqcGdeQXVyNDg4MjMyOTI%2540._V1_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="992" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMZ8qqXRtnhuewAmY8R3jfj7kTYu6VRuYDGCUSzituTjpiOCIXVUuAGEAOcgfMMJP6kl_jwlPjyR7G81cfMBwh06gAjPTvbj-qWlALXIXD2safBu2RLvV6noOqpG8w0LIXv1ce89juDQHX/w226-h320/MV5BMjE3Y2JlM2UtNTM1Ny00OTFjLTk2OGYtNTI1MDQyNTkxNmJlXkEyXkFqcGdeQXVyNDg4MjMyOTI%2540._V1_.jpg" width="226" /></a></span></div><span style="text-align: justify;"><div style="text-align: right;"><i>por Juan Gabriel Martínez</i></div></span><p></p><p><span style="text-align: justify;"> El
martes 27 de noviembre parecía que todo volvía a la normalidad en el cine-club
del Rodrigo Caro. Tras un parón de nueve meses, por fin nos podíamos reunir
para ver la película que se aplazó indefinidamente en el mes de marzo, que no
era ni más ni menos que </span><i style="text-align: justify;">El sur</i><span style="text-align: justify;">. La
llegada abrupta y feroz de la pandemia interrumpió nuestra programación sin que
diera tiempo a ver ese ya clásico del cine español, de uno de nuestros grandes
directores, no tanto por la extensión de su obra (que componen sólo tres
largometrajes como director, además de cortos y colaboraciones, algunos guiones
y alguna interpretación como actor) como por la calidad de los títulos que ha
dejado para la historia cinematográfica de España.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> Efectivamente,
en nuestra programación procuramos reservar un hueco para la filmografía
europea, y para la española en particular, y creíamos que podía ser el momento de
ofrecer a nuestros potenciales espectadores (aún siguen siendo pocos, pero no
desesperamos en el intento de llegar cada vez a más) esta obra singular, como
singulares son también los otros dos títulos de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Erice" target="_blank">Víctor Erice</a>: <i>El espíritu de la colmena</i> (1973) y <i>El sol del membrillo</i> (1992). El común denominador de las obras que
pretendíamos ver en el segundo trimestre del curso pasado era la mirada que
sobre la infancia y la adolescencia habían tenido algunos grandes realizadores.
Éste es un tema que Erice ya había abordado en su primer trabajo, con el que ya
obtuvo el reconocimiento internacional como director en el Festival
Internacional de Cine de San Sebastián de 1973 por la mencionada <i>El espíritu de la colmena</i>. En esta su
segunda película vuelve a adoptar el punto de vista de una niña, Estrella, que
crece fascinada por la misteriosa figura del padre, hasta convertirse en una
adolescente, con una elipsis temporal de siete años desde el momento en el que
descubre lo que el padre le ha ocultado tanto tiempo. Transcurrido ese tiempo,
se le presentará el momento de abordar ese episodio, que no es ni más ni menos
que el secreto que siempre pretendió descubrir y que era más prosaico de lo que
ella creía. El desencanto que produce en ella la falta de sinceridad del padre
coincide con la desesperación de él; el encuentro con el que pretendía
recuperar la relación con Estrella se ve trastocado y lo altera sobremanera, tras
lo cual se ve solo y desamparado. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIAR95w0orxtLJ5CmUbRtAp-J4e1BxXt9ndSiHNkm42HBOsIfhzGVwmVwCw_3Ik3ncIUuJN9oe_9YRULR5GFDE9OndGiwbYmnQ-lmeI_isCOSPpFGWx_CwyEugMjo4tXiQUoBi5d0wLYnT/s560/1433347760_185002_1433347809_noticia_normal.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="334" data-original-width="560" height="190" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIAR95w0orxtLJ5CmUbRtAp-J4e1BxXt9ndSiHNkm42HBOsIfhzGVwmVwCw_3Ik3ncIUuJN9oe_9YRULR5GFDE9OndGiwbYmnQ-lmeI_isCOSPpFGWx_CwyEugMjo4tXiQUoBi5d0wLYnT/w320-h190/1433347760_185002_1433347809_noticia_normal.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Ante la mirada
de esta niña se desarrolla la vida de un hombre huraño, extraño y tierno a la
vez con su hija, pero también impenetrable, con una pasado misterioso y
poseedor de un secreto que la niña desconoce y que se nos revelará a la vez que
a la hija. </p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">Por lo que
acabamos de decir, podríamos pensar en un juego de espejos, ya que no se trata
tanto de la visión que el director pueda tener de la infancia, sino de la idea
que el director puede tener de cómo ve la vida de los adultos una niña,
encerrada en una casa de las afueras de una ciudad del norte de España (“La
Gaviota”) adonde el padre, médico de profesión y zahorí aficionado, acabó
trasladándose con toda la familia huyendo de algo, y en un mundo de adultos que
no comprende pero que con los años irá descubriendo. Ante sus ojos se
desenvuelven los adultos: la madre, maestra represaliada por el régimen
franquista, que lleva una vida triste y sin ilusión, la criada que vive con
ellos y que es quien realmente se ocupa de la casa; la abuela y su criada,
procedentes de ese lejano sur con el que la niña sueña, y que durante su breve
estancia aportan algo de novedad y alegría al hogar; y cómo no, su padre, el
centro de interés de Estrella. El sur, lugar de origen de la familia paterna,
se configura como una meta, como el lugar en el que la vida podría ser
diferente.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEji9la4rrdgq5PVt3nY1sYiP5e5DXHqjsvryQgLXkxzssPd8mLvH1aDdYxvCsqoYbmJvAo5iE9b7w2te4s-P4r2gQyqb0HWjm7t5EmTOTXEGnP04ptDsfBCZGAY8PcHjsi2mv4fb-LGTemm/s850/sur-el-1983-01-g.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="621" data-original-width="850" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEji9la4rrdgq5PVt3nY1sYiP5e5DXHqjsvryQgLXkxzssPd8mLvH1aDdYxvCsqoYbmJvAo5iE9b7w2te4s-P4r2gQyqb0HWjm7t5EmTOTXEGnP04ptDsfBCZGAY8PcHjsi2mv4fb-LGTemm/s320/sur-el-1983-01-g.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> La
perseverancia de Estrella la hará descubrir el gran secreto de su padre,
aquello que lo hizo feliz en un tiempo lejano y que ocho años más tarde
pretende recuperar: una antigua relación extraconyugal con una actriz de
segunda fila. El rechazo de ésta lo sumirá en la tristeza y a la larga va a ser
la causa de su desgracia. En su desesperación, una tarde abandonará la casa con
la intención de reencontrarse con ella, pero finalmente, tras pasar la noche en
un triste hotel, volverá con su familia. El regreso a la casa familiar va
acompañado de un cambio más profundo en el estado de ánimo del padre y en la
relación con la hija, que ya ha dejado de idealizarlo. </p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">No obstante,
Estrella sigue soñando con el sur, ese lugar idealizado, esa Arcadia (como el
nombre del cine de la ciudad, donde descubre que la Irene Ríos que su padre
dibuja es en realidad una actriz secundaria), en aquella España de posguerra, pero
que aún no está al alcance de la protagonista, instalada en una geografía que
no le dice nada (como a ninguno de los personajes que viven en esa casa de “la
frontera”, denominación que el padre da al camino que conduce a ella). Esa
ciudad del norte a la que en ningún momento se nombra no es más una estación de
paso hacia un lugar más luminoso y feliz, por contraposición al norte de días
oscuros y melancólicos (en la película se omiten los veranos; los recuerdos de
Estrella con los que se construye la trama corresponden a días de otoño o
invierno, excepto los de su primera comunión). Sólo los días previos a la
comunión de Estrella suponen un período de efímera felicidad. Pasada ésta, cuando
el coche con la abuela y la chacha se aleja, la languidez vuelve a instalarse
en la casa. La nostalgia por la felicidad perdida antes incluso de haberla
conocido. Ese es el recorrido que Estrella hará desde la niñez hasta la
madurez, y que habrá de llevarla algún día a ese sur anhelado y que recrea en
su mente a través de postales.</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> La
historia que Víctor Erice y Elías Querejeta querían contar hubiera debido tener
tres partes. Narrada por la voz en off de Estrella y partiendo de un <i>flash back </i>tras la muerte de Agustín, el
padre, la película nos transporta a un período de la infancia de la narradora,
cuando tenía ocho años; la segunda parte nos sitúa en su adolescencia, siete
años más tarde, momento en el que se produce el desenlace de la película. Y
finalmente, una tercera etapa de la vida de Estrella que hubiera debido ser
filmada en la continuación de la película, la habría situado en Carmona, en el
Sur, siendo ya Estrella una mujer madura y adonde habría llegado para terminar
de reconstruir el pasado de su padre y tomar el contacto con el hijo que éste
tuvo con Laura, la mujer real que hay tras el nombre artístico de Irene Ríos.
Tanto director como productor contemplaban esa segunda parte, pero por
problemas de financiación se vio retrasada; y cuando fue financieramente
posible, visto el éxito de la primera desistieron de hacer la segunda, por
temor a que desmereciera de la primera.</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> El
ambiente que muestra la película, el sentimiento que transmite, son
tremendamente tristes, pero de una belleza extraordinaria. Cada imagen, cada
plano, se van encadenando según un plan preciso para hacernos ver el
transcurrir del tiempo. La luz, ese elemento tan característico de las
películas de Erice, se erige en la auténtica protagonista de la película para
hacernos comprender la languidez, la melancolía con la que se suceden los días
en ese pequeño mundo de la casa de Estrella. En esa estética tenebrista (se
diría a veces que estamos ante un cuadro de Rembrandt, viendo cómo un rayo de
luz se desplaza y crece en una pared), los días se suceden casi idénticos, pero
la historia avanza hacia un final que no puede ser nada más que trágico. Ese
uso de la luz en la fotografía es lo que ya había valido a Erice el
reconocimiento en su primera película, y que habría de adquirir su plenitud en
la última<i>, El sol del membrillo</i>, en
la que se convertirá en la auténtica protagonista.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4AHnxjzhFoYGmjS0x-_u-HiGpSRF_6ng_vGLHFqd3bDnsSziW22byEEFF3tMTLmjZV-WcYQrqy3uY08Olwur2zHKzEWDCeeIvf20NRq0rnlIb986dsgx1pxlj2Ck_RQcuQjxGIxtrziCU/s424/sur2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="424" height="226" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4AHnxjzhFoYGmjS0x-_u-HiGpSRF_6ng_vGLHFqd3bDnsSziW22byEEFF3tMTLmjZV-WcYQrqy3uY08Olwur2zHKzEWDCeeIvf20NRq0rnlIb986dsgx1pxlj2Ck_RQcuQjxGIxtrziCU/w320-h226/sur2.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> Además
de la magnífica fotografía de José Luis Alcaine, no podemos dejar de mencionar
la música elegida para la banda sonora. <i>La
Danza Andaluza</i> de Granados o el pasodoble <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=216iSDKurJY" target="_blank">En er mundo</a></i>, llenan de sensibilidad y sugerencias las pocas
secuencias en los que se oyen. Todos esos elementos artísticos (fotografía,
música, ambientación) no hacen sino resaltar un guion del que es autor el
propio Víctor Erice, a partir de una novela corta de Adelaida García Morales, en
aquellos años pareja del director, que aún no había sido publicada y que lo fue
posteriormente al estreno de la película. Digamos, para terminar, que el
productor fue uno de los grandes nombres de la historia del cine español: Elías
Querejeta, que igualmente había producido la primera película de Erice, así
como otros grandes títulos, como <i>Peppermintfrappé</i>,
<i>Ana y los lobos</i>, <i>A un dios desconocido</i>, <i>Tasio</i>,
<i>Historias del Kronen</i>, <i>Barrio</i> y un larguísimo etcétera.</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> La
película como tal tuvo un enorme éxito de crítica. Fue muy bien recibida en el
Festival de Cannes de 1983 y recibió numerosos galardones en Chicago y Sao
Paulo, pero lamentablemente no es uno de los filmes más vistos por el público
español, poco aficionado a dramas de este tipo, formalistas e intimistas.<a name="_GoBack"></a></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> En
estos tiempos de confinamiento y distancia, ese martes de otoño, en la penumbra
del SUM en donde nos habíamos reunido para la ocasión, observando las
necesarias medidas de protección, en silencio absoluto e inmersos por completo
en la historia que se desarrollaba ante nuestros ojos, los que allí estábamos
disfrutamos compartiendo aquella experiencia cinematográfica que nos acercaba
de nuevo a la normalidad de antes de la pandemia. Cuando los títulos de crédito
de la película terminaron de pasar y volvimos a encender las luces, costaba
trabajo romper el silencio y expresar nuestras emociones, o al menos eso me
ocurrió a mí. Una historia tan simple y profunda apenas dejaba margen para
añadir algo más que pudiera romper su encanto, “el espíritu de El sur” nos
había sobrecogido a los allí presentes. Y nosotros nos creímos que todo volvía
a ser como antes…</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> </p>
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-62185604545118407702020-06-10T14:29:00.002-07:002020-06-10T14:41:14.974-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Los Juncos salvajes (1994) de André Techiné <div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvtX61XPUwP-Bg8azUOWH704aUbwVL51SqMjZ8Cn7IkajhTbtIBOpPjy-Cg3883Zee98KMBqE7SaxpivboBMoGl8ydmg6iPwIwFn84yYwYLlNU0nqtAwkkP4K8lkSOgeH7qkR0BNREnpQW/s1600/les_roseaux_sauvages_wild_reeds-807512505-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="892" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvtX61XPUwP-Bg8azUOWH704aUbwVL51SqMjZ8Cn7IkajhTbtIBOpPjy-Cg3883Zee98KMBqE7SaxpivboBMoGl8ydmg6iPwIwFn84yYwYLlNU0nqtAwkkP4K8lkSOgeH7qkR0BNREnpQW/s320/les_roseaux_sauvages_wild_reeds-807512505-large.jpg" width="236" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: right;">
por Enrique López</div>
<br />
<br />
En primer lugar me gustaría agradecer a mis compañeros del programa de Aula de Cine por aceptarme en tan selecto Cine Club; ha sido un placer poder compartir buen cine y aprender a través de la mirada de los otros, por tanto me siento honrado por dejarme escribir la reseña de este “coming of age” o despertar de la madurez.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
Es un género que está presente en la literatura occidental desde Homero que vemos en las figuras de Patroclo y Telémaco, en el cine en títulos tan emblemáticos como <i>Pinochio </i>(1940), <i>Los 400 golpes</i> (1959), <i>El Rey León</i>(1994) o <i>Call me by your name</i> (2017). El género nos ha demostrado que no ha pasado de moda con el éxito de series como <i>Stranger Things</i> (2016) o <i>Sex Education </i>(2019) en las plataformas digitales.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
El secreto es que es un tema universal, que se recrea en la nostalgia, en el conflicto del desarrollo personal y en la crisis que supone la adolescencia, si bien, envejecen mal cuando los espectadores no comparten los mismos referentes culturales con su creador que suele recrear su propia adolescencia.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
<i>Los Juncos Salvajes</i> es, por tanto, la película más autobiográfica de su director André Téchiné aunque ya había explorado los temas de la adolescencia, la homosexualidad y la falta de referentes masculinos en filmes anteriores en <i>Les Innocents</i> (1987) y <i>En la boca, no</i> (1991). Un año después del éxito que obtuvo en Cannes con <i>Mi estación preferida</i> (1993), con <i>los Juncos Salvajes</i> consigue el reconocimiento en los premios César y fue seleccionada para representar a Francia en los Oscar a mejor película extranjera.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBy1o3bpAgFQ56hLlbMgADuot34DjcmCStJYr80dB6as9NMCisHBeWwNylqWQ0niYdWg1xag1tFuND1bWMwu5W18dk3jkDB5Kw06WPceOhCwEMzl91zBZGoaRyVjProdHSe-bwhrQxnq2G/s1600/zCC5Han27o5AxhdNJ86b5YhLhIS-1024x675.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="526" data-original-width="798" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBy1o3bpAgFQ56hLlbMgADuot34DjcmCStJYr80dB6as9NMCisHBeWwNylqWQ0niYdWg1xag1tFuND1bWMwu5W18dk3jkDB5Kw06WPceOhCwEMzl91zBZGoaRyVjProdHSe-bwhrQxnq2G/s320/zCC5Han27o5AxhdNJ86b5YhLhIS-1024x675.jpg" width="320" /></a></div>
</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
Téchiné recrea su propia adolescencia, un internado en el sur de Francia en los años 60 con el telón de fondo el conflicto tan traumático que supuso la Guerra de la Liberación de Argelia. Filmada con un gusto poético, podemos intuir el cariño con el que el autor recuerda su propio despertar. François, Serge y Maïté forman el triángulo amoroso cuasi tóxico donde todos se necesitan y crean el conflicto interior que hacen que maduren, dejen atrás sus miedos y se enfrenten a sus miedos. No tiene una visión pesimista de la vida y ve la adolescencia como un punto de partida hacia lo desconocido con unas ganas recobradas tras una crisis personal.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
Téchiné representa esa generación heredera la Nouvelle vague de Truffaut o Rohmer, que entiende el lenguaje cinematográfico con respeto a los maestros como Bergman. Me quedo con la escena en la que François busca ayuda en la única persona homosexual que conoce, el Monsieur Cassagne que no se atreve ni a mirarse en el espejo. Refleja esa crisis generacional más allá del conflicto de la homosexualidad. François representa esas ganas de vivir frente a Cassagne ha olvidado lo que significó el amor para él.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSHJp3t51eqoWX1MS6WI-ZQPxSZIxjdoQP7bvKQb9KbV8NBdoVLiQXZpuupuxBuOcXYpXM8aeLA7DeaiiBN-0JcfUez4oGjzdl7FTlnO-HdrTqm38pIpN4hXpqYtp-tnvi7WkPSQ2VqKoT/s1600/wild_reeds_1.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="436" data-original-width="650" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSHJp3t51eqoWX1MS6WI-ZQPxSZIxjdoQP7bvKQb9KbV8NBdoVLiQXZpuupuxBuOcXYpXM8aeLA7DeaiiBN-0JcfUez4oGjzdl7FTlnO-HdrTqm38pIpN4hXpqYtp-tnvi7WkPSQ2VqKoT/s320/wild_reeds_1.png" width="320" /></a></div>
Me parece interesante la figura de Henri, el cuarto en discordia que hace avanzar la acción y desestabiliza a nuestros tres personajes: a François le hace plantearse lo que significa el amor y el deseo, a Maïté sus ideales políticos y a Serge el conflicto que causa la muerte de su hermano. Henri hace explotar el mundo de nuestros personajes y como el viento viene y va trastocando nuestros cimientos.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
François es encarnado por Gaël Morel que supuso el debut y el reconocimiento instantáneo por la crítica con la nominación a Mejor actor revelación de 1995 en los César.</div>
<div style="color: #2a2513; font-family: Georgia, "Times New Roman", Times, serif; font-size: 13.6px; margin-bottom: 1em;">
La homosexualidad, la guerra, los conflictos de clases, el racismo, los ideales políticos tienen un gran peso en la historia pero no la dominan; lo importante es el crecimiento personal que tienen que atravesar los personajes que culmina en ese bucólico paseo final junto al río, junto a los juncos salvajes.</div>
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-86514146615182918352020-03-04T07:21:00.001-08:002020-06-10T05:20:37.355-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: La soledad del corredor de fondo (1962) de Tony Richardson<div align="center" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
</div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTkm1vy6JDgHMSZ8yQvAimB4HTlKoscOZDEcWKQsG07PahQMTtM8Mddz3iVdwl4c5LSk5fRhlNZXZdGkG9zPD2A25rM0CQi9lvY0V1V1C56DMOYOw3LFHD7ekq8gzbn4E_rl4X8RdKYfBF/s1600/la-soledad-del-corredor-de-fondo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-indent: 1.25cm;"><img border="0" data-original-height="580" data-original-width="410" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTkm1vy6JDgHMSZ8yQvAimB4HTlKoscOZDEcWKQsG07PahQMTtM8Mddz3iVdwl4c5LSk5fRhlNZXZdGkG9zPD2A25rM0CQi9lvY0V1V1C56DMOYOw3LFHD7ekq8gzbn4E_rl4X8RdKYfBF/s320/la-soledad-del-corredor-de-fondo.jpg" width="226" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center; text-indent: 47.2441px;">
<span style="text-align: right; text-indent: 47.2667px;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center; text-indent: 47.2441px;">
<span style="text-align: right; text-indent: 47.2667px;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left; text-indent: 47.2441px;">
<span style="text-align: right; text-indent: 47.2667px;">por Juan Gabriel Martínez</span></div>
<div>
<span style="text-align: right; text-indent: 47.2667px;"><br /></span></div>
El invierno es una mala estación para el cine, o así debemos
creerlo a tenor de la escasa asistencia a nuestro cine-club durante
la presente edición. Si ya la proyección de diciembre reunió unas
circunstancias adversas que hicieron menudear el número de
espectadores, no pensábamos que tal cosa ocurriera en la primera
sesión del nuevo año, pero ocurrió.</div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
Y fue una pena porque, siguiendo con la línea definida por el quipo
de aula de cine de nuestro instituto, queríamos seleccionar 3
títulos para este trimestre que centraran su temática en ese
período inestable y difícil de la vida por el que todos hemos
pasado y que nuestros alumnos están viviendo: la adolescencia.
Pensábamos que eso atraería al público, ya que sin ninguna duda se
trata de un tema inabarcable, con infinitas lecturas y
planteamientos, que abarca aproximadamente, según los especialistas,
desde los doce a los veinticinco años. Y es un tema siempre candente
(nunca un adjetivo podría esencializar más claramente lo que se
pretende calificar), aunque cada generación lo viva diferentemente
según sus patrones culturales.</div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
La película elegida fue<i> La soledad del corredor de fondo </i><span style="font-style: normal;">(1962)</span><i>,
</i><span style="font-style: normal;">del director británico</span><i>
</i><span style="font-style: normal;">Tony Richardson. </span><span style="font-style: normal;">No
es ésta la película que le supuso más reconocimiento, ya que al
año siguiente consiguió dos Óscar</span><span style="font-style: normal;">s</span><span style="font-style: normal;">,
a mejor película y mejor director, por </span><i>Tom Jones</i><span style="font-style: normal;">,
lo que le valió una mayor difusión internacional; pero se trata sin
duda de un film excepcional. Se encuadra -</span><span style="font-style: normal;">y
es la mejor representante- </span><span style="font-style: normal;">en
el movimiento </span><i>Free cinema </i><span style="font-style: normal;">británico</span><span style="font-style: normal;">,
heredero y continuador de la </span><i>Nouvelle vague</i><span style="font-style: normal;">
francesa, aunque menos intenso, menos duro, </span><span style="font-style: normal;">pero
comparte con ella su elemento fundamental: dar una respuesta
contundente a una industria cinematográfica aferrada al pasado en
sus respectivos países, con una estética anquilosada y repetitiva,
alejada de la realidad de los nuevos tiempos, en definitiva, una
industria decadente a la que los cineastas de esta corriente
contraponen una estética directa, un nuevo lenguaje cinematográfico
poético, un análisis frío y subjetivo de las nuevas realidades que
se plantean en el sistema económico, cultural y social</span><i>.</i><span style="font-style: normal;">
Durante los años 60, Richardson abordó la problemática de la
juventud británica </span><span style="font-style: normal;">y </span><span style="font-style: normal;">abordó
asuntos</span><span style="font-style: normal;"> poco tratados hasta
ese momento en el cine: embarazos adolescentes, homosexualidad...</span><span style="font-style: normal;">
</span><span style="font-style: normal;">Sus personajes reflejan a </span><span style="font-style: normal;">los
que se conocía como </span><i>jóvenes airados,</i><span style="font-style: normal;">
unos personajes sin objetivos vitales, decepcionados con el sistema
capitalista en el que han sido educados, hasta cierto punto
nihilistas. Se limitan a vivir y disfrutar </span><span style="font-style: normal;">tanto</span><span style="font-style: normal;">
</span><span style="font-style: normal;">como</span><span style="font-style: normal;">
puedan de lo poco que les ofrece una sociedad que en apariencia les
pone todo al alcance, pero que no les ofrece los mecanismos para
conseguirlo. Tampoco se plantean la necesidad de esforzarse para
lograrlo, porque ya se han dado cuenta </span><span style="font-style: normal;">de
</span><span style="font-style: normal;">cuáles son las reglas y ven
con claridad que la compartimentación social está establecida y a
ellos sólo les llegan las migajas, los restos.</span></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">E</span><span style="font-style: normal;">n
la película que nos ocupa, el protagonista es un joven de clase
obrera que vive en los suburbios de Nottingha</span><span style="font-style: normal;">m</span><span style="font-style: normal;">,
</span><span style="font-style: normal;">Colin Smith. Su amigo y él
tienen poco que hacer en la vida, ante la dese</span><span style="font-style: normal;">s</span><span style="font-style: normal;">peración
de sus padres, y aún menos dinero para nada que realmente les pueda
sacar de la sordidez del día a día. Un día se les ocurre robar en
una panad</span><span style="font-style: normal;">e</span><span style="font-style: normal;">ría
del barrio porque se les figura un objetivo fácil. Y efectivamente
lo es. Con ese dinero podrán pasar un par de días felices con sus
novias, harán una viaje a la playa y se olvidarán de las miserias
cotidianas. Además, no creen probable que los pillen porque nadie
los ha visto y el dinero estará a buen recaudo. Pero la realidad es
terca y siempre hay algún elemento que se descont</span><span style="font-style: normal;">r</span><span style="font-style: normal;">ola
y que dará al garete con las expectativas. Y es así como Colin
acaba en un reformatorio para pagar su deuda con la sociedad. Es éste
el auténtico punto de partida de la historia, ya que todo lo
anterior nos es narrado en forma de </span><i>flash backs </i><span style="font-style: normal;">durante
el film.</span></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">Colin debe hacerse a su nueva vida
en ese centro de internamiento </span><span style="font-style: normal;">de
menores</span><span style="font-style: normal;">, en compañía de
otros jóvenes descarríados con igual falta de perspectivas. </span><span style="font-style: normal;">Allí
tendrá ocasión de mostrar un don: su capacidad para correr, sus
excelentes condiciones para las carreras de fondo, cualidades que no
pasan desapercibidas al director del centro, que ve en él la
oportunidad tanto tiempo añorada de vencer a los alumnos del colegio
privado con el que anualmente compiten y ante el que año tras año
van añadiendo derrotas, nada de extrañar por las condiciones de
estudio y de cuidado de los jóvenes del otro centro.</span></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">Desde ese momento el director se
interesará vivamente por el entrenamiento de su pupilo, gran
esperanza del reformatorio, </span><span style="font-style: normal;">coartada
para mostrar en ese acto social tradicional las virtudes de su
sistema de “integración social” de los jóvenes de las clases
desfavorecidas, a las que parecen otorgar las herramientas para el
</span><span style="font-style: normal;">a</span><span style="font-style: normal;">scenso
social.</span></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">El joven hosco, duro, que llega al
centro haciendo alarde de su</span><span style="font-style: normal;">
</span><span style="font-style: normal;">rebeldía, discutirá y
debatirá con sus compañeros, que le reprochan su asimilación al
sistema, mientras sigue preparándose para el gran día. El
espectador va comprendiendo el proceso que se desarrolla en su mente,
a través de la reconstrucción de las calamidades que lo han llevado
hasta allí, en una vida errática y en una familia fallida (a lo que
hay que añadir la muerte del padre). El análisis de la sociedad
capitalista y sus fastos, las añagazas que sus representantes, sus
“carceleros”, le ponen ante los ojos con el fin de espolearlo
para que logre el anhelado triunfo, parecen ir persuadiéndolo,
porque, en el fondo, para él aquello no es más que una demostración
de sus capacidades, y </span><span style="font-style: normal;">la idea
de</span><span style="font-style: normal;"> ganar está en su </span><span style="font-style: normal;">mente,
en esto como en los demás avatares de su vida. Colin es un chico
inteligente, consciente en todo momento de las consecuencias que sus
actos pueden tener, pesimista ante el futuro, un futuro que no va más
allá de mañana, de lo inmediato, todo lo demás no existe. </span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-style: normal;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu4SPf1lWMy4nN70Exsz6Rwd2NukBjwYUhiPje5TK5eR_1M_tOwvNwHK6w1HuF1wWoThpupBvusIyqhv18BPGQOqg86TR3_4lxW4mL_1kivVVqrIl4ToUFVId-XiBB2Uf1zna9LZp2qyr-/s1600/soledadrejas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu4SPf1lWMy4nN70Exsz6Rwd2NukBjwYUhiPje5TK5eR_1M_tOwvNwHK6w1HuF1wWoThpupBvusIyqhv18BPGQOqg86TR3_4lxW4mL_1kivVVqrIl4ToUFVId-XiBB2Uf1zna9LZp2qyr-/s320/soledadrejas.jpg" width="320" /></a></span></div>
</div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">Durante su preparación, y
especialmente durante la carrera, su vida pasa ante sus ojos (y ante
los nuestros). Una carrera de fondo da para mucho. Son muchos minutos
de estar a solas consigo mismo. Muchos de nosotros sabemos lo que es
pasar mucho tiempo sin más conversación que un monólogo interior
lleno de recovecos, de recuerdos, de proyectos, de miedos, de
</span><span style="font-style: normal;">esperanza</span><span style="font-style: normal;">s,
que van y vienen, y vuelven a irse y regresan de nuevo. El silencio
se extiende alrededor mientras la mente se llena de sonidos, de
ruido, de llamadas. </span><span style="font-style: normal;">Y al
mismo tiempo, la actividad física que se está desarrollando se
manifiesta en cada momento para obligarnos a tomar la decisión que
el cuerpo nos pide y que deberemos ejecutar, decisiones que serán
definitivas para la conclusión de la competición. La fuerza mental
es una de las cualidades que más se elogian en los grandes
deportistas, el motor que los lleva a sobreponerse a las dificultades
y que los lleva hasta el triunfo. Y en las competiciones individuales
y prolongadas son el mayor exponente de esta fortaleza mental. Son
competiciones solitarias, íntimas, y nadie duda de las
extraordinarias condiciones que deben tener alpinistas, maratonianos,
nadadores, ciclistas y otros deportistas.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMPt_TIwtm63-SOhERtFgcN4pGjdR8gNGG4SIXndhrGpVHnTu5CTWSAmSUI5K9_sAdSxYrWVjzZld4-YMCHzxQn3_1VCmagBrMxtV5zto0RluWkDPvvdOn0FpMPWYRFhGJvUHFfNIA7-yf/s1600/soledad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="273" data-original-width="494" height="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMPt_TIwtm63-SOhERtFgcN4pGjdR8gNGG4SIXndhrGpVHnTu5CTWSAmSUI5K9_sAdSxYrWVjzZld4-YMCHzxQn3_1VCmagBrMxtV5zto0RluWkDPvvdOn0FpMPWYRFhGJvUHFfNIA7-yf/s320/soledad.jpg" width="320" /></a></div>
</div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
En esta maravillosa película podemos asistir a todo este proceso
mental, al monólogo que se produce en el interior de Colin mientras
sus rivales van quedando atrás, derrotados por el desconocido chico
pobre que nunca había destacado en nada.</div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">Tom Courtenay encarnó el personaje
de Colin en su primera aparición cinematográfica, y lo hizo con
solvencia y credibilidad. Le acompaña</span><span style="font-style: normal;">n</span><span style="font-style: normal;">
Michael Redgrave (padre de la venerada Vanessa Redgrave) en el papel
del director del centro, </span><span style="font-style: normal;">y
Alec McCowen, un secundario habitual en muchas producciones
británicas y en algunos éxitos de Hollywood.</span></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-style: normal;">Rodada en un sobrio blanco y negro,
</span><span style="font-style: normal;">sin apenas música pero </span><span style="font-style: normal;">con
unos poderosos silencios que resaltan los </span><i>flash backs, </i><span style="font-style: normal;">l</span><span style="font-style: normal;">a
película, basada en un relato homónimo de </span><span style="font-style: normal;">Alan
Sillitoe </span><span style="font-style: normal;">(</span><i>The
loneliness of t</i><i>h</i><i>e long distance runner</i><span style="font-style: normal;">)
</span><span style="font-style: normal;">contó con el autor para la
adaptación de la historia a un guión que se muestra impecable para
hacernos llegar las emociones y sentimientos del protagonista, de
modo que lleguemos a sentir compasión por él y comprendamos el
porqué de sus decisiones. Para quien esto escribe, ver la película
hace más de treinta años supuso un choque emocional del que tardé
en recuperarme, y la prueba de ello es cómo ha permanecido en mi
recuerdo. No había tenido ocasión de volver a verla, porque no es
una película habitual de los circuitos comerciales o tele</span><span style="font-style: normal;">v</span><span style="font-style: normal;">isivos,
pero cuando la propuse para el cine-club esperaba que a los
espectadores no los dejaría indiferentes. Me siento satisfecho al
ver, en la conversación posterior que siempre sigue a los
visionados, que a mis compañeros no los dejó. Una película
imprescindible para comprender los límites de nuestras sociedades
del bienestar y discernir los espejismos que nos hacen contemplar
como objetivos alcanzables de lo verdaderamente importante… si es
que lo hay.</span></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-style: normal; font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-60312094130164627032020-02-01T11:48:00.000-08:002020-02-01T11:51:52.004-08:00Cine-club del Rodrigo Caro: La novia cadáver de Tim Burton y Mike Johnson (2005)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioyLKufnq7sE5IdEdYxi2ffOfKVNYoqWzFdjfr-qRtr0tMM1CFFpGBoEye8saRJ-7jYZeQ0wFr6TQ1haHIEDv28eze6lkqkJmT8VQLX1xfzkHVw0AheL6xG4vnT2uuiZ0rrkysAr9ewEin/s1600/CADAVER+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="277" data-original-width="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioyLKufnq7sE5IdEdYxi2ffOfKVNYoqWzFdjfr-qRtr0tMM1CFFpGBoEye8saRJ-7jYZeQ0wFr6TQ1haHIEDv28eze6lkqkJmT8VQLX1xfzkHVw0AheL6xG4vnT2uuiZ0rrkysAr9ewEin/s1600/CADAVER+1.jpg" /></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<div style="text-align: right;">
por María Jesús Morón</div>
Una tormentosa tarde prenavideña supuso el decorado perfecto para el
visionado de la película elegida por nuestro cine club para cerrar el año
2019: <i>La novia cadáver</i>. Que no os lleve a engaño el título, puesto
que La novia cadáver es una maravillosa y hermosa película de animación
dirigida por Tim Burton y Mike Johnson en el año 2005. Basada en un cuento
del siglo XVI, “El dedo”, del rabino Isaac Luria y en la adaptación
ruso-judía posterior del siglo XIX, está ambientada en un pueblo ficticio
de la época victoriana y nos cuenta la historia de Emily y Víctor Van Dort.
Víctor Van Dort es el hijo de unos pescaderos que, de alguna manera, han
hecho fortuna (no se indica en la película cómo) pasando a ser nuevos ricos
y con aspiraciones de ascender socialmente. Con el fin de lograrlo,
conciertan el matrimonio de su hijo Víctor con Victoria Everglot, hija de
unos aristócratas arruinados. Pese a conocerse el día antes del enlace, los
dos jóvenes se enamoran y lo que prometía ser una historia de amor con
final feliz se tuerce durante el ensayo de la boda, ya que con los nervios,
Víctor es incapaz de recordar sus votos y termina dejando caer la alianza
de matrimonio al suelo y quemando el vestido de su futura suegra. Ante tal
desaguisado, es reprendido por el pastor Glaswells, el cual le prohíbe su
regreso hasta que no se haya aprendido correctamente sus votos
matrimoniales. Al huir del pueblo, Víctor se adentra en un bosque en el que
ensaya sus votos nupciales, despertando sin querer a Emily, el cadáver de
una joven novia fallecida que lo arrastrará al mundo de los muertos. Tim
Burton representa el mundo de los muertos como un mundo alegre, lleno de
color, con cadáveres, esqueletos y alimañas bebiendo, bailando y celebrando
la eternidad, en contraposición a un mundo de los vivos gris, donde la
gente camina cabizbaja, encorvada y con semblante triste. Víctor, soñador y
distraído, encontrará en el mundo de los muertos lo que nunca encontró en
el de los vivos: vitalidad, bondad, dulzura,.. especialmente en el
personaje que da nombre a la película, Emily, la novia cadáver. Emily, que
admira la belleza de la luna la primera vez que sube a la tierra tras su
muerte. Emily, que le regala los huesos de su perro Sobras (Scraps en la
versión original). Emily, enamoradiza, bondadosa, confiada y en búsqueda
del ideal del amor romántico que perdió en vida y que cree haberlo
encontrado en Víctor.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEQsEpPeURXf4aPBuI8oMkRSKGNlUc1Q6BMIlJStw9AjZaXBPPAEQTS28NPYSmUoFvecvxqk0S_uo2OBxXQsw5ChFLmf42A_hn3p2KIaGJX7Mb3CXBfxg_wtXSJfEi778l5-Dk7FME4Bb4/s1600/CADAVER+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="194" data-original-width="329" height="188" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEQsEpPeURXf4aPBuI8oMkRSKGNlUc1Q6BMIlJStw9AjZaXBPPAEQTS28NPYSmUoFvecvxqk0S_uo2OBxXQsw5ChFLmf42A_hn3p2KIaGJX7Mb3CXBfxg_wtXSJfEi778l5-Dk7FME4Bb4/s320/CADAVER+2.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a>A lo largo de la película vemos como, de entre los protagonistas, el
personaje que más emociones expresa, Emily, es precisamente el que no tiene
corazón. Asunto al que hace varias veces referencia, apesadumbradamente, la
misma Emily: la carencia de latido, de su propio latido. Sin embargo, los
espectadores vemos como pese a sus heridas físicas y de las otras, Emily,
nuestra novia cadáver, canta, ríe, siente celos, angustia, tristeza
(preciosa escena junto a Víctor tocando el piano) y mucho dolor. Tanto, y
tanto ha sufrido, que no es capaz de provocarlo en los demás y al final de
la historia liberará a Víctor para que pueda casarse con la mujer a la que
realmente ama. Con esta muestra de amor, Emily queda por fin libre del
trauma que la anclaba a la eternidad.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG-cxPCdxHfqQfKxRvD_sVI5QMEhNxsG4W_CJMEVzqJVcluLDW4NGKjQBIaLoVXgJTHzYcbk7bWzuMrf_QgX2aCB2LA0Yk5ccha31i3iX8jrSMb8l97ULyUJTjgolzFtWaBQJ7lmu7E04t/s1600/Cad%25C3%25A1ver+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="140" data-original-width="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG-cxPCdxHfqQfKxRvD_sVI5QMEhNxsG4W_CJMEVzqJVcluLDW4NGKjQBIaLoVXgJTHzYcbk7bWzuMrf_QgX2aCB2LA0Yk5ccha31i3iX8jrSMb8l97ULyUJTjgolzFtWaBQJ7lmu7E04t/s1600/Cad%25C3%25A1ver+3.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrlWuO6nDgfV9sZog1NSdqQEfiShtuAHhrLuY2TmJbjuy5uBkowlcGQfN5U61PggPSUzv1_Rb9g148efheVJ872oEfGmHwI12ecoMuGe36EY3mVjdFqKtE95zA9TIvTJUgTXGZq7IBVaQp/s1600/Cad%25C3%25A1ver+4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="143" data-original-width="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrlWuO6nDgfV9sZog1NSdqQEfiShtuAHhrLuY2TmJbjuy5uBkowlcGQfN5U61PggPSUzv1_Rb9g148efheVJ872oEfGmHwI12ecoMuGe36EY3mVjdFqKtE95zA9TIvTJUgTXGZq7IBVaQp/s1600/Cad%25C3%25A1ver+4.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo2dypPz74i0cHcpnLFCJMKo4OegDF41ypRLwalY9RTBqM2_eeeqO2i_FO4P-S1tZSvn6T2x1CFOza_g4PFqO1Qq89Q3P80k1c-2HG7dxUDhK_RUF0PIEx_TqeDDhg-PWmVp-9RxyrAS5W/s1600/Cad%25C3%25A1ver+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="145" data-original-width="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo2dypPz74i0cHcpnLFCJMKo4OegDF41ypRLwalY9RTBqM2_eeeqO2i_FO4P-S1tZSvn6T2x1CFOza_g4PFqO1Qq89Q3P80k1c-2HG7dxUDhK_RUF0PIEx_TqeDDhg-PWmVp-9RxyrAS5W/s1600/Cad%25C3%25A1ver+5.jpg" /></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/u/3/blogger.g?blogID=7558317113882720704" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a>Desde el punto de vista cinematográfico, La novia cadáver es una película
de animación, realizada con la técnica de animación stop motion o animación
fotograma por fotograma. Fue el primer largometraje de animación rodado
íntegramente con una cámara de fotos réflex digital. La duración normal en
un rodaje de superproducción como por ejemplo, Harry Potter, es de unas 14
semanas. El rodaje de La novia cadáver tuvo una duración de 52 semanas y la
realización de algunas tomas duraron hasta tres semanas. Las marionetas, de
tonos grisáceos para el mundo de los vivos y de vivos colores para el mundo
de los muertos, fueron realizadas con un mecanismo bajo una piel de
silicona que permitía modificar las expresiones faciales de cada personaje.
Se crearon 80 personajes para la película y se necesitaron 25 animadores
para marcar el movimiento de las figuras delante de la cámara. Los
decorados realizados han sido mucho más grandes que los normalmente
fabricados para películas de animación.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioT6sUdk-_lZYd_LJ60mJ6-EZVFONa6lAwh_OMG-34opKdw0ZbByUh7fPjl2n82moAm3JEsS_6ikVoDRgOpXKrB7T8Ky-Sk-b6vF_BETgc-NO5eCZQYtBztCf51oBeVbPF4-RKGVyBnY0o/s1600/Cad%25C3%25A1ver+6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="145" data-original-width="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioT6sUdk-_lZYd_LJ60mJ6-EZVFONa6lAwh_OMG-34opKdw0ZbByUh7fPjl2n82moAm3JEsS_6ikVoDRgOpXKrB7T8Ky-Sk-b6vF_BETgc-NO5eCZQYtBztCf51oBeVbPF4-RKGVyBnY0o/s1600/Cad%25C3%25A1ver+6.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhRaRqBgJwiM-gj7HiF4ORWai7wWEL8A2iCgyXA9ml2w3DLg7eKb9wr-5VtKhtrdcJsA5zApg01Y7PeRnFN7i_h5zn9aCN7G4ExRZb86Krhi6iaGaNyV96XF26KVDMfr7XprVYEkBEfc1b/s1600/Cad%25C3%25A1ver+7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="147" data-original-width="279" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhRaRqBgJwiM-gj7HiF4ORWai7wWEL8A2iCgyXA9ml2w3DLg7eKb9wr-5VtKhtrdcJsA5zApg01Y7PeRnFN7i_h5zn9aCN7G4ExRZb86Krhi6iaGaNyV96XF26KVDMfr7XprVYEkBEfc1b/s1600/Cad%25C3%25A1ver+7.jpg" /></a></div>
<br />
En La novia cadáver hay decorados
que alcanzan cinco metros de altura y hasta ocho metros de profundidad.
<br />
En definitiva, una obra de arte, tanto desde el punto de vista
cinematográfico como artístico, que llenó de hermosura la alicaída tarde
que la meteorología nos tenía preparada.Menos mal que luchamos contra la
adversidad. Como Emily.<br />
<br />Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-90954077373025556532020-01-11T09:01:00.000-08:002020-01-12T07:00:21.146-08:00Cine-club del Rodrigo Caro: Los pájaros (1963), de Alfred Hitchcock<div align="center" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmKrviBKrwqcuEy6R0aTNXzVU_5jUuqtfhv-XhyphenhypheneVfj56bIuYf7h0e_Ny11Ud91yobTC1IP8j7ruP3RvavwotgYl21xO8sNxEqzMW1OQ_uF3gmmxVNmDmPCMCHcPcNfc2ECaPVsIpe41Sw/s1600/290px-The_Birds_original_poster.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="290" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmKrviBKrwqcuEy6R0aTNXzVU_5jUuqtfhv-XhyphenhypheneVfj56bIuYf7h0e_Ny11Ud91yobTC1IP8j7ruP3RvavwotgYl21xO8sNxEqzMW1OQ_uF3gmmxVNmDmPCMCHcPcNfc2ECaPVsIpe41Sw/s320/290px-The_Birds_original_poster.jpg" width="206" /></a></div>
<div style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-align: center; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-align: right; text-indent: 1.25cm;">
por Juan Gabriel Martínez</div>
<div style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-align: right; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
Como si se tratase ya de una tradición, a nuestro cine-club llega de
nuevo una película del gran maestro del cine de suspense; en esta
ocasión se trata de <i>Los pájaros.</i> Y es que en la programación que
habíamos previsto para este primer trimestre, de cine fantástico y
de terror, no podía faltar “Don Alfredo”, que con esta
producción de 1963 volvió a ofrecer al público una experiencia
aterradora sobre cómo la plácida vida de los habitantes de un
pueblo costero se ve alterada por la presencia y el comportamiento
anómalo de sus vecinos voladores.</div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
Coincidiendo con la llegada a un pueblo de una chica que va buscando
a un apuesto abogado, se empiezan a producir unos ataques extraños
por parte de un número cada vez mayor de pájaros, que se empiezan a
concentrar amenazadoramente en esta tranquila localidad. Mientras que
la relación entre la pareja protagonista evoluciona, yendo desde una
inicial hostilidad hasta una poderosa atracción (el pasado de la
chica era algo turbio para la mentalidad de una localidad tradicional
y conservadora), los hechos relacionados con el agresivo
comportamiento de las aves van creciendo en virulencia, pasando de
ocasionales y anecdóticos incidentes a casi ataques organizados con
la intención de agredir a los humanos y causar víctimas, todo ello
acompañado de algunas reflexiones y alusiones casi cómicas sobre
las prácticas con que los humanos tratan a estos inocentes animales,
que desde una perspectiva ecologista/animalista serían condenables
en la actualidad, y a la que el excepcional director parecía estar
adelantándose. Particularmente, me da la impresión de que Hitchcock
quiere transmitir un mensaje un tanto puritano, “castigando”
comportamientos poco morales por parte de los humanos, tanto
individual como colectivamente, y para ejecutar ese castigo, utiliza
a la naturaleza y a una de las especies que comparten planeta con
nosotros, para llevarlo a cabo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimgzUh29XMEHQdJt4brIJsP7FBRxES65Gzrv0UGTyuA8WcMJoF_iueC7eSQJJ-mVI39Y8gU2uL3sk_t6jdo-RQoTroxK7wuLW2HzKHXJ2IMGSkIDooP6GhAqnOfWNDeiWe5tAo-Rf5ZXAl/s1600/Alfred_Hitchcock%2527s_The_Birds_trailer_01.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="416" data-original-width="762" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimgzUh29XMEHQdJt4brIJsP7FBRxES65Gzrv0UGTyuA8WcMJoF_iueC7eSQJJ-mVI39Y8gU2uL3sk_t6jdo-RQoTroxK7wuLW2HzKHXJ2IMGSkIDooP6GhAqnOfWNDeiWe5tAo-Rf5ZXAl/s320/Alfred_Hitchcock%2527s_The_Birds_trailer_01.png" width="320" /></a></div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
Paralelamente, para seguir con la intrahistoria del film, en 2018 la
protagonista, Tippi Hedren, publicó sus memorias con el título
“Tippi”, en las que narró cómo vivió el rodaje y sufrió a las
órdenes del excepcional director. Fue uno más de los
testimonios que salieron a la luz en esos momentos iniciales del
movimiento #metoo. En esas memorias, además de afirmar que Hitchcock
fue cruel con ella hasta el extremo de que el rodaje del ataque de
las aves en la escena final fue brutal, la actriz asegura que
Hitchcock arruinó su carrera cinematográfica (un año más tarde
aún contaría con ella para “Marnie, la ladrona”), pero no su
vida. Eran otros tiempos en Hollywood (como en todas partes), y
ciertos comportamientos inmorales eran habituales entre los miembros
de ese mundo donde, por detrás del <i>glamour</i><span style="font-variant: normal;">
</span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">del
celuloide, había todo un sistema de abuso de poder y de acoso sexual
del que se aprovecharon productores, directores y actores, y que se
ha prolongado casi hasta la actualidad. Pero ése es otro tema
delicado que debería ser abordado en otro momento y lugar.
Señalemos, no obstante que la interpretación de Tippi al menos fue
recompensada con un Globo de Oro.</span></span></div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">Para
nosotros, los espectadores que amamos el cine, esta obra de arte, que
está entre las seleccionadas por la Biblioteca del Congreso de los
Estados Unidos para su preservación en la National Film Registry
desde 2016, es un clásico inolvidable, todo un ejemplo del cine de
terror que sigue desasosegándonos y haciéndonos sentir indefensos e
impotentes ante unos hechos que escapan a nuestra lógica y a los que
no sabemos cómo hacer frente. Hitchcock se basó en un relato corto
de la escritora británica Daphne du Maurier, que se desarrollaba en
la campiña de Cornualles, en el Sur de Inglaterra, pero mientras
preparaba</span></span><span style="font-variant: normal;"> </span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">el
guión con Evan Hunter leyó una noticia de un ataque sufrido por la
población de una localidad de la Bahía de Monterrey (California).
Años más tarde, en 2011, unos biólogos marinos de la Universidad
de Louisiana demostraron que ese comportamiento de los pájaros
podría deberse a una intoxicación alimentaria al ingerir un alga
que contiene veneno; se trata del ácido domoico, que daña el
sistema nervioso. Pero Hitchcock eludió cualquier explicación
racional de los acontecimientos, de modo que la historia resultara
aún más inquietante, ¡y vaya si lo consiguió!</span></span></div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">Por
todo lo anterior, la película merece una lectura en profundidad de
la que extraer los </span></span><i>leitmotivs </i><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">habituales
en el cine del genio anglo-americano: las mujeres rubias, la</span></span><span style="font-variant: normal;">
</span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">sexualidad,
el inconsciente, el engaño. Tippi Hedren fue una más de las
“rubias” que Hitchcock buscó para protagonizar sus películas,
como Doris Day, Eva Marie Saint, Ingrid Bergman, Grace Kelly, Janet
Leigh, Kim Novac (¡menudo repertorio!), seguras, ambiciosas,
decididas, siempre dotadas de un halo de esplendor y un alto poder de
seducción para los hombres. Ellos resultan siempre un tanto
patéticos, y en algunos casos acomplejados, cohibidos ante la
exultante belleza e incapaces de tomar decisiones inteligentes. Es la
atracción sexual lo que les hace querer tenerlas, desearlas, pero
siempre inseguros y dubitativos, víctimas de ellas o de lo que ellas
representan. En el caso de <i>Los pájaros</i>, el protagonista, Mitch
Brenner (encarnado por Rod Taylor) tiene la intención al principio
de burlarse de Melanie Daniels (Tippi Hedren) y tomarse su pequeña
revancha por un viejo pleito del que ella, hija de un poderoso
magnate de los medios de comunicación, salió victoriosa. Pero la
determinación de ella conseguirá rendirlo, seducirlo y finalmente
permitirá que él asuma el rol de auténtico hombre que toma en sus
manos la salvación de todas las mujeres a su cargo (de su madre, de</span></span><span style="font-variant: normal;">
</span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">su
hermana y obviamente de la que en un brevísimo lapso de tiempo se ha
convertido en su prometida, para lo cual ha debido ganarse la
confianza de la madre de él). Malévolamente, se me ocurre pensar que
el sufrimiento que ella sufre en el momento de ser atacada por los
pájaros (desde el primero de esos ataques hasta el último, mucho
más salvaje) define una especie de expiación por sus faltas
anteriores (mujer frívola, fumadora, mirona, descarada), lo que le</span></span><span style="font-variant: normal;">
</span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">permitirá
recibir la absolución y la aprobación de la madre tras el
sufrimiento padecido por salvarlas a ella y a su hija. Por otro lado,
que Mitch está demasiado sometido al poder de la madre resulta
evidente desde el momento en que Melanie se encuentra con Annie
Hayworth (Suzanne Pleshette), la maestra del pueblo. Casualmente,
ésta ha decidido alquilar una habitación de su casa, y eso va a
permitir que las dos jóvenes mujeres tengan un momento “de
chicas”, con confidencias sobre sus vidas, que convergen en</span></span><span style="font-variant: normal;">
</span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">un
mismo punto: Mitch. La experiencia de la maestra (una morena sensual
y bondadosa, extraña combinación, que ha mantenido una relación
con él) con la familia del abogado, y más concretamente con la
madre, no tuvo un final feliz, lo que le va a permitir poner sobre
aviso a la nueva candidata, mucho más decidida y con otras armas de
seducción que no dudará en emplear, en un sabio manejo de verdades
y mentiras. Esos momentos de intimidad entre las dos mujeres, el
contraste de la morena y la rubia, son de lo más jugoso de la
película. Pero</span></span><span style="font-variant: normal;"> </span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">el
destino de ambas será muy diferente, tal vez injusto.</span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj67ziIVhP8iMJKqGVW45wuejDIDCcmfsCKDbRRkUhwExKy_FTpuALpNnc9HLnAj2BDSyNk8cjAWXX5BDqjvGpARRBmZNV5g4eQfFTNjPXDNXBqcS3T16EmR49wn59q0IkDbI_qqmtxjCuz/s1600/Tippi_Hedren_and_Alfred_Hitchcock_in_%2527The_Birds%2527_teaser.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="723" data-original-width="1280" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj67ziIVhP8iMJKqGVW45wuejDIDCcmfsCKDbRRkUhwExKy_FTpuALpNnc9HLnAj2BDSyNk8cjAWXX5BDqjvGpARRBmZNV5g4eQfFTNjPXDNXBqcS3T16EmR49wn59q0IkDbI_qqmtxjCuz/s320/Tippi_Hedren_and_Alfred_Hitchcock_in_%2527The_Birds%2527_teaser.jpg" width="320" /></a></div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">Hitchcock
tomó algunas decisiones atrevidas para la época en cuanto a
aspectos formales. Por ejemplo, la banda sonora del film no tiene ni
un sólo momento musical durante el desarrollo de la historia; sólo
la componen los diálogos de los personajes, los ruidos de ambiente
y, especialmente, los graznidos de las aves, realmente ensordecedores
en los momentos de los ataques, así como el sonido de los aleteos
de las bandadas. También los silencios juegan un papel fundamental
en la creación del suspense. Eso hace aún más aterrodora la
impresión producida por los pájaros al abalanzarse sobre la
población. Merece ser destacado el hecho de que para crear estas
escenas sólo se recurrió a algunas aves entrenadas y a una cantidad
notable de aves mecanizadas o de juguetes. El realismo conseguido en
estas escenas hizo merecedora a la película de un Óscar a los
mejores efectos visuales. Sólo con los títulos de crédito del
principio y del final se puede escuchar la música compuesta por
Bernard Herrmann. Y es significativo el final de la película, ya que
Hitchcock</span></span><span style="font-variant: normal;"> </span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">no
quiso que apareciera el típico rótulo “The end”, lo que hace
aún más evidente la voluntad del director de que el final fuera
abierto, dejando al espectador ante la duda de qué pasará después
y la necesidad de construirse su propia solución.</span></span><span style="font-variant: normal;">
</span>
</div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="justify" style="font-weight: normal; line-height: 107%; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">No
obstante, en el breve análisis y coloquio posterior al visionado de
la película, algunas de</span></span><span style="font-variant: normal;">
</span><span style="font-variant: normal;"><span style="font-style: normal;">estas
consideraciones quedaron relegadas debido al público que asistió.
La película está considerada como apta para todos los públicos, y
entre nuestros asistentes habituales contamos últimamente con
nuevos cinéfilos, una cantera que queremos y debemos cuidar para
garantizar la continuidad de nuestro cine-club. Pero eso también
hace que cuidemos con ellos los detalles y los acerquemos al cine
para que disfruten y aprendan de él y con él. Las consideraciones
expuestas anteriormente por este humilde crítico no hacen sino
manifestar unas pulsiones psicológicas tal vez tan enfermizas como
las del propio director, y sacar del inconsciente masculino fantasmas
y deseos que los jóvenes cinéfilos aún desconocen. También esto
es bueno, que el cine nos ofrezca esa doble, triple o cuádruple
lectura, esa profundidad de la que carecen tantas de las últimas
producciones comerciales que saturan las pantallas de las salas de cine; que los espectadores, cualquiera que sea nuestra edad,
condición sexual o género, hagamos nuestra interpretación de esas
historias que ya forman parte de nuestra vida y que han contribuiddo
a formar nuestra personalidad además de enriquecer nuestra cultura.
Y eso sólo lo consiguen los clásicos. Como rezaba el título de
aquel mítico programa de José Luis Garci, “¡Qué grande es el
cine!” y de la misma forma que la teoría de la relatividad
expuesta por Einstein no deja de ser cierta porque éste fuera un
misógino, y por ello merece un puesto de honor en el campo de la
ciencia, el hecho de que Bertolucci, Woody Allen o Hitchcock hayan
sido objeto de denuncias por parte de algunas de las actrices o
mujeres que los trataron no debe quitar un ápice al reconocimiento
que como grandes artistas se merecen en la historia del cine. </span></span>
</div>
<div align="justify" style="line-height: 107%; margin-bottom: 0cm; text-indent: 1.25cm;">
<br /></div>
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-91175505839673733682019-11-30T09:55:00.002-08:002019-11-30T10:24:53.519-08:00Cine-club del Rodrigo Caro: El viaje de Chihiro (2002), de Hayao Miyazaki<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
Autor: Jaime Sanchiz, alumno del IES Rodrigo Caro entre 2012 y 2018</div>
<br />
<br />
<span style="font-size: large;">“Nada de lo que ya pasó es olvidado. Incluso si ya no lo recuerdas…”</span><br />
<br />
<img border="0" src="" /><br />
Ciertamente esta frase tiene un valor muy especial para algunos, especialmente hablando de mi generación pues, esta película, resume perfectamente ese sentimiento nostálgico que puede vivir una persona en momentos determinados de la vida.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDkz6w84F04Du0P_XzyHmNbEoJCC_T7dmD0RmAw-hIfaVLOmnMwWbgYHpWoFDagtrrBYK4yWXcUXGSqqVTweHp9GketYVRrt0_6d3hld2wkJaCaBGM_im-SLRmUp8eMWmOfEcK4D5o_C2I/s1600/chihiro1.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="198" data-original-width="272" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDkz6w84F04Du0P_XzyHmNbEoJCC_T7dmD0RmAw-hIfaVLOmnMwWbgYHpWoFDagtrrBYK4yWXcUXGSqqVTweHp9GketYVRrt0_6d3hld2wkJaCaBGM_im-SLRmUp8eMWmOfEcK4D5o_C2I/s320/chihiro1.png" width="320" /></a></div>
<br />
El viaje de Chihiro fue, aparte de la segunda película proyectada en nuestro cine-club del IES Rodrigo Caro, una experiencia para algunos entretenida y para otros, en los que me incluyo junto a mi compañero universitario Juanma que disfrutó de la película junto a mí, un “viaje” a un recuerdo. Un tributo a la infancia en sí misma, más aún recordando el juvenil público que nos acompañó en aquella sesión y que gozó de tal joya audiovisual del Estudio Ghibli.<br />
<br />
<br />
Resumiendo la trama, podemos decir que esta nos cuenta la aventura de la pequeña Chihiro, una niña de apenas doce años que, por motivos mágicos e inexplicables, se ve envuelta en un mundo fantástico del que escapará junto a la ayuda del misterioso Haku. El entorno en el que se desarrolla la aventura de esta chica está lleno de referencias a la cultura y mitología japonesa, especialmente a esto último pues, los seres que habitan esta realidad en la que queda atrapada nuestra protagonista, son Yōkai (妖怪). <br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgR37kknuXk3M7CLfzrBD5MKOyEjjXWPVOMNZk339mBafcmChnVH4Q10vSiB-VMc5a013qTeOwm-lmGKVGkRLM56UnwoelEJ0pnwazKUK4Yp7WFneZQUpDtWkAmmUG2r3Q5vjaBJkDox_i1/s1600/chihiro2.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="339" data-original-width="617" height="175" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgR37kknuXk3M7CLfzrBD5MKOyEjjXWPVOMNZk339mBafcmChnVH4Q10vSiB-VMc5a013qTeOwm-lmGKVGkRLM56UnwoelEJ0pnwazKUK4Yp7WFneZQUpDtWkAmmUG2r3Q5vjaBJkDox_i1/s320/chihiro2.png" width="320" /></a></div>
Los Yōkai vendrían a ser el equivalente a fantasmas o espectros de nuestra sociedad occidental, pero con la característica de que estos, más que representar almas en pena o espíritus de fallecidos, que también, suelen ser espíritus provenientes de animales, seres monstruosos, demonios o, incluso, objetos inanimados. Los yōkai, aunque de naturaleza agresiva, suelen evitar a los humanos, véase ahí el motivo por el cual Chihiro es repudiada en el hotel de yōkai dónde ha de trabajar para sobrevivir, además de que nos hace entender por qué este hotel de seres fantasmagóricos se encuentra situado en las ruinas de un parque de atracciones real. Además, también posee otras referencias culturales incluso a la mitología griega, véase, al final de la película, la similitud en la despedida de Haku y Chihiro con el mito de Eurídice y Orfeo.<br />
<br />
Esta película ha tenido bastantes interpretaciones, una de las más conocidas y presumiblemente la más oscura, además de ser una de las interpretaciones que ni el propio Miyazaki, director de la película y fundador del estudio Ghibli, ha llegado a negar nunca, trata de ver la película como una crítica a la prostitución infantil, tema que aunque interesante, no me atreví a comentar en el típico coloquio posterior a la proyección que solemos hacer por el pueril público que nos acompañaba. Esta teoría se sostiene por algunos argumentos relativamente sólidos que, al no tener negación explícita de su director, se han ido consolidando en el público crítico del cine de animación. Tras la fachada infantil de la película, hay detalles que hacen creer a muchos espectadores que la casa de baños, es en realidad, un prostíbulo. Algunos de estos detalles son el nombre de la “villana” de la historia, “Yubaba” el cual, traducido al español, vendría a traducirse como señora mayor o “vieja” pero que en japonés, también se utiliza para designar a las “madame” de los prostíbulos o por ejemplo el motivo por el cual los padres “abandonan” a Chihiro a su suerte o, según esta teoría, venden a Chihiro, con tal de simplemente comer, motivo por el cual la pequeña Chihiro los percibe, en vez de cómo sus padres, como unos cerdos; o, y termino ya pues esta teoría no es especialmente de mi agrado, la razón por la cual el “sin cara” se obsesiona con Chihiro, pues es la chica nueva del local y pretende comprar con oro lo que metafóricamente sería su “virginidad”.<br />
<br />
Sin embargo como digo, desde un punto más obvio, la película siempre ha sido considerada como una reflexión sobre el choque de dos Japón, un japón antiguo y conservador reacio a todo lo nuevo y, otro, mucho más actual y avanzado, representado por la pequeña Chihiro. Entrando ya más en mi opinión personal, que me tomo la libertad de expresar aquí, esta película representa más bien ese sentimiento de pérdida que he ido presentando desde el inicio de esta reseña. La película representa, valga la redundancia, un viaje. Un viaje que tiene, como origen, la juventud de una niña que no es capaz de asumir la realidad de tener que mudarse y cambiar de vida a un destino, la madurez. La película, aunque con un obvio enfoque infantil, realmente tiene un trasfondo no triste, sino más bien melancólico y sobre todo, una oda a la nostalgia adulta. La película a pesar de ser una “película para niños”, está llena de impotencia por parte del protagonista y resentimiento, y el que recuerde a Haku al final de su viaje, sinceramente me hace pensar que es el pensamiento intrusivo típico del adolescente promedio que recuerda su infancia en un momento determinado de su vida, aunque sinceramente, dejemosnos de sensiblería subjetiva.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjv2vNGDb7t1zXnfz1iijFCA3n0wyX0Brb3BpTPz5XUysrenpNc7CPe9rURLQKRcwSbOjbmLBMNCMsk1ra6Wh4EeVzms7Zp6yoENsLKsQxUQK8x_d3qeHiojdU_s_z31YxZsW6fWSCVnYnh/s1600/chihiro3.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="401" data-original-width="594" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjv2vNGDb7t1zXnfz1iijFCA3n0wyX0Brb3BpTPz5XUysrenpNc7CPe9rURLQKRcwSbOjbmLBMNCMsk1ra6Wh4EeVzms7Zp6yoENsLKsQxUQK8x_d3qeHiojdU_s_z31YxZsW6fWSCVnYnh/s320/chihiro3.png" width="320" /></a></div>
<br />
Un punto muy importante de esta película es, además de la trama, su fotografía y la música, la cual, y empezando por esta última, absorbe al espectador completamente y le hace partícipe de la historia. Es una banda sonora gratamente sensible y delicada, la cual es suave en algunos momentos y, en otros, enfatiza el drama inherente de la trama. Por otra parte está la fotografía de la película y es que, tal y como comenté en el cinefórum, parece que Miyazaki pretendió que todo fotograma de este filme fuera una fotografía, pues cada escenario de la película es cuidado y llamativo a la vista, haciendo bella desde la escena del recuerdo de Chihiro en el río como espantosa la persecución del “sin cara”.<br />
<br />
El viaje de Chihiro siempre ha sido tratada como un hito del cine de animación, pues además de haber sido galardonada con un Óscar a la mejor película de animación en 2002, ha pertenecido, como decía al principio de esta reseña, a toda una generación, además de ser un referente de la cultura actual y ser desde su primera proyección un modelo a seguir en el cine de animación. El estudio Ghibli siempre ha sido capaz de sorprendernos con todas sus películas como “El castillo ambulante” o “Mi vecino Totoro”, y sencillamente con solo ver una de estas películas, puede hacer que cualquier reluctante del cine de animación, cambie de opinión completamente.Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-85559703871996176402019-10-18T10:59:00.002-07:002019-10-18T11:01:19.547-07:00Píldoras para leer: "El miedo"<div style="text-align: center;">
<b>El Miedo</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div style="text-align: right;">
<br />
por Ana Lama </div>
<br />
Unos pasos en la escalera. Un escalofrío. El bosque. La noche sin estrellas. Las ruinas. Una cueva. Estar perdido. Lo desconocido. La soledad. La ruptura. Un gato negro. Estar enfermo. Un cementerio. Las pesadillas. Un temblor. Gritos. <br />
<br />
El miedo forma parte de nuestras vidas, nos pone en alerta. El miedo es imprevisible, inesperado. Surge, a veces, ante un hecho concreto que nos sobrepasa; otras, lo provocamos nosotros en los otros o simplemente aparece de la nada y nosotros mismos lo hacemos más y más grande. Palidecemos, temblamos, lloramos. Es una forma de ir entrando en la muerte, fugazmente y escapamos. Cuando regresamos del miedo, estamos agotados pero sentimos una extraña fuerza interior, que nos da confianza en nosotros mismos. Continuamos en la vida, soñamos, atravesamos, sonreímos. Y un día, de pronto...<br />
<br />
...unos pasos en la escalera. Un escalofrío. El bosque. La noche sin estrellas. Las ruinas. Una cueva. Estar perdido. Lo desconocido. La soledad. La ruptura. Un gato negro. Estar enfermo. Un cementerio. Las pesadillas. Un temblor. Gritos. <br />
<br />
<br />
En los próximos días, se nos llenará el instituto de naranja, morado y negro, de calabazas y sobre todo, de espíritus de difuntos que vagan libremente entre nosotros. Uf, qué miedo. Para combatirlo, hacemos una fiesta de ello. Pero hay otro miedo, el de todos los días, los pequeños miedos que nos asaltan y nos transforman. De esos queremos hablar aquí en esta sección. Así que ahí va el reto:<br />
<br />
Y para ti, ¿qué es el miedo? Cuéntanos cuándo, cómo, dónde, por qué, para qué... lo has sentido alguna vez.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7x2O4U-YfjhmWD1IGi7gh6T0WNu_CXzN_sOn2Z1IK1PQQkAsfWI22Q6V-rujw7BA4HdtelsG3yS53vPBoabbkbR0FoNAfPCs87iKOC9OrPE1h3UINAX6pRT2QPMQATxX2wpc3yjV5JV5r/s1600/The_Headless_Horseman_Pursuing_Ichabod_Crane_%2528detail%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="742" data-original-width="995" height="148" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7x2O4U-YfjhmWD1IGi7gh6T0WNu_CXzN_sOn2Z1IK1PQQkAsfWI22Q6V-rujw7BA4HdtelsG3yS53vPBoabbkbR0FoNAfPCs87iKOC9OrPE1h3UINAX6pRT2QPMQATxX2wpc3yjV5JV5r/s200/The_Headless_Horseman_Pursuing_Ichabod_Crane_%2528detail%2529.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">The Headless Horseman Pursuing Ichabod Crane ©Dominio Público</td></tr>
</tbody></table>
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-70786159906827106062019-10-16T14:48:00.000-07:002020-06-10T05:21:54.272-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: El resplandor (1980), de Stanley Kubrick<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMSA0wSJswGSlzNmsDxsujA8dubS__z83JtHVX7n_WZa4ru5OIawgBzzTHtmYWeh6N4wQWS10ixnOwzB_XiEWubX3HynKFsNQOui6VILEX2T8oRDBaNRizkGQTczTPMLDhpGXeLysTQ0Eh/s1600/e2ec5015132913.562a932f35cc7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="891" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMSA0wSJswGSlzNmsDxsujA8dubS__z83JtHVX7n_WZa4ru5OIawgBzzTHtmYWeh6N4wQWS10ixnOwzB_XiEWubX3HynKFsNQOui6VILEX2T8oRDBaNRizkGQTczTPMLDhpGXeLysTQ0Eh/s320/e2ec5015132913.562a932f35cc7.jpg" width="215" /></a></div>
<div style="font-style: italic;">
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: xx-small;"><a href="https://www.behance.net/gallery/15132913/THE-SHINING-Movie-Poster">"THE SHINING Movie Poster"</a> by TommyPocket Design is licensed under <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nd/4.0/?ref=ccsearch&atype=html" style="margin-right: 5px;">CC BY-ND 4.0</a></span></div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center; text-indent: 47.2441px;">
<br /></div>
<div>
<span style="text-align: right; text-indent: 47.2667px;">por Juan Gabriel Martínez</span></div>
El cine-club del Rodrigo Caro ha iniciado una nueva edición con el visionado de todo un clásico del cine de terror: <i>El resplandor</i>. Pese a los 39 años transcurridos desde su estreno, que tuvo una fría acogida entre el público y fue despreciada y rechazada por la crítica, esta película no deja de causar espanto y provocar un escalofrío entre los espectadores, ya sea la primera o la enésima vez que la ven, fenómeno que pudimos experimentar cuantos nos dimos cita el pasado 30 de septiembre para verla. Sus imágenes han quedado como referentes para públicos de todas las edades, incluso aunque algunos no hayan visto el film, pero que identifican perfectamente a un niño pedaleando a lo largo de pasillos enmoquetados, a unas gemelas vestidas exactamente igual, o un rostro congestionado asomando por una puerta rota con un hacha. Los logros visuales de Kubrick, su exploración técnica en el uso de la cámara (la <i>Steadycam</i>, novedoso sistema de filmación para sustituir a los costosos <i>travellings</i>, sólo usado en tres películas anteriores), la narrativa y el lenguaje cinematográficos puestos al servicio de una historia excelente del excéntrico Stephen King… todo ello dio como resultado una película que nos sigue impresionando y que siguesiendo un ejemplo de cómo se hace terror actualmente. Está claro que se trata de un género con muchos seguidores en nuestros días, y para confirmarlo basta echar un ojo a la cartelera y observar cómo casi la mitad de los estrenos en las salas más comerciales pertenecen a este género, confirmado por su presencia en las listas de las películas de mayor recaudación, pero lamentablemente muy pocos de esos títulos tienen la calidad de esta cinta, y con toda seguridad “nadie hablará de ellas cuando hayan muerto”, parafraseando el título de la película de Agustín Díaz Yanes.<br />
En esta película, con su particular sentido del cine, donde abordó casi todos los géneros, desde el histórico (<i>Espartaco</i>, 1960) hasta la ciencia ficción (<i>2001, una odisea del espacio</i>), pasando por la comedia (<i>¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú</i>, 1963) o el erótico (<i>Eyes Wide Shut</i>, 1999), Kubrick decidió ofrecer una lectura personal de la novela homónima de Stephen King, con la que éste no quedó muy convencido. Para Kubrick los contenidos subliminales, las alusiones psicológicas, sociales e históricas son fundamentales para transmitirnos su visión del mal latente en nuestra sociedad. Lo paranormal va de la mano con lo cotidiano, y el mal puede encontrarse en cualquiera de nosotros pese a los intentos que hagamos por resistirnos a él. Los “pecados” de los seres humanos, las malas acciones cometidas a lo largo de la historia, encuentran una fisura para colarse en nuestro día a día, en las vidas más normales, de modo que el mal que se desplaza en el tiempo hace mella en los individuos más débiles.<br />
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<span style="font-size: xx-small;"><a href="https://www.behance.net/gallery/77847513/The-Shining">"The Shining"</a> by Bartosz Kosowski is licensed under <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/?ref=ccsearch&atype=html" style="margin-right: 5px;">CC BY-NC-ND 4.0</a><a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/?ref=ccsearch&atype=html" rel="noopener noreferrer" style="display: inline-block; height: 22px; margin-left: 3px; margin-top: 2px; opacity: 0.7;" target="_blank"><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc-by_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc-nc_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc-nd_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /></a></span></div>
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La normalidad aparente de los tres protagonistas va de la mano con la capacidad extrasensorial del niño, un pequeño desconocido hasta entonces que Kubrick eligió por la “capacidad de concentración que vio en él”. Danny Lloyd no tuvo posteriormente una carrera cinematográfica exitosa, lo que lo llevó a abandonar el cine y proseguir una vida corriente. ¡Ah, los niños! ¡Esos seres tan inocentes y dulces, pero con una vida interior que los adultos no entendemos y ante la que experimentamos desazón a la más mínima señal anómala! ¡Cuántos protagonistas infantiles han protagonizado películas de terror! Danny tiene un amigo imaginario con el que se comunica y que Kubrick materializa en el dedo índice con el que habla. Pero algo tan normal va acompañado de la telepatía, esa actividad parapsicológica que brinda a Stephen King uno de los aspectos paranormales con los que tejer su historia. Ése es “el resplandor” al que alude el título, según la explicación que le da el cocinero del hotel, Dick Halloran, protagonizado por Scatman Crothers, un habitual en papeles secundarios, siempre eficaz y en esta interpretación altamente convincente.<br />
Otro aspecto paranormal será la posesión mental que sufre Jack, el padre de Danny, del que los fantasmas del pasado que habitan el hotel se servirán para seguir cometiendo atrocidades. Hasta Wendy, la inocente e insustancial madre (siendo malvados, hay quien llegó a decir que Shelley Duvall fue elegida para este papel por su poca relevancia y casi nulo carácter) llega a ver algunos de esos seres malvados del pasado en la orgía de horror que se desata al final. ¿Ocurre todo eso en realidad? ¿Puede haber una explicación real y racional de cuanto ocurre?<br />
La tendencia al exceso de Jack Nicholson encontró en la figura del padre un medio eficaz para mostrar la alienación que sufre Jack, esa dualidad del padre que no quiere ningún mal para su familia, aunque se muestra débil para hacer frente a la llamada del mal, incapaz de resistirse a su seducción.<br />
Con esos cuatro personajes y un entorno extraordinario, el de un hotel de lujo aislado en medio de las Montañas Rocosas, construye Kubrick una historia de terror y trágica, en la que el director quería incluir alusiones a páginas oscuras de nuestro pasado, como por ejemplo el Holocausto.<br />
El ritmo lento de la película, cuya trama se desarrolla básicamente en una semana (cuando la nieve deja aislado al hotel y las comunicaciones se ven dificultadas por la tormenta), los diálogos lentos y los largos planos-secuencia llenos de silencios, pero acompañados por la banda sonora, nos hacen sentir incómodos, haciéndonos experimentar las angustias de los protagonistas, temiéndonos que ocurra lo peor porque sabemos que lo puede y va a ocurrir. Y lo más terrible es que resulta creíble, porque así han ocurrido grandes tragedias individuales y colectivas en la historia de la humanidad. Es esa banalidad del mal de la que nos habla Hanna Arendt: cualquiera de nosotros podemos llevar dentro el germen (de frustración, de violencia, de envidia, de necesidad de reconocimiento) que sólo aguarda a que se presente una ocasión para dejarnos seducir, a recibir una llamada (¿del presente, del pasado?) que nos lleve a vivir o protagonizar la peor de las pesadillas.<br />
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<span style="font-size: xx-small;"><a href="https://www.behance.net/gallery/60785925/The-Films-of-Stanley-Kubrick">"The Films of Stanley Kubrick"</a> by Graham Corcoran is licensed under <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/?ref=ccsearch&atype=html" style="margin-right: 5px;">CC BY-NC-ND 4.0</a><a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/?ref=ccsearch&atype=html" rel="noopener noreferrer" style="display: inline-block; height: 22px; margin-left: 3px; margin-top: 2px; opacity: 0.7;" target="_blank"><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc-by_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc-nc_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /><img src="https://search.creativecommons.org/static/img/cc-nd_icon.svg" style="display: inline-block; height: inherit; margin-right: 3px;" /></a></span></div>
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La atmósfera opresiva de la película, con los tres personajes principales aislados en medio de las Montañas Rocosas de Colorado, se ve reforzada con su banda sonora. El propio Kubrick se encargó de la elección de las obras para acompañar las secuencias más significativas, algo habitual de este realizador, y encargó a Gordon Stainforth, su asistente de dirección, la sincronización de los pasajes musicales con las secuencias de la película. El resultado es notable, con momentos inolvidables perfectamente subrayados por los elementos sonoros. En este sentido, es citada como ejemplo la escena de Danny en los brazos de su padre cuando éste ya he empezado a sufrir los efectos de los fantasmas del hotel. Para ella, Stainforth ajustó al desarrollo de ésta una tercera parte del tercer movimiento de la Música para cuerda, percusión y celesta, de Béla Bartók, según la evolución del diálogo entre ellos. También es notable el trabajo de Wendy Carlos y Rachel Elkind, que a partir de un himno fúnebre de la Edad Media (Dies Irae), mezclado con voces y sintetizadores, compusieron el tema principal con el que se abre la película. Pero la mayor parte de las piezas musicales se deben al compositor polaco Krzysztof Penderecki. Las escenas que corresponden a piezas de este clásico del siglo XX son numerosas: el despertar de Jack bajo su escritorio aterrorizado por una pesadilla, el sueño de Danny mientras su padre entra en la habitación 237, Wendy golpeando a Jack con el bate de béisbol, o descubriendo lo que Jack escribe en la máquina de forma repetitiva, Danny escribiendo REDRUM en la puerta de la habitación, o recorriendo los pasillos con el triciclo… La fuerza de su música atonal y experimental es fundamental para crear esa atmósfera onírica y paranormal en la que evolucionan los personajes hasta el dramático final.<br />
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No podemos dejar de hacer una breve referencia al polémico doblaje en español, dirigido por Carlos Saura por expreso deseo de Kubrick. Y en particular al criticado trabajo desempeñado por Verónica Forqué como Wendy. Tampoco se escapó Joaquín Hinojosa de las críticas recibidas por su trabajo poniendo voz a Nicholson. Todo el mundo coincidió en lo poco adecuado de las interpretaciones vocales, pero incluso esto, que muchos creyeron que “rompía el tono, la tensión y la atmósfera del original”, ha quedado como una marca más de la película.<br />
Se trata de la única película de Kubrick que no recibió ninguna nominación a los Óscar. Por el contrario, sí que fue candidata a los Premios Razzie (los anti-Óscar), lo cual da muestra, como decíamos al principio, de la mala opinión que los críticos tenían de ella. Fue considerada experimental y underground. Incluso fue cuestionada como película de terror por ser lenta y complicada, cuando no directamente ignorada precisamente por pertenecer a ese género considerado como menor. El tiempo ha demostrado que El resplandor es todo eso y más, y que había que dejarlo pasar para entender a Kubrick y lo que esta película iba a significar en la historia del cine. Martin Scorsese ha llegado a clasificarla entre las siete mejores películas de terror de la historia. Respecto a si nos aterra, sólo tendríamos que preguntar a los que nos juntamos el último lunes de septiembre para verla. Yo no recuerdo otra sesión donde se escucharan más sonidos y exclamaciones. Ahí lo dejo.
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-84347869331779418892019-08-29T16:01:00.001-07:002019-08-30T03:44:43.172-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: 3 razones para cerrar el curso con Manhattan de Woody Allen (1979)<br />
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Autor: Eduardo González</div>
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El martes 25 de junio programamos la última sesión de nuestro Cineclub de este curso 2018/2019. Fue una magnífica idea cerrar el curso con <i>Manhattan</i>, el clásico de Woody Allen estrenado en 1979. Esta película, junto con <i>Annie Hall</i>, significó un alejamiento del director con respecto a sus anteriores comedias e inició una forma característica de hacer cine que lo ha convertido ya en un icono de la cultura popular. Pero no es por el éxito del personaje balbuceante que toca el clarinete para eludir la entrega de un Oscar por lo que <i>Manhattan </i>resultó ser una elección magnífica. La película representa un ejemplo perfecto de cómo el cine se hace amar por sí solo, sin que nadie lo explique. Todos habremos experimentado ese momento de silencio que se produce en ocasiones en una sala de cine a oscuras –en este caso el salón de usos múltiples del centro- (y sólo en ella). Ocurre cuando comienzan los créditos en la gran pantalla (qué placer mirar hacia arriba ese formato grande) y todo termina. Los que ya la habían visto y los que la veían por primera vez, todos, guardaron esos segundos de silencio en los que se percibe que algo ha pasado allí durante 96 minutos. Me preguntaba por qué guardaron silencio los jóvenes alumnos y exalumnos presentes y se me ocurren algunas razones, nada exhaustivas (seguro que pasaron muchas más cosas). Ahí van tres.<br />
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1. Por el comienzo: imagen y música.<br />
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Voz en <i>off</i>. El personaje de Allen (protagonista, director y guionista junto con Marshall Brickman) ensaya diferentes principios para una novela que pretende publicar en su patético afán por hacerse un hueco en la escena intelectual neoyorkina. Sin embargo, a ninguno de los espectadores le terminan interesando los torpes intentos del guionista de televisión: nos hemos quedado atrapados en la música de George Gershwin y en las escenas cotidianas de la Gran Ciudad.<br />
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El cine es imagen más música. Recuerdo una discusión con un amigo que se quejaba de que determinada película cultureta con bonita BSO de éxito no era auténtico cine porque la música tenía demasiado peso, en todo caso por encima del de la imagen. Yo era muy joven y militaba en el bando de los “musiquistas”. Con los años le he dado la razón. Pero con <i>Manhattan </i>no hay tal cuestión. Es música más imágenes, y la una sin las otras no significan lo mismo que por separado porque se mantienen en un equilibrio perfecto. En esta síntesis de música negra y tradición occidental que es en sí misma la obra de Gershwin los jóvenes espectadores reconocen, aun sin saberlo, la banda sonora de una identidad formada, entre otras cosas, por la imagen de un espacio que quizá nunca visiten físicamente pero en el que se han formado cinematográficamente (la gran manzana, lo urbano, lo moderno).<br />
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2. Por el blanco y negro.<br />
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El cine en blanco y negro le es bastante ajeno a los espectadores jóvenes. En <i>Manhattan</i>, sin embargo, el blanco y negro es el color del mundo de nuestros sueños, incluido el de los jóvenes presentes en la proyección.<br />
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En una charla con el escritor Javier Marías, Woody Allen <a href="http://www.javiermarias.es/PAGINASDEENTREVISTAS/WoodyAllenJavierMarias.html">cuenta</a> que accedió a la cultura a través del cine:<br />
<blockquote class="tr_bq">
“En mi familia no había cultura alguna. Todo vino de mí. Desde niño me interesé por el teatro y pasaba tardes enteras tocando el clarinete. ¡Lo que recuerdo como una maravilla fue cuando abrieron los cines! El cine lo era todo, el mundo para soñar. Entonces no teníamos televisión.”</blockquote>
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El mundo para soñar. Atentos: no había televisión. ¿Son los espectadores jóvenes capaces hoy de imaginar una realidad no retransmitida por televisión? ¿Pueden transportarse a una realidad no show?<br />
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El protagonista de <i>Manhattan </i>es guionista de televisión en la realidad física pero sus sueños están en blanco y negro, en el mundo de las películas clásicas. Ver <i>Manhattan </i>lo transporta a uno al mundo de los clásicos. Y un clásico es una obra que nunca termina de decir lo que nos quiere decir, según la repetida afirmación de Italo Calvino. Incluso aunque el espectador no haya visto nunca un clásico en B/N, en el clásico de Allen la fotografía (a cargo de Gordon Willis) capta la esencia de todos los clásicos de los 40 y los 50, de un mundo sin color, pero con los matices que van del blanco al negro, de lo correcto a lo incorrecto. O sea, de nuestro mundo.<br />
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Pues bien, todos los presentes fuimos transportados con éxito al mundo de los sueños compartidos, por primera vez o una vez más, en el caso de los que habíamos visto antes la película. Al terminar todavía no sabíamos qué peso darle a la deslealtad, a la estupidez, a la inocencia, a la mezquindad o la felicidad. Pero habíamos experimentado qué significa vivirlas en toda su gama de grises.<br />
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3. Por el final: ¿el autor se ríe de sí mismo?<br />
(cuidado, spoiler en el vídeo)<br />
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<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/ylZgG5kC6cI/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/ylZgG5kC6cI?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
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Hoy día los críticos etiquetarían <i>Manhattan </i>como "cine de autor". No entiendo muy bien qué se quiere decir con esta categoría -como si no hubiera alguien detrás de toda obra, bien o mal hecha. Seguramente se refiere a que es una obra personal, en la que el director aporta un relato subjetivo de una historia, lejos de los estereotipos de un género. El <i>autor</i> en estos casos es sinónimo de un estilo.<br />
En el caso de Allen podría decirse que su estilo es la ironía. No me refiero sólo a los diálogos ingeniosos que sus fieles se saben de memoria, o a reírse del personajillo que el actor Allen suele representar en sus propias películas. Me refiero a hacer como nadie que el espectador tome distancia respecto de lo que está viviendo.<br />
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A todos nos puso un nudo en la garganta el zarandeo al que nos somete la escena final, en la que no sabemos qué pensar sobre el personaje con quien previamente nos habíamos identificado de un modo u otro: compadeciéndolo, censurándolo, previniéndolo…. Uno no puede dejar de pensar que el personaje Isaac Davis es el director Allan Stewart Könisberg (y lo que es peor, que es cada uno de nosotros ) y sin embargo no es así. El autor no es el narrador o ninguno de sus personajes. Yo no sé si el individuo Allen es un corruptor de menores o un acosador pero sí que el director Allen es un maestro en hacernos imaginar qué significaría serlo o sufrirlo a través de un personaje y, en el caso de <i>Manhattan</i>, no tener claro cómo juzgarlo o qué peligro corre uno no sabiendo hacerlo. La distancia irónica nos permite todo eso sin ahorrarnos la emoción de vivirlo.<br />
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<br />Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-52484136571264871542019-08-13T10:19:00.002-07:002019-08-13T10:19:56.870-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Con faldas y a lo loco (Some like it hot) de Billy Wilder (1959)<div style="text-align: right;">
Autor: Jaime Sanchiz</div>
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Hace ya algunos meses que pudimos deleitarnos con esta joya del cine clásico que a día de hoy sigue sacando carcajadas y risas a cualquiera que la ve, es por eso que, aunque un tiempo después de su visionado, procedo a analizar y comentar esta maravillosa película. <br />
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<i>Con faldas y a lo loco</i> es una película estadounidense de 1959 dirigida por el director Billy Wilder, también conocido por otras películas como <i>Sabrina</i>, protagonizada por la mismísima Audrey Hepburn, y <i>Un, dos, tres</i>. Está protagonizada por grandes figuras del cine como son Tony Curtis, la encantadora y seductora Marilyn Monroe que a todos enamora y Jack Lemmon, al cual le hago una mención especial por su papel en <i>El apartamento</i>, también dirigida por Billy Wilder por cierto, la cual es una película que, aparte der ser muy cuidadosa a la hora ayudar al espectador a empatizar con el desgraciado personaje que protagoniza este actor, es una película que me gusta mucho especialmente y al escribir estas líneas, me hace pensar en una cierta relación de sacrificio que tienen los personajes de Lemmon en ambas películas, pues mientras que en una presta su propio domicilio para ascender laboralmente, en la otra ha de entretener al personaje de Joe E. Brown por ayudar a su amigo y acompañante de locuras. Pero no nos entretengámonos más en adoraciones y comentarios personales y sigamos con el análisis de esta película.<br />
La historia que nos cuenta este film trata de como Joe y Jerry, dos músicos de Chicago, han de huir de su ciudad por presenciar un asesinato de la mafia y escapar de la más que segura represalia. Con motivo de su huida y para alejarse lo más posible de Chicago, se infiltran en una banda de música femenina bajo los nombres de “Dafne” y “Josephine”, mas conocen a la atractiva Sugar Kane, la cual dificultara el camuflaje de estos inocentes.<br />
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En cuanto llegan a Florida con la orquesta, todo se vuelven problemas, tanto la lucha por el corazón de Sugar como, finalmente la sorpresa de encontrar a los mafiosos que los buscan en su mismo hotel, aunque vayamos por partes. Pues aunque toda la película es una comedia brutal, las partes de cortejo de esta película son lo más gracioso de ella y no porque “Joe” no consiga engatusar a Sugar ni mucho menos, sino por lo que tiene que hacer su amigo, o más bien, “Dafne” para poder ayudarlo, pues empieza a salir con Osgood Fielding, un abuelete millonario que se muere por la contrabajista.<br />
Esta película es de las típicas que su humor no envejece aunque pasen los años, pues actualmente ya han pasado sesenta años desde su estreno. Las cómicas situaciones que han de soportar los protagonistas, ya no solo por ocultar su identidad, sino por sencillamente sobrevivir, mantienen al espectador riendo durante bastante película, pero también te hace cuestionarte la suerte que tienen los dos en cada problema que les surge y como el intelecto de ambos es el que les saca de todo, especialmente el de “Joe” a la hora de ligar con Sugar.<br />
Sencillamente es una película de la que no se puede cansar nadie de verla y de la que me alegro de haberla propuesto en su día para su visionado, pues las agradables dos horas de duración pasan completamente volando aunque bueno, en el caso que leas esto y no te haya gustado la película, qué se le va a hacer, “nadie es perfecto”.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_-Q1imF8jXrRwyvQJjenLLwyBCpIdjEu8911IEk6_webbgH_DcCS_cCCWW9IjA4dJjTf0pmBBh2HQy_MSsYnztp_bihGPMvKD15GdT3nafMqeE0kLpNGxNUuB0gtbSU5ZPs-hdE_FKKbB/s1600/Jack-Lemmon-faldas-loco_EDIIMA20170810_0548_19.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="362" data-original-width="643" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_-Q1imF8jXrRwyvQJjenLLwyBCpIdjEu8911IEk6_webbgH_DcCS_cCCWW9IjA4dJjTf0pmBBh2HQy_MSsYnztp_bihGPMvKD15GdT3nafMqeE0kLpNGxNUuB0gtbSU5ZPs-hdE_FKKbB/s320/Jack-Lemmon-faldas-loco_EDIIMA20170810_0548_19.jpg" width="320" /></a></div>
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-56275751361058582732019-07-25T10:58:00.002-07:002019-08-13T09:59:29.130-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Casablanca de Michael Curtiz (1949)<br />
Autor: Juan Gabriel Martínez<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMvYBtVQ9AbXgN_5O5LJ7wZ4gfSwHy2xO5HdDTnDpwICjHlowXHkePIOvuMFG5v55MQcUjKQg52dMVuDQ9vwd6mBpi9CGLrFdixvw6LXmb0dU8tXue4xmpZgZfQhmBAvyM-bOVU84kLpZA/s1600/casablanca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMvYBtVQ9AbXgN_5O5LJ7wZ4gfSwHy2xO5HdDTnDpwICjHlowXHkePIOvuMFG5v55MQcUjKQg52dMVuDQ9vwd6mBpi9CGLrFdixvw6LXmb0dU8tXue4xmpZgZfQhmBAvyM-bOVU84kLpZA/s320/casablanca.jpg" width="240" /></a></div>
<br />
Decir
“Casablanca” es decir cine. Si hay películas que todo aficionado al cine reconoce
como un icono, al margen de haberla visto o no, una de ellas es
incuestionablemente ésta. Todo en ella es mito: sus intérpretes (Humphrey
Bogart e Ingrid Bergman), su director (Michael Curtiz), su tema musical
principal (“As time goes by”), su trama (el amor y el deber en el marco de la
Segunda Guerra Mundial), sus lugares (la ciudad marroquí que le da nombre y el
café donde se desarrolla la mayor parte de la película: Rick’s) y, cómo no,
algunas de sus frases (“tócala otra vez, Sam”, “siempre nos quedará París”,
“Louis, pienso que éste es el principio de una gran amistad”). He aquí un buen
número de razones por las que este título mítico de la historia del cine no
podía faltar en nuestro cine-club.
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
También la
intrahistoria del rodaje ha contribuido a forjar la leyenda de esta película. A
partir de una obra de teatro de Murray Burnett y Joan Alison (“Everybody Comes
to Rick’s“) que no llegó a ser estrenada, contó con cuatro guionistas, de los
cuales uno no llegó a aparecer en los créditos. Stephen Karnot, especialista de
la Warner Brothers en análisis literario, leyó la obra y no la vio
especialmente interesante, pero le dio el visto bueno y se adquirieron los
derechos de la obra por una cantidad exorbitada para la época. Al finalizar el
rodaje, que duró poco más de dos meses, el coste de la producción se había
disparado por encima del millón de dólares, lo que era superior al promedio de
la época. Y todo eso para una película de la que nadie esperaba nada pero que
poco a poco, con el paso del tiempo, fue adquiriendo prestigio entre la crítica
y el público. De hecho, en 1943 obtuvo tres de los ocho Óscars a los que estuvo
nominada: al mejor guion adaptado, al mejor director y a la mejor película. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Casi toda la
película está rodada en estudios, salvo el aeropuerto al que llega el mayor
Strasser; la escenografía de la calle del bar y de los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">flashbacks</i> de París ya había sido utilizada en otros films
anteriores, y el interior del emblemático café de Rick es una auténtica
chapuza, construido en tres partes inconexas que harían imposible dibujar el
trazado de la planta. En este aspecto, cabe recordar que el avión de la escena
final está pintado en cartón y a escala, lo que, junto a unos extras bajitos al
fondo y todo ello vislumbrado entre la niebla, contribuyó a hacer verosímil la
ubicación de la acción. También hubo que suplir la inferior estatura de Bogart
respecto a Ingrid Bergman en las escenas en que aparecen juntos: si estaban de
pie, unos ladrillos venían a suplir los centímetros que faltaban a Bogart; si
estaban sentados, esa función la cumplían unos cojines.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
El gran
artífice de la producción fue Hal B. Wallis, quien primero pensó en William
Wyler para dirigirla, pero finalmente fue Michael Curtiz el encargado de filmar
el disperso guion escrito por los gemelos Julius y Philip Epstein, con la
incorporación posterior de Howard Koch. Sorprendentemente, algún crítico
consideró que tenía “unidad y consistencia”. Unos enfatizaron el carácter
romántico, otros el político, y todo ello ha llegado a nosotros con ese
maravilloso aire de glamour, romance y épico sacrificio en nombre del
compromiso por la libertad.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
La historia se
enmarca durante la Segunda Guerra Mundial en un rompecabezas político y bélico
mundial. Francia está dividida en dos zonas diferentemente alineadas con
Alemania: el Norte, incluido París, directamente bajo la autoridad del Tercer
Reich, y en el Sur, con sede en Vichy, un gobierno aparentemente independiente,
bajo la autoridad de Pétain, héroe nacional durante la Primera Guerra Mundial y
ahora vasallo de Hitler tras la caída en mayo de 1940 de la línea Maginot,
barrera defensiva con la que Francia creía estar protegida frente a una posible
invasión alemana. Esto supuso la derrota de Francia y su alineamiento con
Alemania. Como respuesta a esta rendición, en todo el país se organizó una
lucha clandestina contra los alemanes, una guerra de guerrillas con atentados
que fueron la estrategia seguida por lo que se conoce como La Resistencia.
Mientras esto ocurría en el interior del país, en territorio europeo, el
general De Gaulle, desde Londres, adonde había huido, hizo un llamamiento a los
franceses en nombre de la Francia Libre, una entidad abstracta que no tenía un
territorio concreto y de la que él asumió el mando. Los territorios de las
colonias africanas mostraron más afinidad con la Francia Libre, y precisamente
en Marruecos se desarrolla la historia de Casablanca, título tomado de la
ciudad más cosmopolita de Marruecos, y su mayor urbe.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Allí coinciden
de paso miles de personas que huyen del avance nazi en Europa y donde aguardan
a obtener un salvoconducto para ir a los Estados Unidos. Y ahí es donde coinciden
los dos protagonistas principales de Casablanca: el cínico Rick (Humphrey
Bogart), desengañado por el amor perdido de una antigua novia y dueño de un
popular café en el que se desarrollan actividades ilícitas con el
consentimiento de las autoridades del régimen de Vichy, e IIsa (Ingrid Bergman,
delicada, tierna, bellísima gracias a la excelente fotografía de Arthur Edeson),
su antigua novia, casada con un líder de la Resistencia.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi478QnrK-E0aWxGQnYfDYUCDDJsq1a5j8qqBDgDm6E9uOciGM1S-BcdHa-O9q6IJ1s8BYPrGD0p6dpXdxz4MeXA9WmPbxyMCyhUVkupf3M-o2JVP9nDTryawN_LauvyBYRX-M8tv0vsQPm/s1600/280px-Principal_Cast_in_Casablanca_Trailer_crop.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="176" data-original-width="279" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi478QnrK-E0aWxGQnYfDYUCDDJsq1a5j8qqBDgDm6E9uOciGM1S-BcdHa-O9q6IJ1s8BYPrGD0p6dpXdxz4MeXA9WmPbxyMCyhUVkupf3M-o2JVP9nDTryawN_LauvyBYRX-M8tv0vsQPm/s1600/280px-Principal_Cast_in_Casablanca_Trailer_crop.jpg" /></a></div>
<br />
Ambos intentan llegar
a Estados Unidos y para ello necesitan unos salvoconductos. El reencuentro
entre los antiguos amantes, Rick e Ilsa, sirve para rememorar los días de su
idilio en París y hacer resurgir los sentimientos de aquellos días que acabaron
bruscamente para Rick sin saber qué había motivado la desaparición de Ilsa.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Rick aún espera una explicación, e Ilsa se ve
atrapada entre dos hombres: su marido, el líder de la Resistencia, Victor
Laszlo (Paul Henreid), y Rick, al que no ha dejado de amar. La política también
está presente, pues comparten el mismo compromiso en su lucha contra el
fascismo, aunque Rick aparenta un desinterés que le permite llevarse bien con
las autoridades francesas, que prefieren mirar hacia otro lado ante las
actividades de Rick. Como ya vimos al principio, cada uno de los participantes
en la escritura de la película puso el acento en uno u otro de los elementos
del guion que para él era más importante. Así, si para los gemelos Epstein lo
toques de comedia del original eran primordiales, Koch puso más énfasis en los
elementos políticos y melodramáticos, mientras que Curtiz, bajo la apariencia
de no hacer sino poner en imágenes poco elaboradas la historia que le entregaron,
dio más importancia a las partes románticas y cargó de contenido moral esta
historia clásica de amor, este triángulo amoroso.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOYgD9bsWLd7vxw8WVJ4ycYdq1GzwDBPbft6np8CdoEwbS6M2bTJAe31foSRo6aSgMeMC8mf169zaafXu0hEAQv2RjrsWs1Kd335exoIlCnllET-jQyy_kGtMFVYnD49Uli1pkSogCoBSl/s1600/casablanca-1.0.0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOYgD9bsWLd7vxw8WVJ4ycYdq1GzwDBPbft6np8CdoEwbS6M2bTJAe31foSRo6aSgMeMC8mf169zaafXu0hEAQv2RjrsWs1Kd335exoIlCnllET-jQyy_kGtMFVYnD49Uli1pkSogCoBSl/s320/casablanca-1.0.0.jpg" width="320" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Comedia,
romanticismo, política, moral, melodrama, todo ello dio como resultado una
clásica historia que no parecía tener nada de especial, pero que ha conquistado
a generaciones y generaciones de espectadores, que reconocen casi cada plano y
cada secuencia del film. A ello contribuyó, y todavía hoy lo hace, la canción
más famosa de la banda sonora. Ésta le fue encomendada a Max Steiner, pero una
canción de otro compositor se cruzó en su camino. Una vez más en esta película,
las cosas no salieron como el responsable de ella pretendía. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Cuando Steiner
quiso sustituir la canción de Herman Hupfeld, “As time goes by”, que había sido
compuesta para la obra de teatro original y que ya se había utilizado para
grabar algunos planos de Ingrid Bergman, por una composición propia, se vio en
la imposibilidad de hacerlo por dificultades de rodaje, por lo que decidió
hacer girar el resto de la banda sonora alrededor de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">leitmotivs </i>de este tema. Magnífica decisión de la que nadie se
arrepentiría, ya que el tema permaneció 21 semanas en los primeros puestos de
las listas de éxitos, y sin duda que debió contribuir al éxito de la cinta. La
otra pieza musical referente de la película es La Marsellesa, que también
aportará elementos para la composición de la banda sonora creada por Steiner.
Hablábamos antes de escenas inolvidables de la película, y no podemos dejar de
recordar aquélla en que los clientes del café de Rick, junto con la orquesta,
desafían con la interpretación del himno francés, vibrante y emocionada, a los
oficiales alemanes que habían empezado a interpretar una célebre canción
alemana, “Die Wacht am Rhein” (El guardián del Rin). El duelo musical y
dialéctico acaba decantándose del lado de los clientes de todas las
nacionalidades que ven en La Marsellesa un canto de libertad y de oposición al
fascismo. Este momento épico precipitará los acontecimientos y hará tomar a los
personajes decisiones trascendentales, divididos entre los sentimientos y el
deber, a veces a costa de enormes sacrificios y renuncias. De hecho, muchos
exiliados y refugiados participaron como extras en el rodaje de la película,
mostrando con ello su militancia y rechazo a los nazis. Algún testigo de la
filmación de esta escena contó después que había visto llorar a los actores
durante este duelo musical.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvXPFMG15fyTk_WNvGIYEVY15dXL5usZr5SlaPBVLwBwLrnvupwMCVzAVvmTm0SM4bUyYEJ_r9D5waJKa1g0y-6nRHyWTpP7sRb9Sv6d7eCb4kYsZ9nvWoqOsnowpsNLMPMIJdX9Ux50rN/s1600/hqdefault.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="360" data-original-width="480" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvXPFMG15fyTk_WNvGIYEVY15dXL5usZr5SlaPBVLwBwLrnvupwMCVzAVvmTm0SM4bUyYEJ_r9D5waJKa1g0y-6nRHyWTpP7sRb9Sv6d7eCb4kYsZ9nvWoqOsnowpsNLMPMIJdX9Ux50rN/s320/hqdefault.jpg" width="320" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Está claro que
los hilos con los que se construyó este clásico con simples y dispersos, pero
nadie puede negar que se trata de una obra que trata temas universales y eternos,
y tal vez en ello esté la clave de su éxito y de que nos siga llegando tan
directamente al corazón. Porque no podemos obviar que es un melodrama, pero un
melodrama que no nos cansamos de ver, de esos que nos conmueven cada vez que
los vemos. Lamentablemente esta vez nuestra audiencia se resintió (¡cosas del
calendario escolar!), aunque seguro que no dejarán pasar la ocasión de verla de
otra manera y en otro momento. Los que estuvimos allí también.<a href="https://www.blogger.com/u/1/null" name="_GoBack"></a></div>
<br />Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-12058099741746159112019-07-22T10:42:00.004-07:002019-07-22T15:57:15.966-07:00Cine-Club del Rodrigo Caro: Danzad, danzad malditos de Sidney Pollack (1969)Autor: Juan Gabriel Martínez<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6E3xTRJy852qpRAYIu4ehsSyDfT29ja3lzja-_tsSO1biL49M2UB4fGybPtrcQ-q52-Mx6uh0Q_UcgQJx8q5CLSEnWBtFDAKcA29VuGT7BWqfUxJ6FIk9pV_NkVIxZfK-7xEarhlKoTi-/s1600/danzad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="294" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6E3xTRJy852qpRAYIu4ehsSyDfT29ja3lzja-_tsSO1biL49M2UB4fGybPtrcQ-q52-Mx6uh0Q_UcgQJx8q5CLSEnWBtFDAKcA29VuGT7BWqfUxJ6FIk9pV_NkVIxZfK-7xEarhlKoTi-/s320/danzad.jpg" width="211" /></a></div>
<br />
<br />
Empezamos el tercer trimestre del curso con nuestra octava sesión. Y para ello hemos elegido una película bastante alejada de nuestros clásicos habituales, y de cuyo director es la primera que hemos visto.
Sydney Pollack es tal vez uno de los directores contemporáneos (aunque haya fallecido hace 11 años) de mayor éxito de crítica y público, y entre su filmografía se encuentran comedias como <i>Tootsie </i>(1982), westerns como <i>Las aventuras de Jeremías Johnson</i> (1972), thrillers políticos como <i>Los tres días del cóndor</i> (1975) o dramas de ácida denuncia de la sociedad americana como una de sus primeras y mejores películas, <i>El nadador</i> (1968) o la elegida por nuestro cine-club para esta sesión, <i>Danzad, danzad, malditos</i> (1969), cuyo título en español es ya casi una bofetada en la cara de los espectadores. En este breve repaso a su filmografía no debemos dejar de mencionar <i>Memorias de África</i> (1985), con la que obtuvo sus únicas dos estatuillas de los Óscar, a la mejor película y al mejor director, y en la que un icónico Robert Redford repitió una vez más como protagonista en uno de sus films (en total fueron 6).
Lo primero que nos llama la atención, sin duda, en esta cinta es su título sin concesiones, directo y casi agresivo, a lo que no es ajeno el uso reiterado de un imperativo, acompañado de un adjetivo injurioso, algo sin duda muy atrevido y provocador para un público de la década de los 60, aunque todos sabemos lo transgresora que fue esa época para los artistas, y las diversas manifestaciones políticas y culturales a las que dio lugar como rechazo al status quo. En ese contexto Sydney Pollack decidió hacer la versión cinematográfica de una novela de Horace McCoy titulada <i>They Shoot Horses, Don’t They?</i>, de 1935, exactamente como el título que Pollack dio a su film, con guión de James Poe y Robert E. Thompson, e igualmente impactante para las convenciones de la época, esta vez bajo la forma de una pregunta retórica que no necesita respuesta. Con ella consiguió dos nominaciones a la mejor actriz principal (Jane Fonda) y a la mejor actriz de reparto (Susannah York).
La novela se encuadra en el subgénero de la novela negra conocido como hard-boiled, ficción en la que se ve la explotación del ser humano, las bajas pasiones, la violencia y a menudo el erotismo que conduce al sexo explícito. El espíritu de esta novela se ve fielmente reflejado en esta película claustrofóbica, violenta, cruel, lasciva, pasional y profundamente humana si por tal entendemos lo mejor y lo peor que hay en el alma humana. Porque lo que nos encontramos en los seres que pueblan y viven en estas imágenes son las ganas por salir de la miseria de los años posteriores a la Gran Depresión y vivir; vivir como sea, a cambio de vender la dignidad para aspirar a un premio que no lo es; aunque tal vez sean ellos, los protagonistas del espectáculo, los que más dignidad posean en contraposición a unos productores sin escrúpulos y a un público voyeur, ávido de carnaza, de ver el sufrimiento ajeno acaso para hacer más llevadera su miserable existencia de cada día en los años 30.
Al tratar una temática tan propia de los años 30 anteriores a la Segunda Guerra Mundial a finales de los años 60, Pollack plantea una reflexiva crítica sobre la sociedad americana y el mundo del espectáculo. Pero aún hoy, 50 años más tarde, podemos afirmar que tal visión y semejante debate están más vigentes que nunca. Uno no puede dejar de mostrarse pesimista ante la evolución de la sociedad y el devenir del ser humano cuando contempla hasta qué punto visiones del mundo del ocio y del entretenimiento más propias de tiempos pretéritos (el circo de los romanos o estos concursos de la película que nos ocupa), o distopías como la reflejada por George Orwell en 1984 siguen sobrevolando sobre nosotros como si no hubiera otro destino posible para la sociedad, condenada una y otra vez a repetir los mismos comportamientos.<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/7yRu85HLKF4/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/7yRu85HLKF4?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
En esta película se ve la confluencia de esos dos grandes males de nuestro modelo de vida y de sociedad: por un lado, la diversión basada en el exhibicionismo voluntario de las miserias humanas, que llevan a los individuos a sacrificarse públicamente en un altar catódico para solaz de una sociedad degradada/depravada que se deleita en el dolor ajeno y la caída de los demás, víctimas propiciatorias en aras del espectáculo, como si eso los hiciera a ellos mejores; por otro, la cesión voluntaria de la intimidad en el mundo digital, en un ciberespacio que, pese a su presunta apertura, no hace más que constreñir a un espacio binario, dominado por el algoritmo, los millones de billones de datos que cedemos voluntariamente sin ser conscientes del dominio que sobre nosotros estamos otorgando a corporaciones y personas que no necesitan estar cerca para saber cuanto les interesa de nosotros, simples peleles consumidores de noticias, pensamientos y productos comerciales, en unos procesos en los que cada vez cuenta menos el libre albedrío, y de los que ninguna ley de protección de datos va a protegernos. ¿Acaso no firman el mismo documento de aceptación los concursantes que “libremente” aceptan participar en el concurso/maratón de baile en el que compiten los protagonistas de Danzad, danzad, malditos? ¿Acaso no aceptan “voluntariamente” los concursantes de los realities los términos de los contratos que firman para su participación en ellos? ¿Acaso cualquiera de nosotros no pincha compulsivamente la pestaña aceptar cuando instala aplicaciones en su móvil, esa cámara informante que introducimos en nuestras vidas y en nuestras conciencias, hayamos leído o no las condiciones de uso? ¿Acaso ellos no disparan a los caballos? ¿De qué podemos sorprendernos ya? ¿De qué nos escandalizaremos? Creemos ser el consumidor y tal vez no seamos sino el producto, la mercancía y no el cliente, el objeto de deseo antes que el usuario.
Los dos principales protagonistas de Danzad, danzad, malditos, Gloria (Jane Fonda), ambiciosa, rebelde, emprendedora, la presa ideal para los productores, y Robert (Michael Sarrazin, tal vez en el mejor papel de su carrera, pero sin duda el que más reconocimiento le otorgó), indeciso, vulnerable, retraído, verán cómo, a lo largo de los más de tres meses que dura el maratón de baile, sus vidas van a dar un vuelco trascendental, un despertar de la conciencia que sólo los puede llevar a la tragedia, pero una tragedia liberadora como única salida al infierno de sus vidas y del lugar donde transcurre todo el film, un espacio cerrado (¿hace falta recordar la casa de Gran Hermano?) habilitado para que los participantes no salgan de él durante el maratón, carente de cualquier privacidad, situado frente a un mar que nuestros protagonistas ven en la distancia y cuya asociación a la libertad inaccesible está presente en los momentos de descanso. Frente a él se desarrollarán los diálogos más profundos y angustiosos de Gloria y Robert. Ese enclaustramiento constituirá una de las condiciones que deberán aceptar los participantes como premisa para asegurarse una alimentación a la que en sus vidas cotidianas no tenían acceso en los duros años posteriores al Crack de 1929. Es el precio que los participantes debían pagar para comer al menos durante el tiempo que resistiesen en estos concursos que tan frecuentes fueron en esos años de penuria, y para conseguir un premio económico que les solucionase la existencia, poco importaban las humillaciones que tuviesen que padecer por parte de los organizadores ante las miradas divertidas de los espectadores (posibles benefactores de las parejas, para lo cual hay que hacerse merecedor de su apoyo) que, estos sí, entran y salen libremente del recinto durante todo el verano, período en el que transcurre la historia, como si la celebración de este maratón de “baile” fuese otro ameno pasatiempo de este rincón del litoral americano.
Hablar de baile en estos concursos es decir mucho. Si bien es cierto que empiezan así, y hay orquestas célebres que van pasando por el escenario en un ambiente divertido y entusiasta, según transcurre la historia los números musicales son presentidos como una tortura antes de ser anunciados por megafonía, y no podemos ser ajenos como espectadores a esa impresión. Vivimos, como los participantes, la angustia de tener que volver a la pista de baile, donde bastará con mover los pies, arrastrarse o dejarse arrastrar por la pareja para permanecer en el concurso hasta que las fuerzas aguanten (a veces alguna prueba física viene a completar la tortura para ir eliminando competidores, también para mayor disfrute del público). Me atrevo a decir que nunca antes ni después la música fue percibida en una película como una amenaza hasta el punto de hacernos, por empatía con los “bailarines”, temer y aborrecer el momento de volver a la pista, y gritar: “¡que pare la música, por favor!” Poco importan los sufrimientos de los participantes, el show debe continuar para deleite de los morbosos espectadores y de los carroñeros organizadores, gente sin prejuicios que manejan a su voluntad los sueños y los sentimientos de sus víctimas.
Con todo lo dicho, podemos asegurar que no es una película ni fácil ni agradable de ver, y creo que los asistentes de nuestro cine-club compartieron esa impresión; una audiencia que se renueva con miembros más jóvenes y que nos hace ser optimistas sobre la salud y la energía de nuestro cine-club. También unos asistentes a los que les hemos planteado un gran reto con esta dura película que les habrá suscitado emociones fuertes y muchas preguntas, y ésas son también buenas razones para hacer del cine un lugar de aprendizaje y reflexión, además de disfrute y encuentro.
Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-57666087221761650112019-07-22T10:33:00.002-07:002019-07-22T10:43:14.040-07:00Cine-club del Rodrigo Caro: Amanece que no es poco de José Luis Cuerda (1988))<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Autora: María Jesús Morón </span></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwuggLCcWOYWgz6lTHQfNJGg2xjROqET_m91aPCGMECCfLY3wDzSGHwCZCq2RwoUXk-rSSbrYxp76Aq-gqtP286Lc1ApTl-hq4cmtce-r9OzwhyphenhyphenJF0EVt1o6yB-mh69W3TPHdqW06IIJZK/s1600/amanece.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="224" data-original-width="152" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwuggLCcWOYWgz6lTHQfNJGg2xjROqET_m91aPCGMECCfLY3wDzSGHwCZCq2RwoUXk-rSSbrYxp76Aq-gqtP286Lc1ApTl-hq4cmtce-r9OzwhyphenhyphenJF0EVt1o6yB-mh69W3TPHdqW06IIJZK/s1600/amanece.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">El pasado 28 de marzo vislumbramos en nuestro cine club una rara avis de la filmografía española: Amanece que no es poco.
Película coral, en la que vemos cómo transcurre la vida en un pueblo de provincias, manchego para más señas, dirigida en 1988 por José Luis Cuerda, con un elenco de actores cuyas carreras han discurrido con mejor o peor suerte desde entonces.
Tirando de hemeroteca, vemos que fue una película con escaso éxito en su momento, plagada de anécdotas y de la que surgieron, cual seguidores de Star Wars, los Amanecistas, individuos que repiten hasta la saciedad diálogos de la película y que se reúnen anualmente en Molinicos, Ayna y Liétor, todas localidades de Albacete en donde se rodaron la mayor parte de las escenas.
Precioso canto a la inocencia. Que nos hacer reír por el absurdo de algunas intervenciones, pero que deja un poso de tristeza al final, al recordarnos que la inocencia, comúnmente asociada a la infancia, se pierde con la adultez. La del espectador, en este caso.
Porque los personajes de este pueblo son como niños jugando en el patio del colegio. Cada uno tiene su papel: el maestro, el médico, el policía…, aunque también hay otros roles más adultos: la prostituta, el cornudo, el borracho, el suicida…, y todos cumplen con sus obligaciones, como hacen los niños disciplinados y aplicados.
Y hay también niños en la película, niños de verdad, los alumnos del profesor, que parecen más adultos que sus padres. Incluso hay una niña que, físicamente, es mayor que su madre. La vida al revés. A lo Benjamin Button. </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/acdSiJhuxjM" width="560"></iframe> </span></span><br />
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<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Película surrealista, con hombres que nacen en los bancales, como malas hierbas, suicidas que no consiguen morir, mujeres que quedan preñadas una noche y a los diez minutos, dan a luz, y un sinfín de particularidades que han hecho de esta película un largometraje de culto para una generación de espectadores
Recomendable, por tanto, adentrarse en este pueblo, en el que existe una auténtica devoción por Faulkner, en el que nadie es malicioso ni nocivo y se actúa por el bien de la comunidad. Quizás, hasta aprendamos algo viéndola y si no, si el sol nos sale por el otro lado, siempre nos quedará el ¡Me cago en el misterio! para liberarnos de todo, parafraseando a José Sazatornil y a un buen amigo mío.
</span></span>Bitacorero del Rodrigo Carohttp://www.blogger.com/profile/09421859182743494530noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7558317113882720704.post-59798169916545161652019-06-03T07:48:00.000-07:002019-06-03T07:48:26.439-07:00Ganadores del concurso literario Concha Caballero 2018/2019<div style="text-align: center;">
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<a href="https://www.calameo.com/books/0052123523d9ab0927905" target="_blank">V Certamen Literario</a></div>
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<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/dGrBGfzDkZM" width="560"></iframe>
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<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/Tv30gbCjkhM" width="640"></iframe>
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Y éste es el texto completo.<br />
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<a href="https://www.calameo.com/books/00521235239ec1c950a21" target="_blank">Pesadilla antes de Halloween -Manuel González Gómez</a></div>
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<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/s33zr-FCYT8" width="640"></iframe>
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<a href="https://www.calameo.com/books/005212352306644b254b7" target="_blank">El Castillo Encantado De La Puebla</a></div>
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<a href="https://www.calameo.com/books/005212352567f9ed0a238" target="_blank">Trabajo De Terror</a></div>
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